Diferencia entre revisiones de «Ópera»

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ME ENCANTA LA OPERA CON TU ABUELA
{{otros usos|Ópera (desambiguación)}}
 
'''Ópera''' (del [[idioma italiano|italiano]] ''opera'', 'obra musical') designa un género de [[música]] teatral en el que una acción escénica se armoniza, se canta y tiene acompañamiento instrumental. Las representaciones suelen ofrecerse en [[teatro de ópera|teatros de ópera]], acompañadas por una [[orquesta]] o una [[agrupación musical]] menor. Forma parte de la tradición de la [[música clásica europea]] y occidental.<ref group=n>Formas artísticas comparables originarias de otras partes del mundo, algunas de ellas de origen antiguo, son también a veces llamadas "ópera" por analogía, normalmente identificadas con el gentilicio (por ejemplo, [[Ópera china]]). Estas tradiciones independientes no son derivadas de la ópera occidental, pero son formas diferentes de teatro musical. Cabe aclarar que la ópera no es el único tipo de teatro musical occidental: en el mundo antiguo, la [[tragedia griega]] presentaba canto y acompañamiento instrumental; y en épocas modernas, han aparecido otras formas tales como el Musical.</ref>
 
== Descripción ==
 
A diferencia del [[oratorio (música)|oratorio]], la ópera es una obra destinada a ser representada. Algunos géneros de teatro musical están estrechamente relacionados con la ópera, como son la [[zarzuela]] española, el ''[[singspiel]]'' alemán, la [[opereta]] vienesa, la ''[[opéra-comique]]'' francesa y el [[musical]] inglés y estadounidense. Cada una de estas variantes del teatro musical tiene sus características propias, sin que tales les sean privativas y, en no pocas ocasiones, dando lugar a que las fronteras entre tales géneros no sean claras. En la ópera, como en varios otros géneros del teatro musical, se une:
<br />
* La música (orquesta, solistas, coro y director)
* La poesía (por medio del [[libreto]])
* Las artes escénicas, en especial la actuación, el [[ballet]] y la danza
* Las artes escenográficas (pintura, artes plásticas, decoración, arquitectura)
* La iluminación y otros efectos escénicos
* El maquillaje y los vestuarios
 
La ópera se suele diferenciar de los otros géneros de teatro musical aceptándose que, la ópera es una representación completamente acompañada por música. La historia del género demuestra que tal afirmación no es correcta. Si bien la ópera se diferencia del teatro recitado por la extraordinaria participación de la música en su constitución, ya desde el barroco se conocían formas limítrofes como la [[mascarada]], la [[ópera de baladas]], la [[zarzuela]] y el ''[[singspiel]]'' que se confunden en no pocos casos con la ópera. Así, los ''singspiele'' de [[Wolfgang Amadeus Mozart]] se consideran óperas al igual que las zarzuelas de [[José de Nebra]], mientras que ''[[Die Dreigroschenoper]]'' (''La ópera de los tres centavos'') de Kurt Weill está, en realidad, mucho más próxima al teatro recitado que a la ópera. Finalmente, hay otros géneros próximos a la ópera como lo son la [[ópera-ballet]] del barroco francés y algunas obras neoclasicistas del siglo XX como, por ejemplo, algunas obras de [[Igor Stravinsky]]. No obstante, en estas obras la parte principal expresiva recae en la danza mientras que el canto es relegado a un papel secundario. Al respecto de la diferencia entre la ópera y la zarzuela, la opereta, el ''singspiel'' y el musical inglés y estadounidense, la delimitación nace de una diferencia formal.
 
== Géneros de ópera ==
 
* [[Drama jocoso|Drama jocosso]]
* [[Dramma per musica]]
* [[Farsa (ópera)]]
* [[Grand Opéra]]
* [[Intermède]]
* [[Intermezzo (música)]]
* [[Opéra bouffon]]
* [[Ópera bufa]]
* [[Ópera china]]
* [[Opéra-comique]]
* [[Ópera de baladas]]
* [[Ópera de cámara]]
* [[Ópera de Pekín]]
* [[Ópera Savoy]]
* [[Ópera seria]]
* [[Ópera-ballet]]
* [[Opereta]]
* [[Opéra bouffe]]
* [[Opéra féerie]]
* [[Pastoral heroica]]
* [[Semiópera]]
* [[Tragédie en musique]]
* [[Verismo]]
 
== Historia ==
 
=== Orígenes ===
 
{{AP|Orígenes de la ópera}}
[[Archivo:Portrait_of_an_Actor,_copy_after_Fetti_-_Robbins-Landon_1991_p60.jpg|thumb|200px|Claudio Monteverdi.]]
La palabra «''opera''» significa 'obra' en [[Idioma italiano|italiano]] (de la voz [[Latín|latina]] «''opus''», 'obra' o 'labor') sugiriendo que combina las artes del canto coral y solista, declamación, actuación y danza en un espectáculo escénico.
 
Algunos autores señalan como precursores formales de la ópera a la [[tragedia griega]], a los cantos carnavalescos italianos del siglo XIV (la ''[[mascarada|mascerata]]'' italiana) y a los ''intermedios'' del siglo XV (pequeñas piezas musicales que se insertaban durante las representaciones teatrales).<ref>{{cita libro|apellidos=Grabner|nombre=Herrmann|editorial=Akal|título=Teoría General de la Música|año=2001|ubicación=Madrid|isbn=84-460-1091-7|páginas=236-237}}</ref>
 
''[[La Dafne (Peri)|Dafne]]'' de [[Jacopo Peri]] fue la primera composición considerada ópera, tal como la entendemos hoy. Fue escrita durante [[1597]], bajo la gran inspiración de un círculo elitista de literatos [[humanistas]] [[Florencia|florentinos]], conocidos como la "[[Camerata Florentina|Camerata de' Bardi]]" o "Camerata Florentina". Significativamente, ''Dafne'' fue un intento de revivir la [[tragedia griega]] clásica, parte del más amplio revivir de las características de la antigüedad, propio del [[Renacimiento]]. Los miembros de la Camerata consideraban que las partes corales de las tragedias griegas fueron originalmente cantadas, y posiblemente el texto entero de todos los roles; la ópera entonces fue concebida como una manera de "restaurar" esta situación.
''Dafne'' se representó en privado por primera vez el [[26 de diciembre]] de [[1598]] en el Palacio Tornabuoni de la ciudad de [[Florencia (Italia)|Florencia]] (Italia), y en público el [[21 de enero]] de [[1599]] en el [[Palacio Pitti]], de Florencia.<ref>[http://www.nndb.com/people/694/000097403/ «Jacopo Peri»], artículo biográfico en inglés publicado en el sitio web NNDB.</ref>
''Dafne'' se halla perdida. Una obra posterior de Peri, ''[[Euridice (ópera)|Euridice]]'', de [[1600]], es la primera ópera que ha sobrevivido. El honor de ser la primera ópera que aún se presenta regularmente le corresponde a ''[[Orfeo (ópera)|L'Orfeo]]'' de [[Claudio Monteverdi]], compuesta para la corte de [[Mantua]] en [[1607]].
 
=== Ópera italiana ===
 
{{AP|Ópera italiana}}
 
==== Temática en el barroco ====
 
La ópera no iba a permanecer confinada a las audiencias cortesanas por mucho tiempo; sin embargo en 1637 la idea de una «temporada» ([[Carnaval]]) de óperas de «interés público», sostenida por la venta de boletos, surgió en [[Venecia]]. Monteverdi se había radicado allí, y compuso sus últimas óperas, ''[[Il ritorno d'Ulisse in patria]]'' y ''[[L'incoronazione di Poppea]]'', para el teatro veneciano en la década de 1640. Su principal seguidor, [[Francesco Cavalli]], colaboró en la propagación de la ópera en Italia. En estas primeras óperas barrocas, la amplia comedia fue combinada con elementos trágicos en una mezcla que sacudió algunas sensibilidades educadas, apareciendo el primero de varios movimientos reformistas de la ópera. Tal movimiento contó con el patrocinio de la [[Academia Arcadiana de Venecia]], que estaba asociada con el poeta [[Metastasio]]. Los libretos de este autor ayudaron a cristalizar el género de la ''[[ópera seria]]'', la cual se convirtió en la forma dominante de ópera italiana hasta fines del siglo XVIII. Una vez que el ideal metastasiano fue establecido firmemente por toda familia de la comedia en la ópera de la era barroca fue reservada para la que sería conocida como ''[[opera buffa]]''.
 
[[Archivo:Haendel.jpg|thumb|left|[[George Frideric Handel]], 1733.]]
Antes de que estos elementos fueran expulsados de la ópera seria, muchos libretos ofrecían por separado una trama cómica desdoblada, como una especie de «ópera dentro de una ópera». Un motivo de peso para que esto ocurriera fue el intento de atraer a los teatros de ópera públicos a los miembros de la creciente clase mercantil, nuevamente vigorosa, pero aún menos culta que las clases nobles. Estos argumentos separados fueron resucitados casi inmediatamente en el desarrollo por separado de una nueva tradición, que derivó en parte de la ''commedia dell' arte'' (como de hecho, tales tramas siempre habían estado), una largamente floreciente etapa de la tradición italiana. Apenas estos «intermedios» fueron presentados una vez en medio de los actos de una representación escénica, las óperas en el nuevo género del «''intermezzi''» se desarrollaron ampliamente en [[Nápoles]] durante las décadas de 1710 y 1720, siendo inicialmente presentadas durante los intermedios de la ópera seria. Llegaron a ser tan populares, sin embargo, que pronto eran ofrecidas como producciones separadas.
 
La ópera seria fue elevada en tono y altamente estilizada en forma, consistiendo generalmente en recitativo «''secco''» intercalado con largas arias «''da capo''». Esto produjo grandes oportunidades para el virtuosismo vocal, y durante la era dorada de la ópera seria el cantante se convirtió en estrella. Los roles de héroe fueron usualmente escritos para la voz de [[castrato]], tales como [[Farinelli]] y [[Senesino]], así como las heroínas [[soprano]]s como [[Faustina Bordoni]], fueron altamente demandados a lo largo de toda Europa, mientras la ópera seria rigió los escenarios de cada país, excepto Francia. De hecho, Farinelli fue el cantante más famoso del siglo XVIII. La ópera italiana fijó el estándar barroco. Los libretos italianos fueron la norma, incluso cuando un compositor alemán como [[Handel]] se encontró escribiendo para las audiencias londinenses. Los libretos italianos continuaron dominando en el [[Música clásica|período clásico]], por ejemplo, con óperas de [[Mozart]], quien escribió en Viena casi un siglo después. Los principales compositores nativos italianos de ópera seria fueron [[Alessandro Scarlatti]], [[Antonio Vivaldi]] y [[Nicola Porpora]].
 
==== Reformas de Gluck, Mozart ====
 
[[Archivo:Orfeo ed Euridice.jpg|thumb|''Orfeo ed Euridice'': Ilustración de la portada de la primera edición de la partitura (París, 1764).]]
{{Multimedia|archivo=Wolfgang Amadeus Mozart - Don Giovanni - Overtüre.ogg|título=orquesta|descripción=Obertura de [[Don Giovanni]], una de las piezas más famosas de Mozart (1787).|formato=[[Ogg]]|posición=left}}
 
La «ópera seria» tuvo sus debilidades y críticas, siendo atacados principalmente su gusto por el adorno vocal de cantantes magníficamente entrenados y el uso del espectáculo como reemplazo de la pureza y la unidad dramáticas. ''Ensayo sobre la ópera'' (1755), de [[Francesco Algarotti]], demostró ser una inspiración para las reformas de [[Christoph Willibald Gluck]]. Sostuvo que la «ópera seria» tenía que volver a sus bases, el ideal metastasiano, y que todos los diversos elementos —música (instrumental y vocal), ballet, y puesta en escena— deben subordinarse al drama. Sus ideas no resultaron aceptadas por todos los compositores, dando inicio a la [[querella de gluckistas y piccinnistas]]. De igual modo, varios compositores del período, incluyendo a [[Niccolò Jommelli]] y [[Tommaso Traetta]], intentaron poner en práctica sus ideales. El primero en tener consentimiento y dejar una impronta permanente en la historia de la ópera, sin embargo, fue Gluck. Gluck trató de gestar una «bella simplicidad». Esto ha sido ilustrado en la primera de sus óperas «reformadas», ''[[Orfeo ed Euridice]]'', donde las líneas vocales carentes de virtuosismo son apoyadas por armonías simples y una presencia orquestal notablemente más rica de lo usual.
 
Las reformas de Gluck han tenido resonancia a través de la historia operística. Weber, Mozart y Wagner, en particular, fueron influenciados por sus ideas. Mozart, en muchos sentidos, el sucesor de Gluck, combinó un magnífico sentido del [[drama]], [[armonía]], [[melodía]] y [[contrapunto]] para componer una serie de comedias, especialmente ''[[Le nozze di Figaro]]'', ''[[Don Giovanni]]'' y ''[[Così fan tutte]]'' (en colaboración con [[Lorenzo da Ponte]]), que permanecieron entre las más populares, amadas y conocidas del repertorio. Pero la contribución de Mozart a la «ópera seria» fue menos clara, a pesar de sus excelentes obras ''[[Idomeneo (ópera)|Idomeneo]]'' y ''[[La clemenza di Tito (Mozart)|La clemenza di Tito]]''. Su estado de salud y su precoz muerte no le permitieron hacer renacer el género.
 
==== ''Bel canto'', Verdi y verismo ====
 
{{Multimedia|archivo=La_Donna_E_Mobile_Rigoletto.ogg|título=La donna è mobile|descripción=[[Enrico Caruso]] interpreta «La donna è mobile», de ''Rigoletto'' de Giuseppe Verdi (1908)|formato=[[Ogg]]|archivo2=No Pagliaccio non son.ogg|título2=No Pagliaccio non son|descripción2=De ''Pagliacci'' de Ruggiero Leoncavallo. Interpretado por Enrico Caruso|formato=[[Ogg]]}}
[[Archivo:Giuseppe Verdi by Giovanni Boldini.jpg|thumbnail|200px|left|Giuseppe Verdi, por [[Giovanni Boldini]], 1886 (Galería Nacional de Arte Moderno, Roma).]]
El movimiento operístico de ''[[bel canto]]'' floreció a principios del siglo XIX, siendo ejemplificado por las óperas de [[Gioachino Rossini|Rossini]], [[Vincenzo Bellini|Bellini]], [[Gaetano Donizetti|Donizetti]], [[Giovanni Pacini|Pacini]], [[Saverio Mercadante|Mercadante]] y muchos otros. ''Bel canto'', en italiano, significa «canto bello», y la ópera deriva de la escuela estilística italiana de canto del mismo nombre. Las líneas belcantistas son típicamente floridas e intrincadas, requiriendo suprema agilidad y control del tono.
 
Continuando con la era del ''bel canto'', un estilo más directo y vigoroso fue rápidamente popularizado por [[Giuseppe Verdi]], comenzando con su ópera bíblica ''[[Nabucco]]''. Las óperas de Verdi resonaban con el crecimiento del espíritu del nacionalismo italiano en la era posnapoleónica, y rápidamente se convirtió en un ícono del movimiento patriótico (aun cuando sus propias políticas no fueron quizás tan radicales). A principios de la década de 1850, Verdi produjo sus tres óperas más populares: ''[[Rigoletto]]'', ''[[Il trovatore]]'' y ''[[La traviata]]''. Pero continuó desarrollando su estilo, componiendo tal vez la mayor ''[[Grand Opéra]]'' francesa, ''[[Don Carlo]]'', y culminando su carrera con dos trabajos inspirados en obras de [[Shakespeare]], ''[[Otello (Verdi)|Otello]]'' y ''[[Falstaff (Verdi)|Falstaff]]'', las cuales revelan el gran crecimiento en sofisticación de la ópera italiana desde principios del siglo XIX.
 
Luego de Verdi, el melodrama sentimental «realista» del [[verismo]] apareció en Italia. Éste fue un estilo introducido por [[Pietro Mascagni]] con su ''[[Cavalleria Rusticana]]'' y [[Ruggero Leoncavallo]] con ''[[Pagliacci]]'', estilo que llegó virtualmente a dominar los escenarios de ópera mundiales con obras tan populares como ''[[La Boheme]]'', ''[[Tosca (ópera)|Tosca]]'', y ''[[Madama Butterfly]]'' de [[Giacomo Puccini]]. Compositores italianos posteriores, tales como [[Luciano Berio]] y [[Luigi Nono]], experimentaron con el [[modernismo (arte)|modernismo]]. En España, un ejemplo reciente de este verismo es la Ópera ''La Casa de Bernarda Alba'' interpretada en 2018 en el Teatro de la Zarzuela con música de Miquel Ortega.
 
=== Ópera alemana ===
 
{{AP|Ópera alemana}}
{{Multimedia|archivo=Richard Wagner - Tristan und Isolde - Vorspiel.ogg|título=Tristan und Isolde: Preludio|descripción=|formato=[[Ogg]]}}
[[Archivo:Der Freischütz um 1822.jpg|thumb|left|Litografía de una representación en 1822 de [[Der Freischütz]]]]
La primera ópera alemana fue ''Dafne'', compuesta por [[Heinrich Schütz]] en [[1627]], cuya música se ha perdido. La ópera italiana continuó teniendo gran presencia e influencia sobre los países de habla alemana hasta finales del siglo XVIII. De todas maneras, se desarrollaron formas nativas. En [[1644]], [[Sigmund Theophil Staden|Sigmund Staden]] produjo el primer ''[[Singspiel]]'', ''[[Seelewig]]'', una forma popular de ópera en idioma alemán, en el cual se alternan canto con diálogo hablado. A fines del siglo XVII y principios del siglo XVIII, el [[Oper am Gänsemarkt|Theater am Gänsemarkt]] en [[Hamburgo]] presentó óperas alemanas de [[Reinhard Keiser|Keiser]], [[Telemann]] y [[Handel]]. Aún muchos compositores alemanes importantes de la época, entre ellos el mismo Handel, [[Carl Heinrich Graun|Graun]], [[Johann Adolph Hasse|Hasse]] y más tarde [[Gluck]], elegían escribir la mayoría de sus óperas en idiomas extranjeros, en especial, italiano.
 
Los «Singspiele» de [[Wolfgang Amadeus Mozart|Mozart]], ''[[Die Entführung aus dem Serail]]'' (1782) y ''[[Die Zauberflöte]]'' (1791) fueron un importante salto para la consecución del reconocimiento internacional de la ópera alemana. La tradición fue desarrollada en el siglo XIX por [[Ludwig van Beethoven|Beethoven]] con su ''[[Fidelio]]'', inspirada en el clima de la [[Revolución francesa]]. [[Carl Maria von Weber]] estableció la ópera dentro del [[Romanticismo alemán]] oponiéndose a la dominación del «Bel canto» italiano. Su ''[[Der Freischütz]]'' (1821) muestra su genialidad para la creación de atmósferas sobrenaturales. Otros compositores de la época fueron [[Heinrich Marschner|Marschner]], [[Schubert]], [[Robert Schumann|Schumann]] y [[Albert Lortzing|Lortzing]], pero la figura más significativa indudablemente fue [[Richard Wagner]].
 
Wagner fue uno de los compositores más revolucionarios y controvertidos de la historia de la música. Comenzó bajo la influencia de [[Carl Maria von Weber|Weber]] y [[Meyerbeer]], gradualmente desarrolló un nuevo concepto de ópera como una “[[Gesamtkunstwerk]]” ("obra de arte completa"), una fusión entre música, poesía y pintura. En sus dramas musicales maduros, ''[[Tristán e Isolda (ópera)|Tristan und Isolde]], [[Die Meistersinger von Nürnberg]], [[Der Ring des Nibelungen]]'' y ''[[Parsifal]]'', abolió la distinción entre aria y recitativo en favor de un flujo continuo de "melodía sin fin". Incrementó en gran medida el protagonismo y el poder de la orquesta, creando partituras con una compleja red de ''[[leitmotiv]]'', temas recurrentes a menudo asociados con los personajes y conceptos del drama; y estuvo preparado para saltarse convenciones musicales aceptadas, tales como la [[tonalidad (música)|tonalidad]], en este caso, para mayor expresividad. Wagner también trajo una nueva dimensión filosófica para la ópera en sus obras, las cuales usualmente se basan en historias de la [[mitología germana]] o [[Materia de Bretaña|leyendas arturianas]]. Wagner construyó su propio teatro en [[Bayreuth]], dedicado exclusivamente a la representación de sus obras en el estilo que él deseaba.
 
La ópera no volvió a ser la misma después de Wagner y para muchos compositores su legado constituyó una pesada carga. Por otra parte, [[Richard Strauss]] aceptó las ideas wagnerianas pero la tomó en una dirección muy diferente. Su primer éxito lo consiguió con la escandalosa ''[[Salomé (ópera)|Salomé]]'' y la tragedia negra ''[[Elektra (ópera)|Elektra]]'', en la cual la tonalidad fue llevada hasta sus límites. Luego Strauss cambió de rumbo en lo que sería su mayor éxito, ''[[Der Rosenkavalier]]'', donde [[Mozart]] y los [[vals]]es [[Viena|vieneses]] se convirtieron en gran influencia, como Wagner. Strauss continuó produciendo un altamente variado cuerpo de obras operísticas, a menudo con libretos del poeta [[Hugo von Hofmannsthal]], hasta ''[[Capriccio (ópera)|Capriccio]]'' en [[1942]]. Otros compositores que hicieron sus aportes individuales a la ópera alemana en el siglo XX fueron [[Alexander von Zemlinsky]], [[Paul Hindemith]], [[Kurt Weill]] y el italiano [[Ferruccio Busoni]]. Las innovaciones operísticas de [[Arnold Schoenberg]] y sus sucesores serán discutidas en el apartado de Modernismo.
 
=== Ópera francesa ===
 
{{AP|Ópera francesa}}
 
[[Archivo:Jules Massenet - Le Cid 2e Acte, 3e Tableau - L'Illustration.jpg|thumb|left|landscape|Escena del original de la producción de 1885 de ''[[El Cid (ópera)|Le Cid]]'' de [[Jules Massenet]].]]
Rivalizando con las producciones importadas de la ópera italiana, una tradición francesa aparte fue fundada por el italiano [[Jean-Baptiste Lully]] en la corte del Rey [[Luis XIV]]. Desafiando su origen extranjero, Lully estableció una [[Académie Royale de Musique]] (Academia Nacional de Música) y monopolizó la ópera francesa desde 1672. Comenzando con ''[[Cadmus et Hermione]]'', Lully y su libretista [[Philippe Quinault|Quinault]] crearon la ''[[tragédie en musique]]'', una forma en la cual las música para danza y para coro fueron particularmente prominentes. Las óperas de Lully también muestran preocupación por el [[recitativo]] expresivo, el cual ajustó a los contornos de la lengua francesa.
 
En el siglo XVIII, el sucesor más importante de Lully fue [[Jean-Philippe Rameau]], quien compuso cinco ''tragédies en musique'', como también numerosos trabajos en otros géneros tales como la ''[[opéra-ballet]]'', todos notables por su rica orquestación y sus audaces armonías. Luego de la muerte de Rameau, el alemán [[Gluck]] fue convencido de producir seis óperas para los escenarios [[París|parisinos]] en la década de 1770. Estas mostraron la influencia de Rameau, pero simplificadas y muy enfocadas en el drama.
 
Al mismo tiempo, a mediados de siglo, otro género fue adquiriendo popularidad en Francia: la ''[[opéra-comique]]''. Ésta fue el equivalente del ''[[singspiel]]'' alemán, donde las arias eran alternadas con diálogo hablado. Destacados ejemplos en este estilo fueron producidos por [[Pierre-Alexandre Monsigny|Monsigny]], [[François-André Danican Philidor|Philidor]] y, sobre todo, por [[Grétry]]. Durante el período de la [[Revolución francesa]], compositores tales como [[Méhul]] y [[Cherubini]], que fueron seguidores de Gluck, trajeron una nueva seriedad al género, el cual nunca había sido cómico, en tal caso.
 
En la década de 1820, la influencia gluckista en Francia llevó al gusto por el [[bel canto]] italiano, especialmente luego del arribo a París de [[Rossini]]. Su ópera ''[[Guillaume Tell]]'' colaboró en fundar un nuevo género, la [[Grand Opera]], una forma en la cual el más famoso exponente fue también un extranjero, [[Giacomo Meyerbeer]]. Las obras de Meyerbeer, tales como ''[[Les Huguenots]]'' enfatizaron el canto virtuoso y extraordinarios efectos escénicos. La ligera ''opéra-comique'' también gozó de éxitos tremendos de las manos de [[François-Adrien Boïeldieu|Boïeldieu]], [[Daniel Auber|Auber]], [[Ferdinand Hérold|Hérold]] y [[Adolphe Adam|Adam]]. En este clima, las óperas del compositor nativo [[Hector Berlioz]] lucharon para ganar audiencia. La obra maestra épica de Berlioz ''[[Les Troyens]]'', culminación de la tradición Gluckista, no tuvo representación en casi cien años.
 
{{multimedia
|archivo=Pasquale_Amato,_Georges_Bizet,_Chanson_du_toréador,_Carmen.ogg
|título=''Carmen'': Chanson du toréador
|descripción=Interpretación de [[Pasquale Amato]] en 1911 de la canción del Toréador de ''[[Carmen (ópera)|Carmen]]'' (1875) de [[Georges Bizet]].
}}
En la segunda mitad del siglo XIX, [[Jacques Offenbach]] creó la [[opereta]] con obras ingeniosas y cínicas como ''[[Orphée aux enfers]]'', así como también la ópera ''[[Les Contes d'Hoffmann]]''; [[Charles Gounod]] registró éxitos masivos con ''[[Faust (opera)|Faust]]''; y [[Georges Bizet]] compuso ''[[Carmen (ópera)|Carmen]]'', la cual, ni bien la audiencia aprendió a aceptar su combinación de [[Romanticismo]] y [[Naturalismo|Realismo]], se convirtió en la más popular de todas las ''opéra-comiques''. Realizó otra menos aclamada pero de gran calidad en [[1863]], "Les pecheurs de perles". [[Massenet]] compuso "Werther" y [[Léo Delibes|Delibes]] con "Lakme" con el famoso dúo de las esclavas, así como [[Camille Saint-Saëns|Saint-Saëns]] compusieron obras que forman parte del repertorio estándar. Al mismo tiempo, la influencia de [[Richard Wagner]] fue sentida como un desafío a la tradición francesa. Muchos críticos franceses rechazaron airadamente los dramas musicales de Wagner, mientras que muchos compositores franceses los imitaron de cerca con éxito variable. Probablemente la respuesta más interesante llegó de [[Claude Debussy]]. Como en una obra de Wagner, la orquesta ocupa un rol principal en la única ópera de Debussy, ''[[Pelléas et Mélisande]]'' (1902) y no hay verdaderas arias, sólo recitativos. Pero el drama es incomprensible, enigmático y completamente no wagneriano.
 
Otros destacados nombres del siglo XX son [[Maurice Ravel|Ravel]], [[Paul Dukas|Dukas]], [[Albert Roussel|Roussel]] y [[Darius Milhaud|Milhaud]]. [[Francis Poulenc]], uno de los poquísimos compositores post-guerra de cualquier nacionalidad, cuyas óperas (incluyendo ''[[Diálogos de carmelitas (ópera)|Dialogues des carmélites]]'') han ganado un equilibrio en el repertorio internacional. ''[[San Francisco de Asís (ópera)|Saint François d'Assise]]'' (1983), el extenso drama sagrado de [[Olivier Messiaen]], ha atraído también amplia atención.<ref>Referencias generales de esta sección en ''The Oxford Illustrated History of Opera'', Caps 1–4, 8 y 9; y ''The Oxford Companion to Music'' (10º ed., 1968); referencias específicas de cada compositor en ''The Viking Opera Guide''.</ref>
 
=== Ópera rusa ===
 
{{AP|Ópera rusa}}
[[Archivo:Feodor Chaliapin as Ivan Susanin.jpg|thumb|200px|[[Fiódor Chaliapin]] como [[Ivan Susanin]] en ''Una vida por el Zar'' de Glinka.]]
La ópera fue traída a [[Rusia]] en la década de 1730 por las compañías operísticas italianas y pronto se convirtieron en parte importante en el entretenimiento de la Corte Imperial Rusa y la [[aristocracia]]. Algunos compositores extranjeros como [[Baldassare Galuppi]], [[Giovanni Paisiello]], [[Giuseppe Sarti]], y [[Domenico Cimarosa]], entre otros, fueron invitados a Rusia a componer nuevas óperas, la mayoría, en [[idioma italiano]]. Simultáneamente algunos músicos nacionales como [[Maksym Berezovsky]] y [[Dmitri Bortniansky]] fueron enviados al extranjero a aprender a escribir óperas. La primera ópera escrita en [[idioma ruso]] fue ''[[Tsefal i Prokris]]'' del compositor italiano [[Francesco Araja]] (1755). El desarrollo de la ópera en [[lengua rusa]] fue apoyado por los compositores nativos [[Vasily Pashkevich]], [[Yevstigney Fomin]] y [[Alexey Verstovsky]].
 
De todas maneras, el nacimiento real de la ópera rusa llegó con [[Mikhail Glinka]] y sus dos grandes óperas ''[[Una vida por el Zar]]'', (1836) y ''[[Ruslán y Liudmila (ópera)|Ruslán y Liudmila]]'' (1842). Posteriormente, en el siglo XIX en Rusia se escribieron obras maestras del género operístico, como ''[[Rusalka (Dargomyzhsky)|Rusalka]]'' y ''[[El convidado de piedra]]'' de [[Aleksandr Dargomizhski]], ''[[Boris Godunov (ópera)|Boris Godunov]]'' y ''[[Khovanshchina]]'' de [[Modest Mussorgsky]], ''[[El príncipe Ígor]]'' de [[Alexander Borodín]], ''[[Eugenio Oneguin (ópera)|Eugenio Onegin]]'' y ''[[La dama de picas (ópera)|La dama de picas]]'' de [[Piotr Ilich Chaikovski]], y ''[[La doncella de nieve]]'' y ''[[Sadkó]]'' de [[Nikolai Rimsky-Korsakov]]. Estos desarrollos reflejaron el crecimiento del [[nacionalismo]] ruso a lo largo del espectro artístico, como parte del más general movimiento [[Eslavofilia|eslavofílico]].
 
En el siglo XX las [[tradición|tradiciones]] de ópera rusa fueron desarrolladas por varios compositores, entre ellos, [[Sergéi Rajmáninov]] con sus obras ''[[El caballero avaro]]'' y ''[[Francesca da Rimini (Rajmáninov)|Francesca da Rimini]]'', [[Ígor Stravinski]] con ''[[El ruiseñor (ópera)|El ruiseñor]]'', ''[[Mavra]]'', ''[[Edipo rey (ópera)|Oedipus rex]]'', y ''[[The Rake's Progress]]'', [[Sergéi Prokófiev]] con ''[[El jugador (Prokófiev)|El jugador]]'', ''[[El amor de las tres naranjas]]'', ''[[El ángel de fuego]]'', ''[[Compromiso en un monasterio]]'' y ''[[Guerra y paz (ópera)|Guerra y paz]]''; como también [[Dmitri Shostakóvich]] con ''[[La nariz (ópera)|La nariz]]'' y ''[[Lady Macbeth de Mtsensk (ópera)|Lady Macbeth de Mtsensk]]'', [[Edison Denisov]] con ''[[L'écume des jours]]'', y [[Alfred Schnittke]] con ''[[La vida con un idiota]]'', e ''[[Historia von D. Johann Fausten ]]''.
 
=== Ópera española ===
 
Desde la primera mitad del siglo XVII se estrenan en España cientos de obras en las que existen rasgos estilísticos propios y a veces muy singulares. En España no ocurre como en el resto de los países europeos, que imitan Italia a la hora de producir obras teatrales y líricas, sino que estos géneros escénicos y cantados surgen casi simultáneamente en ambos países, España e Italia, por tener el [[imperio español]] territorios en Italia, lo que había llevado a ambos países a tener numerosos intercambios culturales. La [[ópera bufa]] italiana, la ''[[opéra-comique]]'' francesa, el ''[[Singspiel]]'' alemán, la [[comedia musical]], la [[opereta]] francesa etc. son géneros que dan lugar, todos ellos, a formas teatrales alternativamente cantadas y habladas, pero surgen en el siglo XVIII (en el XIX en el caso de la opereta) cuando desde los años 1620 Italia y España ya tenían óperas propiamente dichas y cuando desde los años 1640 España ya producía [[zarzuela]]s. Es crucial la aparición de esta última, la zarzuela, género lírico que alterna partes cantadas con partes habladas en castellano, antes incluso que el ''Singspiel'' alemán y que el ''opéra-comique'' francés, géneros líricos que también comparten esa característica.
 
Debido a su éxito, este legado lírico español, compuesto de óperas y zarzuelas, permite calificar a España como uno de los países más interesados en cualquier tipo de teatro cantado, y esto desde el nacimiento mismo del arte lírico. Así, en pleno [[Siglo de Oro]], en 1622, fue estrenada en el [[Palacio Real de Aranjuez|Palacio de Aranjuez]] una obra considerada como precursora de todas las óperas españolas: ''La gloria de Niquea'' (con música de [[Mateo Romero]], [[Juan de Palomares]], [[Juan Blas de Castro]] y [[Álvaro de los Ríos]]).<ref>Pierre-René Serna, ''Guide de la Zarzuela: La zarzuela de Z à A'', pp. 16 y 24 (en francés)</ref> Este estreno de 1622 sigue por poco tiempo a las primeras óperas representadas en [[Roma]], pero precede a las primeras en ser representadas en [[Venecia]]. Francia y Alemania tendrán todavía que esperar para asistir al estreno de sus respectivas primeras obras de arte lírico. A ''La gloria de Niquea'' sucedió, en 1627, ''[[La selva sin amor]]'',<ref>Pierre-René Serna, ''Guide de la Zarzuela: La zarzuela de Z à A'', pp. 17 y 24 (en francés).</ref> otra obra teatral enteramente cantada con libreto de [[Lope de Vega|Félix Lope de Vega]]. La obra fue representada en el [[Real Alcázar de Madrid|Alcázar de Madrid]].
 
[[File:Félix Antonio Máximo López (1742-1821).jpg|thumb|[[Félix Antonio Máximo López Crespo]] (1742-1821), óleo (1820) de Vicente López Portaña en el Museo del Prado.]]
 
Poco después fue el [[Palacio del Buen Retiro]] el que se convirtió en el receptáculo habitual de las obras líricas de la corte española. Este palacio madrileño, hoy en día desaparecido (fue destruido en su mayor parte, en 1808, durante la [[Guerra de la Independencia Española|guerra de Independencia]]), incluía entre sus dependencias un teatro cubierto, realizado siguiendo la moda de los nuevos teatros que empezaban entonces a ser construidos en Italia. Muchas partituras desaparecieron en el incendio que destruyó el Buen Retiro en el siglo XIX, partituras de obras en gran parte estrenadas en el teatro del palacio, aunque algunas se han conservado por otras fuentes. Entre los compositores de obras líricas del siglo XVII, conservadas hasta la fecha, pueden ser citados, entre otros, [[Cristóbal Galán]], [[Juan de Navas]], [[Juan de Serqueira]] y, sobre todo, [[Juan Hidalgo|Juan Hidalgo de Polanco]] (1614-1685). De este último se conserva ''[[Celos aun del aire matan]]'',<ref>Pierre-René Serna, ''Guide de la Zarzuela: La zarzuela de Z à A'', p. 256 (en francés).</ref> ópera creada en el teatro del Palacio del Buen Retiro en 1660, con libreto de [[Pedro Calderón de la Barca]] y es considerada la opera cantada más antigua que se conserva en España.
 
Durante los siglos XVII y XVIII, otros fenómenos líricos enriquecieron los escenarios con una cantidad de producción difícilmente cuantificable: destacan tres mil tonadillas (canciones que interpretan uno o dos intérpretes con estructura tripartita imitando lenguaje del pueblo) y doce mil zarzuelas. Además de loas, bailes, autos jácaras y mojigangas. Estos datos nos representan a un pueblo que vive la lírica. Sin dejar atrás que las estadísticas de consumo, de teatros musicales en activo, cantantes y edición de partituras de teatro musical son igualmente impresionantes. Destacan especialmente las figuras de [[Lope de Vega]] (1562-1635) y [[Calderón de la Barca]] (1600-1681)
 
En el siglo XVIII se mezclan influencias entre la zarzuela española y la ópera italiana. Por su imperio y por su permeabilidad cultural con Italia, España se enriqueció con compositores italianos que compusieron óperas con libreto en español, como [[Francesco Corradini]] (1700-1769) o [[Luigi Boccherini]] (1743-1805), aunque en la España peninsular, la metrópolis del imperio, también se escribieron o representaron libretos en italiano. En 1799 se acabó por prohibir la representación de las obras que no hubiesen sido traducidas al castellano, lo que hizo que muchos de los dramaturgos que escribían sainetes, tradujeran obras del italiano al castellano, nacionalizándolas. La creación operística española que tuvo lugar a lo largo de la primera mitad del siglo XVIII vio la aparición de músicos tan relevantes como [[Sebastián Durón]] —autor de la primera obra repertoriada en llevar el calificativo español de «ópera», ''La guerra de los gigantes'', estrenada en 1700—, [[Antonio Literes]], [[José de Nebra]], [[Antonio Rodríguez de Hita]] o [[Domingo Terradellas]], desembocando en las últimas décadas del siglo XVIII en dos creadores de la talla de [[Vicente Martín y Soler]] y [[Manuel del Pópulo Vicente García]].
 
El siglo XIX trajo consigo una necesidad de liberación de la dependencia italiana, la necesidad de una creación lírica propia. Se construyeron teatros y se produjo una gran actividad crítica con numerosas polémicas y escritos. Por todo ello la ópera y la zarzuela (los dos pilares del arte lírico español) fueron el principal género de la música española del siglo XIX. La primera mitad del siglo (que culmina en 1850 con la inauguración del [[Teatro Real (Madrid)|Teatro Real]]) supuso un período de gran vitalidad en torno a la ópera nacional española. El dualismo de la ópera y de la zarzuela provocó a partir de entonces una clara división de fuerzas. Por unos años, los músicos de mayor prestigio escogieron el camino de la zarzuela porque era el único que les garantizaba realmente el éxito y la subsistencia. Los grandes maestros especialistas en ópera, [[Ramón Carnicer i Batlle]] y [[Baltasar Saldoni]], trataron a partir de 1838 de convertirse en los primeros compositores de ópera nacionalista española alentados por los intelectuales de la época, seguidos más tarde por [[Miguel Hilarión Eslava]], [[Emilio Arrieta]] (autor de ''Marina''), [[Antonio Reparaz]] o [[Valentín Zubiaurre]]. La época de la [[Restauración borbónica en España|Restauración borbónica]] (iniciada en 1874) permitió a la clase acomodada frecuentar de nuevo los espectáculos, y al Teatro Real convertirse con renovada fuerza en aquello para lo que realmetne servía: ser un lugar de representación escénica y lírica. En los cincuenta años siguientes se potenció en España el cultivo de la música como arte y ese ha sido, hasta ahora, el período más prolífico de la ópera española.
 
La primera concepción operística nacional de España fue plasmada por [[Tomás Bretón]] con su ópera ''[[Los amantes de Teruel (ópera)|Los amantes de Teruel]]''. Estrenada en 1889 en el Teatro Real, se representa con gran éxito tanto en Madrid como en Barcelona. Seguidamente, la década de los años 1890 es en la historia de la ópera española rica y compleja; una de las épocas que más aportaciones ha dejado en la historia de la música española. Los músicos españoles hicieron muestra de tener una idea individual de lo que debía de ser la ópera española, y por ello estaban preparados para, desde un dominio del género, usar las fórmulas italianas, wagnerianas y populistas, pero casi siempre con un fuerte estrato nacionalista. En consecuencia la ópera española produjo obras diversas, variadas y originales, firmadas por ejemplo por [[Ruperto Chapí]] (autor de ''Margarita la Tornera'') o [[Emilio Serrano]]. En los años 1890 se produjo también el advenimiento, en el mundo de la ópera española, de dos de los más influyentes protagonistas musicales de finales del siglo XIX, [[Enrique Granados]] e [[Isaac Albéniz]].
 
Durante el siglo XX, aunque los compositores alternan con otros formatos musicales, en ópera destacan autores ya mencionados como [[Isaac Albéniz]], con ''[[Pepita Jiménez (ópera)|Pepita Jiménez]]'' (1896) o ''[[Merlin (ópera)|Merlin]]'' (1902), y [[Enrique Granados]] con ''[[Goyescas (ópera)|Goyescas]]'' (1916), aparte de otros autores también destacados como [[Vicente Lleó Balbastre]], con ''Inés de Castro'' (1903), [[Manuel Penella Moreno]] con ''[[El gato montés]]'' (1916), [[Joaquín Turina Pérez]] con ''Jardín de Oriente'' (1922), [[Conrado del Campo]] con ''La tragedia del beso'' (1911), [[Amadeo Vives]] con ''Artús'' (1897) y ''[[Maruxa]]'' (1914), [[Felipe Pedrell]], [[Manuel de Falla]] con ''[[La vida breve (ópera)|La vida breve]]'' (1913) y ''[[El retablo de Maese Pedro]]'' (1923), [[Jesús Guridi]] con ''[[Mirentxu]]'' (1913), [[Federico Moreno Torroba]] con ''La virgen de mayo'' (1925) y ''El poeta'' (1980) o [[Pablo Sorozábal]] con ''[[Adiós a la bohemia]]'' (1933) y ''Juan José'' (1968).
 
=== Ópera china ===
 
La ópera china es una forma de drama en China. Se practica desde la [[dinastía Tang]] con el [[Xuanzong|emperador Xuanzong]] (712-755), quien fundó el "Jardín de peras", la primera compañía de ópera que se conozca en China. La compañía estaba casi exclusivamente al servicio de los emperadores. En la actualidad, las profesiones de la ópera son todavía llamadas Disciplinas del jardín de las peras. Durante la [[dinastía Yuan]] (1279-1368), se introdujeron en la ópera las variedades como el Zaju, con actuaciones basadas en esquemas de rima e innovaciones como la introducción de papeles especializados como "Dan" (femenino), "Sheng" (masculino) y "Chou" (payaso). Actualmente existen más de 300 variedades de ópera china, la más conocida en la Ópera de Pekín, que tomó su forma actual a mediados del siglo XIX y fue extremadamente popular durante la [[dinastía Qing]] (1644-1911).En la Ópera de Pekín, las cuerdas tradicionales de China y los instrumentos de percusión proveen un acompañamiento rítmico a la actuación. La actuación se basa en alusiones, gestos y otros movimientos de coreografía que expresan acciones como montar un caballo, remar en un bote o abrir una puerta. El diálogo hablado puede ser un texto recitado, empleado por los personajes serios de la trama o un texto coloquial empleado por mujeres y payasos. Los papeles están estrictamente definidos. Los maquillajes elaborados permiten distinguir el personaje que se está representando. El repertorio tradicional de la Ópera de Pekín incluye más de 1000 piezas, la mayoría proveniente de relatos históricos sobre enfrentamientos políticos y militares.
 
=== Ópera en América Latina ===
 
{{AP|Ópera en América Latina}}
 
El 19 de octubre de [[1701]] se estrenó en el [[Virreinato del Perú]] la ópera ''[[La púrpura de la rosa]]'', ópera en un acto compuesta por [[Tomás de Torrejón y Velasco]] sobre un libreto de [[Pedro Calderón de la Barca]]. Es la primera ópera compuesta y ejecutada en [[América]] y la única ópera sobreviviente de Torrejón y Velasco. La obra cuenta el mito de los amores de [[Venus (mitología)|Venus]] y [[Adonis]], que provoca los celos de [[Marte (mitología)|Marte]] y su deseo de venganza. En [[1711]] se estrenó en la [[ciudad de México]] la ópera ''[[La Parténope]]'' con música de [[Manuel de Sumaya]], maestro de la capilla catedralicia y el más grande compositor barroco mexicano. La especial importancia de ésta ópera es que es la primera compuesta en América del Norte y la primera ópera compuesta en el continente por un americano. Esta ópera da inicio a la fecunda y aún poco estudiada historia de la creación operística latinoamericana no interrumpida desde entonces durante trescientos años. La primera ópera compuesta y estrenada en el Brasil fue [[I Due Gemelli]], de [[José Maurício Nunes García]], cuyo texto se perdió posteriormente. Se puede consdierar como la primera ópera genuinamente brasileña con texto en portugués ''[[A Noite de São João]]'', de [[Elias Álvares Lobo]].
[[Archivo:Carlos Gomes (fototipia).jpg|thumb|left|200px|Carlos Gomes]]
El compositor de óperas brasileñas más famoso fue [[Carlos Gomes (músico)|Carlos Gomes]]. Una parte importante de sus óperas fueron estrenadas en Italia con texto en italiano. No obstante, Carlos Gomes frecuentemente usó temáticas típicamente del Brasil. Tal es el caso de sus óperas ''[[Il Guarany]]'' y ''[[Lo Schiavo]]''.
 
La ópera ''[[Guatemotzín]]'' del mexicano decimonónico [[Aniceto Ortega]] es el primer intento consciente por incorporar elementos nativos a las características formales de la ópera. Dentro de la producción operística mexicana del siglo XIX sobresalen la ópera ''[[Agorante, rey de la Nubia]]'' de [[Miguel Meneses]], estrenada durante las festividades conmemorativas por el cumpleaños del emperador [[Maximiliano I de México]], las óperas ''[[Pirro de Aragón]]'' de [[Leonardo Canales]], ''[[Keofar]]'' de [[Felipe Villanueva]].
 
La obra operística de [[Melesio Morales]] es la más importante de México del siglo XIX Sus obras ''[[Romeo y Julieta (ópera de Melesio Morales)|Romeo y Julieta]]'', ''[[Ildegonda (ópera de Melesio Morales)|Ildegonda]]'', ''[[Gino Corsini]]'', ''[[Cleopatra (ópera de Melesio Morales)|Cleopatra]]'' tuvieron gran éxito entre el público de la [[Ciudad de México]] y se estrenaron en Europa.
 
En Colombia el compositor José María Ponce de León había presentado desde su niñez una opereta (Un alcalde a la antigua y dos primos a la moderna), ya en 1874 presenta su primera ópera Ester y posteriormente en 1876 la zarzuela El castillo misterioso y en 1880 su ópera mayor Florinda. En Venezuela se mencionan compositores como [[Reynaldo Hahn]], [[José Ángel Montero]], [[Pedro Elías Gutiérrez]], [[Federico Ruiz]]. La primera ópera de Venezuela es ''[[El maestro Rufo Zapatero]]'', ópera bufa compuesta en [[1847]] por [[José María Osorio]], aunque generalmente se piensa que fue ''[[Virginia (Montero)|Virginia]]'', de Montero, estrenada en [[1877]]. Anteriormente Osorio había compuesto varias zarzuelas, aunque se cree que la primera que se estrenó fue ''[[Los alemanes en Italia]]'', de José Ángel Montero, en la década de 1860.
 
En Brasil destacan de la primera mitad del siglo XX compositores de ópera como [[Heitor Villa-Lobos]], autor de óperas como ''[[Izath (ópera)|Izath]]'', ''[[Yerma(ópera)|Yerma]]'' y ''[[Aglaia (ópera)|Aglaia]]'', y [[Mozart Camargo Guarnieri]], autor de ''[[Um Homem Só]]'' y ''[[Pedro Malazarte]]''.
[[Archivo:Reapertura del Teatro Colón - Vista exterior del Teatro.jpg|thumb|[[Teatro Colón]], [[Buenos Aires]]. El teatro de ópera más importante de América Latina y uno de los cinco más importantes del planeta.<ref>http://www.eluniversal.com.mx/notas/683089.html</ref><ref>http://mlacoustics.com/PDF/Shoebox.pdf</ref>]]
La ópera contemporánea del Brasil sigue las tendencias vanguardistas, como es el caso de obras como ''[[Olga (ópera)|Olga]]'', de [[Jorge Antunes]], ''[[A Tempestade (ópera)|A Tempestade]]'', de [[Ronaldo Miranda]], e ''[[O Cientista]]'', de [[Silvio Barbato]].
 
En la primera parte de siglo XX, se produjeron en Ecuador óperas nacionalistas. Entre ellas tres inspiradas en la novela ''[[Cumandá o un drama entre salvajes]]'' del ecuatoriano [[Juan León Mera]] debidas a [[Luis Humberto Salgado]], [[Pedro Pablo Traversari Salazar]] y [[Sixto María Durán Cárdenas]] (1875-1947).
[[Luis Humberto Salgado|Luis H. Salgado]] compuso además las óperas ''[[El tribuno]]'', ''[[El Centurión]]'' y ''[[Eunice (ópera)|Eunice]]''; la opereta ''[[Ensueño de amor]]'' y la ópera-ballet ''[[Día de Corpus]]''.
 
En la primera mitad del siglo XX sobresalen en la creación operística mexicana [[Julián Carrillo]] y los compositores cercanos a él como [[Antonio Gomezanda]], [[Juan León Mariscal]], [[Julia Alonso]], [[Sofía Cancino de Cuevas]], [[José F. Vásquez]], [[Arnulfo Miramontes]], [[Rafael J. Tello]], [[Francisco Camacho Vega]] y [[Efraín Pérez Cámara]].
 
Todos ellos han sido relegados por la historiografía musical oficial que tan solo reconoció la obra de los compositores nacionalistas.{{cr}} Desde finales del siglo XX en México (y toda Latinoamérica) hay un creciente interés de los compositores por escribir ópera. Entre los compositores mexicanos de inicios del siglo XXI que sobresalen con sus óperas debe mencionarse a [[Federico Ibarra]], [[Daniel Catán]], [[Leandro Espinosa]], [[Marcela Rodríguez]], [[Víctor Rasgado]], [[Javier Álvarez Fuentes|Javier Álvarez]], [[Roberto Bañuelas]], [[Luis Jaime Cortez]], [[Julio Estrada]], [[Gabriela Ortíz]], [[Enrique González Medina]], [[Manuel Henríquez Romero]], [[Leopoldo Novoa (México)|Leopoldo Novoa]], [[Hilda Paredes]], [[Mario Stern]], [[René Torres]], [[Juan Trigos]], [[Samuel Zyman]], [[Mathias Hinke]], [[Ricardo Zohn-Muldoon]], [[Isaac Bañuelos]], [[Gabriel de Dios Figueroa]], [[Enrique González-Medina]], [[José Carlos Ibáñez Olvera]], [[Víctor Mendoza]] y [[Emmanuel Vázquez]].
 
Entre finales del siglo XX y principios del siglo XXI se han compuesto en Ecuador las óperas: ''[[Los Enemigos (mini-ópera)|Los Enemigos]]'' (1997) de [[Mesías Maiguashca]], basada en el cuento ''[[El milagro secreto]]'' de [[Jorge Luis Borges]], ''[[Manuela y Simón]]'' (2006) de [[Diego Luzuriaga]] y la "ópera para la voz de los instrumentos" ''[[El árbol de los pájaros]]'' (2002-2003) de [[Arturo Rodas]].
 
=== Otras tradiciones nacionales ===
 
{{Multimedia|archivo=Stay, Prince and hear.ogg|título=Stay, Prince and hear|descripción=Una escena de la obra maestra de Purcell, ''Dido and Aeneas''. El mensajero de las brujas, en la forma del mismo Mercurio, intenta convencer a Aeneas de abandonar Cartago. Nótese el uso del recitativo al estilo italiano, una rareza en la ópera inglesa de esa época.|formato=[[Ogg]]}}
[[Archivo:Henry Purcell.jpg|thumb|130px|left|Henry Purcell]]
Una de las principales tradiciones operísticas es la constituida por la [[ópera inglesa]]. Si bien Gran Bretaña fue centro activo de vida operística, contó con pocos compositores reconocidos a nivel mundial. [[Henry Purcell]] fue el más notable compositor barroco, entre sus aportes destacan su obra maestra, ''[[Dido and Aeneas]]'' (1689) y su obra shakesperiana ''[[La reina de las hadas]]'' (1692). Ya en el siglo XX, la ópera en inglés logra su esplendor principalmente gracias al aporte de [[Benjamin Britten]], con óperas entre las cuales se cuentan ''[[Peter Grimes]]'' y ''[[La violación de Lucrecia]]''; y se suman las composiciones de importantes creadores estadounidenses tales como [[George Gershwin]], con su famosa ''[[Porgy and Bess]]'', ''West side story'' (1961) de Leonard Bernstein, ''Orpheé'' (1993) y ''[[La Bella y la Bestia (Glass)|La belle et la bête]]'' (1994) de [[Philip Glass]], o [[Gian Carlo Menotti]] con ''[[Vanessa (ópera)|Vanessa]]'' y ''[[La médium]]''.
 
Los compositores [[República Checa|checos]] también desarrollaron un próspero movimiento nacional operístico en el siglo XIX, comenzando con [[Bedřich Smetana]] que escribió ocho óperas, incluyendo la internacionalmente popular ''[[La novia vendida]]''. [[Antonín Dvořák]], más famoso por ''[[Rusalka (ópera)|Rusalka]]'', escribió 13 óperas; y [[Leoš Janáček]] obtuvo reconocimiento internacional en el siglo XX por sus obras innovadoras, entre ellas ''[[Jenufa|Jenůfa]]'', ''[[La zorra astuta]]'', y ''[[Katia Kabanová]]''.
 
La figura clave de la ópera nacional [[Hungría|húngara]] en el siglo XIX fue [[Ferenc Erkel]], cuyos trabajos se centraron principalmente en temas históricos. Entre sus obras más representadas se encuentran ''[[Hunyadi László]]'' y ''[[Bánk bán]]''. La ópera húngara moderna más famosa es ''[[El castillo de Barba Azul]]'' de [[Béla Bartók]].
 
El más reconocido compositor de la ópera [[Polonia|polaca]] fue [[Stanisław Moniuszko]], aclamado por la ópera ''[[La casa embrujada (ópera)|Straszny Dwór]]''. En el siglo XX, otras óperas creadas por compositores [[Polonia|polacos]] son ''[[El rey Roger]]'' de [[Karol Szymanowski]] y ''[[Ubú rey|Ubu Rex]]'' de [[Krzysztof Penderecki]].
 
Entre los compositores [[Países Bajos|neerlandeses]], se destacan [[Willem Pijper]], con su ópera basada en la leyenda folclórica holandesa de [[Heer Halewijn|Halewijn]], y su discípulo [[Henk Badings]], que compuso varias óperas para radio.
 
== Tendencias modernistas y contemporáneas ==
 
=== Ópera y cinematografía ===
 
La relación entre estas dos formas artísticas es más que aparente, ambas son artes integradoras, es decir incluyen en su composición a otras formas artísticas. La ópera se constituye a partir de una pieza dramática con una estructura narrativa que la asemeja a una pieza teatral pero con otro componente la música, que el mismo Claudio Monteverdi planteó en el siglo XVII, la música es lo primordial en la ópera. [[María Callas]] mencionaba que todas las intenciones dramáticas de los personajes y la historia en una Ópera están en la partitura, en la relación entre los sonidos.
La cinematografía es una forma audiovisual donde la secuencia narrativa está conducida por la peculiar manera en que se da la sucesión y construcción de las imágenes.
 
Existen varios acercamientos entre ambas formas, pero en muchos casos la cinematografía se usa solo como registro visual de la representación escénica.
 
Sin embargo se han dado varias cintas donde se aprovechan las cualidades de la sintaxis cinematográfica, lográndose una interrelación entre las imágenes, el texto, las acciones y el drama musical. Un ejemplo de ello es la cinta de 1963 a partir de la ópera de Leonard Berstein ''West Side Story''. Recientemente se ha producido una versión de ''[[La Bohème]]'' de Puccini, con los cantantes Anna Netrebko y Rolando Villazón, donde se da esta integración de los tres conductores narrativos junto con el texto.
 
Una proposición significativa fue la realizada por [[Philip Glass]] cuando tomó la película ''[[La belle et la bête]]'' de [[Jean Cocteau]], cronometró los diálogos y, en el mismo espacio de tiempo, los puso en metro músico. El estreno de la nueva ópera se realizó presentando la película en el escenario mientras músicos y cantantes ejecutaban la ópera desde el foso de la orquesta. La obra ha abierto nuevas posibilidades de integración de las artes. Si bien, en este caso, la ópera cinematográfica utiliza un material existente, en el caso de la ópera ''[[Bola Negra]]'' la concepción avanza un paso allende lo propuesto por Philip Glass. La ópera ''Bola Negra'' fue concebida desde su inicio como un experimento cinematográfico por el autor del libreto [[Mario Bellatín]] y la compositora [[Marcela Rodríguez]]. Es decir, no se utilizó material existente, como en el caso propuesto por Philip Glass, sino la ópera se concibió, en todas sus partes, como una proposición cinematográfica.
 
Asimismo óperas inspiradas o sobre historias que inspiraron películas son [[Muerte en Venecia (ópera)]], [[Dead Man Walking (ópera)]] y [[Brokeback Mountain (ópera)]].
 
{{VT|Ópera rock}}
 
=== Voces operísticas ===
 
La voz para el canto operístico requiere ciertas características y cualidades. Se desarrolla con largos años de estudio y entrenamiento porque implica un desarrollo muscular de todo el aparato u órgano fonador o emisor de la voz que incluye además de las cuerdas vocales, el uso del diafragma y la resonancia de la cavidad bucal y los senos paranasales. De todo esto resulta el tipo de voz peculiar que se denomina "impostada", es decir que es producto de la colocación y proyección específica y controlada del aire. Se divide en tres partes, voz de pecho, voz de garganta y voz de cabeza.
 
Cada cantante posee una extensión y un registro particular. Dentro de esa extensión (número de notas que abarca, que va de 2 a 3 octavas), se encuentran los cambios de cada una de las tres colocaciones de la voz.
 
Por lo anterior, la voz operística demanda un entrenamiento constante y continuo conocido como vocalización, pues el abandono de dicho entrenamiento conlleva la disminución de la capacidad muscular y respiratoria.
 
El cantante lírico, sea en ópera o recital, no utiliza micrófono sino el caudal natural de su voz llevado a su máxima posibilidad.
 
=== Clasificación vocal ===
 
Los [[canto lírico|cantantes de ópera]] y los roles que interpretan se clasifican en [[tipo de voz]], basado en características tales como [[tesitura]], agilidad, potencia y [[timbre (voz)|timbre]] de sus voces.
 
Los varones pueden ser clasificados por su [[rango vocal]] como [[bajo (voz)|bajo]], [[bajo-barítono]], [[barítono]], [[tenor]] y [[contratenor]], y las mujeres en [[contralto]], [[mezzosoprano]] y [[soprano]].
 
Los varones algunas veces pueden cantar en el registro vocal femenino, en cuyo caso se denominan [[sopranista]] o [[contratenor]]. De estos, sólo el contratenor es comúnmente encontrado en la ópera, algunas veces cantando partes escritas para ''[[castrato]]'' (varones castrados en una temprana edad para darles un rango vocal más alto del normal).
 
Las clasificaciones pueden ser más específicas, por ejemplo, una soprano puede ser descrita como [[soprano ligera]], [[soprano de coloratura]], [[soprano soubrette]], [[soprano lírica]], [[soprano lírico spinto]] o [[soprano dramática]]. Estos términos, aunque no describan totalmente la voz, la asocian con los roles más convenientes para las características vocales del cantante.
 
La voz de cada cantante en particular puede cambiar drásticamente a lo largo de su vida; raramente se alcanza la madurez vocal antes de la tercera década, y algunas veces, hasta la mediana edad.
 
El espectro vocal podría resumirse en registros vocales así dispuestos desde la voz mas aguda a la mas grave:
 
*soprano
*mezzosoprano (mediosoprano)
*contralto
 
*contratenor
 
*tenor
*barítono
*bajo
 
con las subclasificaciones anotadas más arriba.
 
=== Uso histórico de las partes vocales ===
 
La voz de soprano se ha utilizado típicamente a través de historia operística como la voz elegida para la protagonista femenina de la ópera en cuestión. El énfasis actual en un amplio rango vocal fue sobre todo una invención del [[música clásica|Período Clásico]]. Antes de eso, el virtuosismo vocal, no la amplitud, fue la prioridad, con partes para soprano que raramente se extendían hasta un fa agudo ([[Handel]], por ejemplo, sólo escribió un rol que se extiende hasta un do agudo), aunque el castrato [[Farinelli]] fue catalogado de poseer un re agudo.<ref group=n>Su registro bajo fue también extraordinario, extendiéndose hasta el do de tenor.</ref>
 
La mezzosoprano, denominación de origen comparativamente reciente, posee también un extenso repertorio, partiendo desde el rol principal femenino de ''Dido and Aeneas'' de Purcell hasta los roles "pesados" como Brangäne en ''Tristan und Isolde'' de Wagner (ambos roles son a menudo interpretados por sopranos).
 
Para las verdaderas contraltos, el número de partes es más limitado, lo que ha dado lugar a la broma de que las contralto sólo cantan roles de "brujas, malvadas, y [[Papel con calzones|varones]]". En años recientes muchos de los "roles en pantalones" de la era barroca, escritos originalmente para mujeres, e interpretados originalmente por "castrati", han sido reasignados a los contratenores.
 
La voz de tenor, desde la era clásica en adelante, ha sido tradicionalmente asignada al protagonista masculino. Muchos de los roles de tenor más desafiantes en el repertorio han sido escritos durante la era del ''bel canto'', tal como la secuencia de nueve do sobre el do central en la secuencia de ''[[La fille du régiment]]'' de [[Donizetti]]. Con Wagner llega el énfasis en la influencia vocal para sus protagonistas, con la categoría vocal denominada [[heldentenor]]; esta voz heroica tuvo su contrapartida italiana en roles como Calaf en ''Turandot'' de Puccini.
 
La voz de bajo tiene una larga historia en la ópera, habiendo sido empleada en papeles secundarios en la "opera seria", y algunas veces para relieve cómico ([[bajo buffo]]) proveyendo un contraste con la preponderancia de voces altas en este género. El repertorio de bajo es amplio y variado, incluyendo desde la comedia con Leporello en ''[[Don Giovanni]]'' a la nobleza de Wotan en ''[[El anillo del nibelungo]]'' de Wagner.
 
En medio del tenor y el bajo se encuentra el barítono, el cual varía en "peso", desde Guglielmo en ''Così fan tutte'' de Mozart hasta Posa en ''Don Carlos'' de Verdi; la actual designación de "barítono" no ha sido utilizada sino hasta mediados del siglo XIX.
 
=== Cantantes famosos ===
 
[[Archivo:Senesino, Cuzzoni, Berenstadt.JPG|thumb|260px|left|Senesino, Cuzzoni y Berenstadt (caricatura de una representación de ''Flavio'' de Handel).]]
Las primeras representaciones operísticas fueron demasiado infrecuentes como para que los cantantes pudieran vivir exclusivamente del estilo, pero con el nacimiento de la ópera comercial a mediados del siglo XVII, comenzaron a surgir intérpretes profesionales.
 
El rol principal de héroe masculino era usualmente confiado a un castrato, y ya en el siglo XVIII, cuando la ópera italiana se presentaba en toda Europa, los castratos principales, que poseían un extraordinario virtuosismo vocal, tales como [[Senesino]] y [[Farinelli]], se convirtieron en estrellas internacionales.
 
La carrera de la primera gran estrella femenina (o [[prima donna]]), [[Anna Renzi]], data de mediados del siglo XVII. En el siglo XVIII, un número de sopranos italianas ganaron renombre mundial y frecuentemente se enredaban en feroces rivalidades, tal el caso de [[Faustina Bordoni]] y [[Francesca Cuzzoni]], quienes comenzaron una pelea a golpes durante una representación de una ópera de Handel.
 
Los franceses no gustaban de los “castrati”, preferían que sus héroes fueran interpretados por un [[haute-contre]] (tenor alto), de los cuales [[Joseph Legros]] fue un ejemplo destacado.<ref>''The Oxford Illustrated History of Opera'' (ed. Parker, 1994), Cap. 11.</ref>
 
En el siglo XIX hubo una figura femenina de gran éxito comercial para los parámetros de la época, [[María Malibrán]], para quién algunos compositores reconocidos como [[Félix Mendelssohn]] realizaron piezas. Contaba con una amplio registro de casi 3 octavas. La Malibrán era hija del maestro de canto [[Manuel García]] y hermana de la asimismo célebre [[Pauline Viardot]]. Otras famosas divas de la época fueron [[Giuditta Pasta]], [[Jenny Lind]] y [[Giulia Grisi]].
 
El siglo XX se inicia de la mano del que muchos consideran el mayor tenor y del cual se cuenta con registros fonográficos, el italiano [[Enrico Caruso]], quien triunfó en los principales teatros de ópera en Europa, así como en Nueva York y Buenos Aires y fue el primer artista en vender 1 millón de copias de una grabación en disco. En los años previos a la [[Segunda Guerra Mundial]], la ópera contó con un período de apogeo representado por cantantes como [[Kirsten Flagstad]], [[Miguel Fleta]], [[Feodor Chaliapin]], [[Frida Leider]], [[Lotte Lehmann]], [[Giuseppe Martinelli]], [[Maria Jeritza]], [[Melico Salazar]] y [[Gonzalo Castellón Vargas|Gonzalo Castellón]].
 
En la inmediata posguerra fue figura fundamental la soprano [[Maria Callas]], cuya fama trascendió el ámbito musical al mundo de la política y la farándula así como su rivalidad con la italiana [[Renata Tebaldi]] evocó las confrontaciones de divas del siglo XVIII. Más voces femeninas importantes de la segunda mitad del siglo XX son la cantante sueca [[Birgit Nilsson]], las estadounidenses [[Beverly Sills]], [[Renée Fleming]], [[Jessye Norman]], [[Leontyne Price]] y [[Kathleen Battle]], las catalanas [[Montserrat Caballé]] y [[Victoria de los Ángeles]], las italianas [[Mirella Freni]], [[Cecilia Bartoli]] y [[Renata Scotto]], las búlgaras [[Ljuba Welitsch]] y [[Ghena Dimitrova]], [[Angela Gheorghiu]], [[Diana Damrau]], las francesas [[Régine Crespin]] y [[Natalie Dessay]] y [[Anna Netrebko]]. Algunas cantantes han sido distinguidas por sus servicios por la corona británica con el título de ''Dame'' [[Orden del Imperio Británico|DBE]], entre otras Dame [[Clara Butt]], [[Eva Turner]], [[Joan Sutherland]], [[Kiri Te Kanawa]] (quién canto en la boda del príncipe Carlos con la princesa Diana y se calcula que dicha presentación fue vista por 600 millones de espectadores por televisión), [[Gwyneth Jones]], [[Janet Baker]], [[Elisabeth Schwarzkopf]], [[Margaret Price]] y [[Sarah Connolly]]. En el área germánica se otorga el título [[Kammersänger]] (o ''Kammersängerin'' para las mujeres cantantes) traducido como ''cantante de la corte''.
 
En el campo masculino hay una extensa lista también, mencionando a un barítono contemporáneo de María Callas, [[Tito Gobbi]] quién compartió en varias óperas con Callas incluso su última presentación en vivo en 1964 interpretando [[Tosca]]. En los años 30 incluiremos al mexicano [[Juan Arvizu]].<ref>[https://www.thefreelibrary.com/Mexican+musicians+in+California+and+the+United+States%2C+1910-50.-a0155283831 ''The Free Library - Mexican Musicians in California and the United States 1910-50 - Two Mexican Tenors'' - Juan Arvizu tenor de ópera en thefreelibrary.com]{{en}}</ref><ref>[https://books.google.com/books?id=lzmTAwAAQBAJ&printsec=frontcover&dq=editions:sZtJSSJbdm4C&hl=en&sa=X&ved=0ahUKEwj9sOe62dXZAhXPct8KHYJeCmcQ6AEILTAB#v=onepage&q=Juan%20Arvizu&f=false ''Agustin Lara: A Cultural Biography'' - "Juan Arvizu Biografía y tenor de ópera" . Andrew Grant Wood. Oxford University Press New York 2014 p. 34 ISBN 978-0-19-989245-7 en books.google.com]{{en}}</ref> En los años 1940 incluiremos al chileno [[Ramon Vinay]], el danés [[Lauritz Melchior]] y el mexicano [[Nestor Mesta Chayres]].<ref>[https://www.elsiglodetorreon.com.mx/noticia/956791.nestor-mesta-chayres.html ''El Siglo de Torrén - Nestor Mesta Chayres'' - Biografía de Nestor Mesta Chayres - tenor de ópera en Conservatorio Nacional de Música y Chicago Opera (1949) en elsiglodetorreon.com]</ref> En los años 1960 incluiremos al español [[Alfredo Kraus]], el alemán [[Fritz Wunderlich]] y el italiano [[Giuseppe Di Stefano]]. Los años 1970 fueron el despegue y la gran marquesina de algunos de los cantantes más famosos reconocidos tanto por el gran público aficionado y soportado por el público conocedor y especialistas. Estos son el mexicano [[Francisco Araiza]], reconocido mundialmente por su participación en las óperas de Mozart y Rossini, [[José Carreras]], [[Luciano Pavarotti]] y [[Plácido Domingo]]. A principios de la década de los 90 se unen Pavarotti, Carreras y Domingo para formar el primer evento masivo-operístico conocido como [[Los Tres Tenores]] en 1990. En el ambiente musical de México varios cantantes fueron reconocidos en EE.&nbsp;UU. y Europa al grado que uno de ellos, el tenor [[Ramón Vargas]] participó en los conciertos conmemorativos del centenario luctuoso de Giusseppe Verdi en 2001. Están también Fernando de la Mora y David Lomelí.
 
La tradición continúa en el siglo XXI en tenores como el alemán [[Jonas Kaufmann]], el peruano [[Juan Diego Florez]], los mexicanos [[Rolando Villazón]] y [[Javier Camarena]], los costarricenses [[Gonzalo Castellón Vargas|Gonzalo Castellón]] e Íride Martinez, el estadounidense [[Michael Fabiano]] y el polaco [[Piotr Beczala]]. Vale destacar la irrupción de los contratenores gracias al auge de la música temprana y barroca en las figuras de [[Andreas Scholl]], [[David Daniels]], [[Philippe Jaroussky]] y el argentino [[Franco Fagioli]] entre otros.
 
Aunque el patrocinio de la ópera ha disminuido en el siglo pasado a favor de otras artes y medios, tales como musical, cine, radio, televisión y grabaciones, los medios de comunicación también han apoyado la popularidad de cantantes de ópera famosos gracias a las transmisiones por televisión y en cines desde las grandes casas de ópera así como en estadios multitudinarios.
 
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== Véase también ==
 
* [[Opera bufa]]
* [[Repertorio operístico]]
* [[Anexo:Óperas]]
* [[Anexo:Festivales de ópera]]
* [[Opera rock]]
 
== Notas y referencias ==
 
=== Notas ===
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=== Referencias ===
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== Bibliografía ==
 
*Casares Rodicio, Emilio y Álvaro Torrente: ''La ópera española: La ópera en España e Hispanoamérica'', vol. I y II
 
== Enlaces externos ==
 
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[[Categoría:Óperas]]
[[Categoría:Historia de la ópera]]
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