Música coral
La música coral es una forma de música vocal en la que los coros adquieren gran importancia por encima de otros elementos, como los cantantes solistas y los conjuntos instrumentales. Las composiciones y arreglos corales pueden ser interpretados a capela o con acompañamiento instrumental.
La definición no es restrictiva de una forma musical específica. El canto coral puede ser tan antiguo como la música misma, y en la actualidad se conoce una gran diversidad de músicas populares corales, como las salomas, los negro spiritual o los cuartetos barbershop .
No obstante, la forma más extendida en el mundo, enseñada en los conservatorios y ejecutada en las salas de conciertos, es la surgida de la tradición de música clásica occidental. Los coros realizan una interpretación propia de obras musicales escritas y fijadas con un sistema de notación musical, por lo que el papel de un director de coro con formación específica en la materia cobra especial relevancia para guiar a los coreutas. Esta práctica, además, requiere un tiempo de trabajo tal que amerita la institucionalización de la agrupación coral. En la actualidad, universidades, iglesias, institutos y asociaciones de todo el mundo cuentan con coros que pueden o no interpretar repertorio de música clásica, pero que mantienen estas convenciones.
La música clásica -y particularmente la música religiosa- cultivó por siglos géneros como el canto gregoriano, las misas, los motetes, los oratorios, las cantatas y las sinfonías corales, entre muchos otros. Varios de los más grandes compositores de esta tradición -Palestrina, Monteverdi, Bach, Händel, Mozart, Beethoven, Mendelssohn y Mahler- dedicaron varias de sus obras cumbre a la música coral,
Caracterización editar
En el canto coral clásico, los cantantes suelen ser agrupados en diferentes voces según su tesitura, por lo que aún en una agrupación de 60 coreutas puede darse el caso de que haya únicamente cuatro voces. El motete Spem in alium de Thomas Tallis es famoso por su extravagancia al ser compuesto para 40 voces a capela. La composición de coros más habitual es la llamada SATB (acrónimo de soprano, alto, tenor y bajo), aunque existe una gran variedad al respecto.
La música coral emplea diferentes texturas musicales, incluso dentro de una misma obra. Caben destacar:
-La monofonía, con varias voces cantando la misma melodía.
-la melodía acompañada, donde una voz destaca cantando la melodía y el resto realiza el acompañamiento. Puede contar con un solista que cumpla la primera función.
-la homofonía, donde las voces siguen un mismo patrón rítmico generando una estructura armónica.
-Finalmente, la polifonía se produce cuando dos o más voces son independientes las unas de las otras, o se responden en una dinámica que llamada contrapunto.
Existen varias clasificaciones para las agrupaciones corales, además de la ya mencionada. La etiqueta de coro mixto se reserva a aquellos conjuntos que abarcan todas las tesituras, diferenciándose de los coros femeninos, masculinos y de niños. Suele distinguirse además entre el coro de cámara, de 5 a 20 integrantes, y el coro sinfónico que excede el último número. Esta última clasificación a veces se superpone con la que distingue entre coros profesionales, donde existen mayores exigencias de excelencia y por ende de formación para sus integrantes, y coros amateur, donde la música cumple una función recreativa y cultural en sentido amplio.
Historia editar
Diversos géneros corales han aparecido de la mano de cada época; su perennidad (esto es, la capacidad de interpretar fielmente la música) ha dependido de la existencia de una notación musical. Por eso, comenzamos con la Edad Media, aún sabiendo que la música coral existe desde la Antigüedad Clásica.
De la Alta Edad Media se heredó una diferenciación tajante entre la música sacra, compuesta en contextos religiosos para ser empleada en la liturgia cristiana -sea según la denominación católica, luterana, anglicana u ortodoxa-, y la música profana destinada a ámbitos seculares como la corte, los teatros y cualquier espacio de reunión no religioso. Hoy insuficiente, esta diferenciación nos permite tomar dimensión histórica tanto de la importancia atribuida en los entornos litúrgicos a la música coral, como en consecuencia a la estima y dedicación con la que los músicos se volcaron a la composición de música sacra.
Edad Media editar
Toda la música europea conservada hasta el siglo IX es monofónica, tradición en la que se inscriben los cantos litúrgicos ambrosiano, mozárabe y, principalmente, el gregoriano. Desde el siglo XII, no obstante, comenzó a gestarse una escuela de teorización y composición polifónica en el norte de la actual Francia. De su mano aparecen formas como el organum, el discanto, el canon y el motete, que la escuela borgoñona llevará hacia una mayor complejidad.
Los testimonios de la época nos hacen saber que en las iglesias no cantaban mujeres; las voces blancas (niños) y falsetistas tomaban su lugar. Ilustraciones nos muestran pequeños grupos cantando apiñados alrededor de un libro manuscrito. Sin embargo, con la llegada de la imprenta en el siglo XVI se hace posible reproducir y difundir obras de música en una magnitud desconocida hasta entonces.
Renacimiento editar
En el Renacimiento aparecen nuevas formas de música coral que toman temas melódicos del canto profano. Varias canciones, como L'homme armé, han dado nombre a misas parodia (el procedimiento fue prohibido a fines del siglo XVI). Las canciones profanas que servían de inspiración a estas composiciones se encontraban en los carnavales y en las cortes y salones de los aristócratas de la época.
El primer polo de influencia para la música coral renacentista vino de maestros franco-flamencos como Guillaume Dufay, Antoine Brumel, Johannes Ockeghem, Orlando de Lasso y, principalmente, Josquin des Près. Desde el Flandes y la corte de Borgoña llegan sus innovaciones a una Italia que se estaba convirtiendo en el centro de los movimientos políticos, culturales y económicos de la Europa del Renacimiento.
La corte papal hospedó y patrocinó a varios de los compositores mejor reputados de la época, e impulsó desde Roma una Contrarreforma que también alcanzó a la música coral. Contra los excesos y extravagancias que desviarían la atención del mensaje religioso, la escuela romana estandarizó un estilo polifónico limpio con reglas de composición fijas. Giovanni Pierluigi da Palestrina fue el más importante de los compositores que compusieron en este estilo, desde su cargo de maestro de capilla del coro de la Basílica de San Pedro.
La música profana también abrazó el estilo polifónico durante el Renacimiento, pero con menos restricciones que la religiosa para buscar nuevos recursos e innovaciones. Uno de los desarrollos más interesantes es el que realizaron los madrigalistas al musicalizar poemas en italiano y crear figuras musicales que subordinen la música al texto. La disonancia, los ornamentos y el cromatismo son sólo algunos de los elementos que desplegaron compositores como Carlo Gesualdo, Luca Marenzio y Luzzasco Luzzaschi en el madrigal, que se convirtió en el género privilegiado para la experimentación. La corte de los Este en Ferrara fue sede del famoso Concerto delle donne, un grupo de damas expertas en música que realizó en el contexto de la musica secreta del duque una serie regular de conciertos de música de cámara para una audiencia privada. Su trabajo cautivó e inspiró a varios músicos que compusieron obras para ser interpretadas por el grupo de damas. Mientras el resto de Italia realizaba una transición hacia la seconda pratica característica del Barroco, en Ferrara emergieron otras formas que no siempre hallaron continuidad, pero que serían retomadas siglos más tarde.
Otro centro musical importante fue la escuela veneciana nucleada en la Basílica de San Marcos. Allí, compositores como Adrian Willaert y Giovanni Gabrieli desarrollaron el estilo policoral realizando interpretaciones a dos coros contrapuestos, con voces escritas específicamente para ser ejecutadas por instrumentos. Esto fue el comienzo del concerto barroco, que pronto reemplazó a las voces por instrumentos.
Documentos como el Cancionero del Palacio nos permiten conocer en detalle la música profana que se practicaba en la corte de Castilla, en la que destacaban los villancicos y los romances.
Barroco editar
El stile nuovo se impuso a inicios del siglo XVII en contraposición al stile anticorenacentista, dando primacía a la melodía acompañada por el bajo continuo. En un siglo marcado por la explosiva aparición de la ópera y su gran éxito en las cortes europeas, la música coral fue relegada nuevamente a los entornos religiosos. Las obras corales pasan a ser más sobrias y menos complejas, donde la homofonía va a pasar a ser la norma. La ya citada escuela romana y el madrigalismo inglés constituyen dos de las manifestaciones corales más destacables en la música coral del llamado Barroco temprano.
En cierta forma, la música coral recuperó su dinamismo gracias a los avances hechos en la música instrumental. Existía en los Estados alemanes una gran tradición de organistas y tecladistas que desarrollaron ampliamente el contrapunto y alcanzaron fama como grandes virtuosos y prolíficos compositores. En la transición hacia el Barroco tardío, compositores de prestigio como Alessandro Scarlatti y Antonio Vivaldi realizaron complejas obras de música litúrgica además de sus más conocidos trabajos operísticos e instrumentales.
Sin embargo, el punto más alto de la música barroca coral se da en los grandes maestros alemanes del siglo XVIII: Johann Sebastian Bach y Georg Friedrich Händel. Sus obras corales comprenden complejas fugas contrapuntísticas y elaboradas fantasías corales que llevan a la polifonía a su punto más alto, mientras que los emotivos corales infunden en la congregación un sentimiento de religiosidad y contemplación de lo divino. La mayor parte de la obra de Bach es litúrgica, y de ella cabe destacar su Misa en si menor, sus dos pasiones (según según San Mateo y según San Juan), su Magníficat, sus seis motetes y sus doscientas cantatas religiosas. En comparación, en la obra de Händel solo hay una obra coral memorable, que resulta ser más famosa del barroco: su oratorio El Mesías.
Clasicismo editar
El Clasicismo no sólo aporta la victoria de la armonía sobre el contrapunto; también aporta una renovación de la orquesta que influirá a su vez en el repertorio coral con acompañamiento orquestal. Hacia 1740 aparece la orquesta moderna en Mannheim. La orquesta moderna le será necesaria pocos años más tarde a los compositores para desarrollar el oratorio del siglo XIX.
Paralelamente, el estilo barroco, alambicado y complejo, es reemplazado progresivamente por el estilo rococó. Ejemplo del estilo rococó del clasicismo temprano, son las misas que Wolfgang Amadeus Mozart compuso en Salzburgo para el Príncipe Arzobispo, como la Misa de la Coronación (Krönungsmesse).
Con el declive del contrapunto, en ese período la fuga coral pierde interés pero no vigencia: se encuentran aún fugas corales en el Laudate Pueri deñ Vesperae solennes de confessore y en el Kyrie del Requiem, ambos de Mozart, así como en La Creación de Haydn.
La ópera del siglo XVIII es una gran fuente de repertorio coral durante este período. Podemos citar el coro de los sacerdotes de La flauta mágica (Die Zauberflöte) de Mozart, o los coros de Orfeo y Eurídice de Gluck.
Al comenzar el Romanticismo, los géneros ya están estabilizados: el canto coral florece en el motete, el oratorio, la ópera y sus hermanas menores, la zarzuela, el Singspiel, y la opereta.
Romanticismo editar
El Romanticismo fue un movimiento cultural y político que se originó en la actual Alemania a finales del siglo XVIII como una reacción al racionalismo ilustrado y al clasicismo imperante en todas las artes. Los románticos buscaron privilegiar en su arte la apelación al sentimiento y al espíritu, en una era marcada por cambios revolucionarios y una rebelión contra la tradición. Se desarrolló fundamentalmente en la primera mitad del siglo XIX, extendiéndose desde Alemania a Inglaterra, Francia, Italia, España, Rusia, Polonia, Estados Unidos y las recién nacidas repúblicas hispanoamericanas.
La música deja de emanar de las corte de los aristócratas para volcarse hacia los salones de los burgueses, en las salas de conciertos y en las óperas estatales. Los músicos ya no son empleados de príncipes y nobles, sino cuentapropistas que componen para editores y frecuentan los salones artísticos. Sus clientes son a veces sociedades corales cuyos miembros cantan en coros; algunos de ellos son exclusivamente masculinos y para ellos componen compositores como Anton Bruckner.
La mayor parte de la producción coral de la época es para coros de cámara de tres o cuatro voces, donde sobresalen los maestros alemanes y austríacos: Mendelssohn, Brahms, Bruckner, Schumann, etc. La temática de los coros de cámara del Romanticismo es variada: religiosa (los Marienlieder de Brahms), la naturaleza (el Jagdlied de Mendelssohn), nacionalista (Der Deutscher Rhein de Schumann), colorista (Zigeunerlieder de Brahms). La letra a la que ponen música los compositores es un fiel reflejo de su época.
Los oratorios son menos frecuentes pero son sumamente imponentes. Citamos especialmente Paulus y Elías de Mendelssohn, que retoma el género allí donde Händel lo había dejado, al mismo tiempo que rescata a Bach del olvido interpretando la Pasión según San Mateo en 1829. También os oratorios de Berlioz, el Te Deum de Bruckner y el Réquiem alemán de Brahms.
Precisamente la misa de réquiem es un género de música que floreció en el siglo XIX, pero que cada compositor lo reinterpreta a su manera. Verdi lo hace como una ópera, mientras que Berlioz como un poema sinfónico con coros; Brahms como una sinfonía coral donde coro y orquesta tienen el mismo peso y hasta los solistas no tienen la palabra aisladamente, sino dialogando con el coro y la orquesta.
La ópera romántica también aporta contribuciones importantes al repertorio coral; son demasiadas como para citarlas todas. Citemos los coros de las óperas de Richard Wagner sobre todo Tannhäuser, Die Meistersinger von Nürnberg y Parsifal; los italianos Giuseppe Verdi (Nabucco, Aida) y Pietro Mascagni (Cavalleria Rusticana), pero citemos, sobre todo, la única ópera del período donde el protagonista principal es el pueblo, y con él, el coro: Borís Godunov, de Modest Músorgski.
Género sinfónico-coral editar
A fines del siglo suelen componerse las sinfonías con coros, principalmente de la mano de Mahler: citemos la Sinfonía n.º 2 y la Octava (Sinfonía de los Mil), de las cuales la Novena Sinfonía de Beethoven no es sino un distante precursor.
Lo de distante se debe entre otras cosas a dos fenómenos.
- En primer lugar, los coros con acompañamiento orquestal tienen cada vez más coreutas en escena, porque la orquesta romántica misma evoluciona y hay que hacer contrapeso a una orquesta sinfónica cada vez más grande. Por ejemplo, en la orquesta beethoveniana las maderas (flauta, oboe, clarinete y fagot) están duplicadas y no existe el contralto o el sopranino del instrumento; mientras que en las partituras de fin de siglo las maderas son habitualmente cuadruplicadas, y a las flautas acompaña el flautín, al oboe el corno inglés, al clarinete el requinto o el clarinete bajo, al fagot el contrafagot.
- En segundo lugar, nos quedan testimonios de las quejas de Berlioz y Wagner sobre la paupérrima calidad de sus coreutas en la primera mitad del siglo; a medida que las sociedades de conciertos se organizan y la vida musical pasa a ser una actividad cada vez más profesional, la calidad de los cantantes mejora. Esa mejora va acompañada con un aumento en la altura del diapasón, con un aumento en las dificultades técnicas (lectura y ejecución por igual), y en la extensión de voz exigida a los cantantes. En pocas palabras, a medida que pasa el tiempo, menos gente es capaz de cantar las obras contemporáneas.
El siglo XX editar
En los albores del siglo XX, la gente ya no es capaz, como lo era en el siglo XVIII, de cantar las obras de los grandes compositores del momento. Antes bien, la música clásica llegó a adquirir un estatus de cultura de élite. Pero con el advenimiento de la industria musical y las nuevas tecnologías de la comunicación (radio, cine, televisión, internet) esto se revirtió: la música se convirtió en un bien de consumo más, y los directores de coro y orquesta tuvieron la oportunidad de conquistar nuevas audiencias.
Rechazando esta dirección, algunos compositores buscaron abrazar el modernismo de vanguardia. Arnold Schönberg y Alban Berg pusieron coros en sus óperas atonales, Moisés y Aarón y Wozzeck respectivamente. Los compositores del serialismo como Benjamin Britten y Pierre Boulez también realizaron trabajos corales renovadores, aunque sin incursionar en el dodecafonismo. Durante la mayor parte del siglo, sin embargo, la música coral tradicional fue poco cultivada por los grandes compositores.
Luego de la Segunda Guerra Mundial comenzó una nueva era de la globalización. Se produjo un redescubrimiento de las músicas folclóricas y religiosas del mundo, como la música hispanoamericana, la música brasileña, los cantos litúrgicos ortodoxos rusos, y sobre todo, el negro spiritual. Sobre estos últimos, cabe señalar la gran calidad de los arreglos que Robert Shaw ha interpretado para revitalizar el género, y que pese a su dificultad técnica, han suscitado el entusiasmo de todos los directores de coro, pasando a convertirse en parte del repertorio universal. Estas músicas aportan recursos técnicos que no habían sido cultivado en la música coral erudita: la polirritmia; el uso de ruidos como chasquidos de lengua y palmas; un mayor uso del ritmo; escalas distintas de la diatónica, como la escala pentatónica; o bien el regreso de los modos antiguos.
Entre los compositores de música coral de España e Hispanoamérica sobresalen Rodolfo Halffter, con sus Tres epitafios a cappella, cuyo texto proviene del Quijote de Cervantes; Pablo Casals con su oratorio El Pessebre, y Ariel Ramírez con sus obras Misa criolla y Navidad nuestra. Precisamente la obra de Ramírez es típica de la síntesis de géneros y formaciones corales del siglo: un coro y una orquesta clásica de cámara alternan con instrumentos de la Argentina para cantar melodías de origen popular pero armonizadas con las mismas reglas de la armonía que se aprenden en los conservatorios.
La versión históricamente informada editar
Por otro lado, el siglo XX atestiguó un boom de la interpretación de música histórica, de la mano del movimiento de la versión históricamente informada. Músicas antiguas, medievales, del renacimiento y del barroco comenzaron a ser interpretadas en mucha mayor medida que en el pasado, lo cual rescató del olvido a compositores como Antonio Vivaldi, John Dowland, Jan Dismas Zelenka, Girolamo Frescobaldi, Tomás Luis de Victoria, Georg Philipp Telemann, Heinrich Schütz y Carlo Gesualdo, entre muchos otros. Desde entonces, proliferan como nunca antes coros abocados a la interpretación de obras de períodos y compositores específicos, fenómeno que sólo era familiar hasta entonces para la obra de Johann Sebastian Bach.
A fines del siglo XX se ha redescubierto incluso la música barroca compuesta por compositores europeos residentes en América, como el italiano Domenico Zipoli.
El retorno de la música litúrgica editar
El fin de siglo también vio resurgir el interés por la música litúrgica dentro del llamado minimalismo sacro. Compositores como György Ligeti, Arvo Pärt, John Rutter, John Tavener, Henryk Górecki, Morten Lauridsen, Bob Chilcott, Karl Jenkins, Eric Whitacre y Ola Gjeilo buscaron inspiración en la liturgia para componer en un estilo opuesto al serialismo, renunciando a la música cerebral sin recaer en un empobrecimiento artístico. Por otra parte, y como se dio en el caso de los principales músicos minimalistas, algunos de estos compositores supieron hallar en el cine y en la música ambient una ventana para difundir su música.
Varios de los coros de cámara más reputados de la actualidad, tales como los King's Singers, los BBC Singers, el Hilliard Ensemble, Polyphony, Tenebrae y Voices8, se asocian a menudo con minimalistas sacros e interpretan sus obras.
Enlaces externos editar
CPDL: Biblioteca Open source de repertorio de música coral (en inglés)
Datos: Q1076513
Multimedia: Choral music / Q1076513
