Diferencia entre revisiones de «Renacimiento»
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[[Archivo:Vitruvian.jpg|right|thumb|250px|Hombre de [[Vitrubio]], dibujo de [[Leonardo da Vinci]], expresión del canon renacentista]]
'''Renacimiento ''' es el nombre dado al amplio movimiento de revitalización cultural que se produjo en [[Europa Occidental]] en los siglos [[Siglo XV|XV]] y [[Siglo XVI|XVI]]
El Renacimiento es fruto de la difusión de las ideas del [[humanismo]], que determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo.
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== Desarrollo ==
Históricamente, el Renacimiento fue contemporáneo de la Era de los [[Descubrimientos]] y las conquistas ultramarinas. Esta «Era» marca el comienzo de la
El fenómeno renacentista comienza en el [[siglo XIV]] y no antes, aunque al tratarse de un proceso histórico, se elige un momento arbitrariamente para determinar cronológicamente su comienzo, pero lo cierto es que se trata de un proceso que hunde sus raíces en la alta Edad Media y va tomando forma gradualmente.
El [[desmembramiento]] de la [[cristiandad]] con el surgimiento de la [[Reforma protestante]], la introducción de la [[imprenta]], entre [[1460]] y [[1480]], y la consiguiente difusión de la cultura fueron uno de los motores del cambio. El determinante, sin embargo, de este cambio social y cultural fue el
En este clima cultural de renovación, que paradójicamente buscaba sus modelos en la [[Antigüedad Clásica]], surgió a principios del [[siglo XV]] un renacimiento artístico en Italia, de empuje extraordinario.
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== Arquitectura en Italia ==
{{AP|Pintura renacentista}}▼
[[Archivo:Botticelli Venus.jpg|right|thumb|270px|El Nacimiento de Venus, obra de [[Botticelli]]]]▼
En pintura, las novedades del Renacimiento se introducirán de forma paulatina pero irreversible a partir del siglo XV. Un antecedente de las mismas es [[Giotto]], que aunque se mueve aún dentro del Gótico, desarrolla en sus pinturas conceptos como volumen tridimensional, perspectiva, naturalismo, que alejan su pintura de los rígidos modos de la tradición bizantina y gótica y preludian el Renacimiento pictórico.▼
En el Quattrocento ([[siglo XV]]), se recogen todas estas novedades y se adaptan a la nueva mentalidad humanista y burguesa que se expandía por las ciudades-estado italianas. Los pintores, aun tratando temas religiosos la mayoría de ellos, introducen también en sus obras la mitología, la alegoría y el retrato, que se desarrollará a partir de ahora enormemente. Una búsqueda constante de los pintores de esta época será la perspectiva, objeto de estudio y reflexión para muchos artistas. Se trata de llegar a la ilusión de espacio tridimensional de una forma científica y reglada. La pintura cuatrocentista es una época de experimentación; las pinturas abandonan lenta y progresivamente la rigidez gótica y se aproximan cada vez más a la realidad. Aparece la naturaleza retratada en los fondos de las composiciones, y se introducen los desnudos en las figuras.▼
Los pintores más destacados de esta época serán: en Florencia, [[Fra Angélico]], [[Masaccio]], [[Benozzo Gozzoli]], [[Piero della Francesca]], [[Filippo Lippi]], [[Paolo Uccello]]. En Umbría,[[ Perugino]]. En Padua, [[Mantegna]], y en Venecia [[Giovanni Bellini]]. Por encima de todos ellos destaca Sandro [[Botticelli]], autor de alegorías, delicadas ''Madonnas'' y asuntos mitológicos. Su estilo dulce, muy atento a la belleza y sensibilidad femeninas, y predominantemente dibujístico, caracterizan la escuela florentina de pintura y toda esta época. Otros autores del Quattrocento italiano son [[Andrea del Castagno]], [[Antonio Pollaiuolo]], il [[Pinturicchio]], [[Domenico Ghirlandaio]], [[Cima da Conegliano]], [[Luca Signorelli]], [[Cosme Tura]], [[Vincenzo Foppa]], [[Alessio Baldovinetti]], [[Vittore Carpaccio]], y en el sur de la península, [[Antonello da Messina]].▼
El Cinquecento ([[siglo XVI]]) fue la etapa culminante de la pintura renacentista, y denominada por ello a veces como ''Clasicismo''. Los pintores asimilan las novedades y la experimentación cuatrocentistas y las llevan a nuevas cimas creativas. En este momento aparecen grandes maestros, cuyo trabajo servirá de modelo a los artistas durante siglos. ▼
El primero de ellos fue [[Leonardo da Vinci]] (1452-1519), uno de los grandes genios de todos los tiempos. Fue el ejemplo más acabado de artista multidisciplinar, intelectual y obsesionado con la perfección, que le llevó a dejar muchas obras inconclusas o en proyecto. Poco prolífico en su faceta pictórica, aportó sin embargo muchas innovaciones que condujeron a la historia de la pintura hacia nuevos rumbos. Quizá su principal aportación fue el ''sfumato'' o claroscuro, delicada gradación de la luz que otorga a sus pinturas una gran naturalidad, a la vez que ayuda a crear espacio. Estudiaba cuidadosamente la composición de sus obras, como en la muy difundida [[La Última Cena (Leonardo)|Última Cena]], donde las figuras se ajustan a un esquema geométrico. Supo unir en sus trabajos la perfección formal a ciertas dosis de misterio, presente, por ejemplo, en la celebérrima [[Gioconda]], [[La Virgen de las Rocas]] o el ''San Juan Bautista''.▼
[[Archivo:Leonardo da Vinci 020.jpg|right|thumb|200px|Santa Ana, la Virgen y el Niño, por [[Leonardo da Vinci]]]]▼
[[Miguel Ángel]] (1475-1564) es la segunda, cronológicamente, gran figura. Fundamentalmente escultor, se dedicó a la pintura de forma esporádica, a petición de algunos admiradores de su obra, sobre todo el papa [[Julio II]]. Los frescos de la [[Capilla Sixtina]] muestran el atormentado mundo interior de este artista, poblado de figuras monumentales, sólidas y tridimensionales como si fueran esculturas, y de llamativa presencia física. En su obra cobra mucha importancia el desnudo, aun cuando la casi totalidad de la misma fue hecha para decorar iglesias.▼
[[Rafael Sanzio]] (1483-1520) completa la tríada de genios del Clasicismo. Su estilo tuvo un enorme éxito y se puso de moda entre los poderosos. La pintura de Rafael busca ante todo la ''grazia'', o belleza equilibrada y serena. Sus ''Madonnas'' recogen las novedades de Leonardo en lo que se refiere a composición y claroscuro, añadiendo una característica dulzura. Anticipa claramente la pintura manierista en sus últimas obras, cuyo estilo agitado y dramático copiarán y difundirán sus discípulos.▼
[[Archivo:Tizian 055.jpg|left|thumb|200px|Retrato de [[Eleonora Gonzaga]], por [[Tiziano]]]]▼
Con la aparición de estos tres grandes maestros, los artistas contemporáneos asumen que el arte ha llegado a su culmen (concepto recogido en la obra de [[Giorgio Vasari]], ''Las Vidas'') y se afanarán por tanto en incorporar estos logros, por un lado, y en la búsqueda de un estilo propio y original como forma de superarlos. Ambas cosas, junto con el ambiente pesimista que se respiraba en la Cristiandad en la década de 1520 ([[Saco de Roma]], [[Reforma protestante]], guerras), hizo surgir con fuerza a partir de los años 30 del siglo XVI una nueva corriente, el [[Manierismo]]. Se buscará a partir de entonces lo extravagante, lo extraño, lo exagerado y lo irreal. Pertenecen a la corriente pictórica [[Pontormo]], [[Bronzino]], [[Parmigianino]], [[Rosso Fiorentino]] o [[Francesco Salviati]]. Otros autores tomarán algunas novedades manieristas pero siguiendo una línea más personal y clasicista. Entre ellos podemos citar a [[Sebastiano del Piombo]], [[Correggio]], [[Andrea del Sarto]] o [[Federico Barocci]].▼
Dentro de las diferentes escuelas que surgen en Italia en el Cinquecento, la de [[Venecia]] presenta especiales características. Si los florentinos ponían el acento en el ''disegno'', es decir, en la composición y la línea, los pintores venecianos se centrarán en el color. Las especiales características del estado veneciano pueden explicar algo de esta particularidad, puesto que se trataba de una sociedad elitista, amante del lujo y muy relacionada con Oriente. La escuela veneciana reflejará esto mediante una pintura refinada, hedonista, menos intelectual y más vital, muy decorativa y colorista.▼
Precursores de la escuela veneciana del Cinquecento fueron [[Giovanni Bellini]] y, sobre todo, [[Giorgione]], pintor alegorías, paisajes y asuntos religiosos melancólicos y misteriosos. Deudor de su estilo fue [[Tiziano]] (1476?-1576), el mayor pintor de esta escuela, excelente retratista, quizá el más demandado de su tiempo; autor de complejas y realistas composiciones religiosas, llenas de vida y colorido. En la última etapa de su vida deshace los contornos de las figuras, convirtiendo sus cuadros en puras sensaciones de luz y color, anticipo del [[Impresionismo]]. [[Tintoretto]], [[Paolo Veronese]] y [[Palma el Viejo]] continuarán esta escuela llevándola hacia el Manierismo y anticipando en cierta manera la [[Pintura del Barroco|pintura Barroca]].▼
{{AP|Arquitectura del Renacimiento}}
[[Archivo:Firenzenovella0002.jpg|thumb|left|150px|La [[Iglesia de Santa Maria Novella]], en Florencia, con fachada diseñada por [[Leon Battista Alberti]]]]
== Pintura en Italia ==▼
La arquitectura renacentista tuvo un carácter marcadamente profano en comparación con la época anterior y, lógicamente, surgirá en una ciudad en donde el [[arquitectura gótica|Gótico]] apenas había penetrado, [[Florencia]]. A pesar de ello, muchas de las obras más destacadas serán edificios religiosos.
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*El Cinquecento, ''Renacimiento pleno'' o ''Alto Renacimiento'' tuvo como centro [[Roma]]: En [[1506]] [[Donato d'Angelo Bramante]] terminaba su célebre proyecto para la [[basílica de San Pedro]] en el [[Vaticano]], que será el edificio que marque la pauta en lo restante del siglo XVI. En esta etapa, los edificios tienden más a la monumentalidad y la grandiosidad. Miguel Ángel introduce el ''orden gigante'' en su proyecto para la basílica, lo que rompe con el concepto de ''arquitectura hecha a la medida del hombre''. Los palacios se adornan con elaborados bajorrelieves (Palacio Grimani de Venecia, [[1549]], obra de [[Michele Sanmicheli]]) o de esculturas exentas ([[Biblioteca de San Marcos]],[[1537]]–[[1550|50]], [[Venecia]], obra de [[Jacopo Sansovino]]). Predominará de este modo la idea de riqueza, monumentalidad y lujo en las construcciones. A medida que avanza el siglo el Manierismo se introduce en la arquitectura, con edificios cada vez más suntuosos, rebuscadas decoraciones y elementos que pretenden captar la atención del espectador por su originalidad o extravagancia ([[Palacio del Té|Palazzo del Tè]], en [[Mantua]], por [[Giulio Romano]]). Podemos distinguir, de este modo, como en las demás disciplinas artísticas, dos periodos: el ''Clasicismo'' de principios de siglo, con autores como [[Bramante]], [[Miguel Ángel]], [[Antonio da Sangallo el Viejo]], [[Jacopo Sansovino]], y el manierismo que se da a partir de 1630, siendo sus principales autores [[Andrea Palladio]], [[Giorgio Vasari]], [[Giulio Romano]], [[Jacopo Vignola]], [[Vincenzo Scamozzi]]. Hay que apuntar que la ruptura del Manierismo no fue radical puesto que ya en la obra de Miguel Ángel aparecen elementos que la preludian.
▲== Pintura en Italia ==
▲{{AP|Pintura renacentista}}
▲[[Archivo:Botticelli Venus.jpg|right|thumb|270px|El Nacimiento de Venus, obra de [[Botticelli]]]]
▲En pintura, las novedades del Renacimiento se introducirán de forma paulatina pero irreversible a partir del siglo XV. Un antecedente de las mismas es [[Giotto]], que aunque se mueve aún dentro del Gótico, desarrolla en sus pinturas conceptos como volumen tridimensional, perspectiva, naturalismo, que alejan su pintura de los rígidos modos de la tradición bizantina y gótica y preludian el Renacimiento pictórico.
▲En el Quattrocento ([[siglo XV]]), se recogen todas estas novedades y se adaptan a la nueva mentalidad humanista y burguesa que se expandía por las ciudades-estado italianas. Los pintores, aun tratando temas religiosos la mayoría de ellos, introducen también en sus obras la mitología, la alegoría y el retrato, que se desarrollará a partir de ahora enormemente. Una búsqueda constante de los pintores de esta época será la perspectiva, objeto de estudio y reflexión para muchos artistas. Se trata de llegar a la ilusión de espacio tridimensional de una forma científica y reglada. La pintura cuatrocentista es una época de experimentación; las pinturas abandonan lenta y progresivamente la rigidez gótica y se aproximan cada vez más a la realidad. Aparece la naturaleza retratada en los fondos de las composiciones, y se introducen los desnudos en las figuras.
▲Los pintores más destacados de esta época serán: en Florencia, [[Fra Angélico]], [[Masaccio]], [[Benozzo Gozzoli]], [[Piero della Francesca]], [[Filippo Lippi]], [[Paolo Uccello]]. En Umbría,[[ Perugino]]. En Padua, [[Mantegna]], y en Venecia [[Giovanni Bellini]]. Por encima de todos ellos destaca Sandro [[Botticelli]], autor de alegorías, delicadas ''Madonnas'' y asuntos mitológicos. Su estilo dulce, muy atento a la belleza y sensibilidad femeninas, y predominantemente dibujístico, caracterizan la escuela florentina de pintura y toda esta época. Otros autores del Quattrocento italiano son [[Andrea del Castagno]], [[Antonio Pollaiuolo]], il [[Pinturicchio]], [[Domenico Ghirlandaio]], [[Cima da Conegliano]], [[Luca Signorelli]], [[Cosme Tura]], [[Vincenzo Foppa]], [[Alessio Baldovinetti]], [[Vittore Carpaccio]], y en el sur de la península, [[Antonello da Messina]].
▲El Cinquecento ([[siglo XVI]]) fue la etapa culminante de la pintura renacentista, y denominada por ello a veces como ''Clasicismo''. Los pintores asimilan las novedades y la experimentación cuatrocentistas y las llevan a nuevas cimas creativas. En este momento aparecen grandes maestros, cuyo trabajo servirá de modelo a los artistas durante siglos.
▲El primero de ellos fue [[Leonardo da Vinci]] (1452-1519), uno de los grandes genios de todos los tiempos. Fue el ejemplo más acabado de artista multidisciplinar, intelectual y obsesionado con la perfección, que le llevó a dejar muchas obras inconclusas o en proyecto. Poco prolífico en su faceta pictórica, aportó sin embargo muchas innovaciones que condujeron a la historia de la pintura hacia nuevos rumbos. Quizá su principal aportación fue el ''sfumato'' o claroscuro, delicada gradación de la luz que otorga a sus pinturas una gran naturalidad, a la vez que ayuda a crear espacio. Estudiaba cuidadosamente la composición de sus obras, como en la muy difundida [[La Última Cena (Leonardo)|Última Cena]], donde las figuras se ajustan a un esquema geométrico. Supo unir en sus trabajos la perfección formal a ciertas dosis de misterio, presente, por ejemplo, en la celebérrima [[Gioconda]], [[La Virgen de las Rocas]] o el ''San Juan Bautista''.
▲[[Archivo:Leonardo da Vinci 020.jpg|right|thumb|200px|Santa Ana, la Virgen y el Niño, por [[Leonardo da Vinci]]]]
▲[[Miguel Ángel]] (1475-1564) es la segunda, cronológicamente, gran figura. Fundamentalmente escultor, se dedicó a la pintura de forma esporádica, a petición de algunos admiradores de su obra, sobre todo el papa [[Julio II]]. Los frescos de la [[Capilla Sixtina]] muestran el atormentado mundo interior de este artista, poblado de figuras monumentales, sólidas y tridimensionales como si fueran esculturas, y de llamativa presencia física. En su obra cobra mucha importancia el desnudo, aun cuando la casi totalidad de la misma fue hecha para decorar iglesias.
▲[[Rafael Sanzio]] (1483-1520) completa la tríada de genios del Clasicismo. Su estilo tuvo un enorme éxito y se puso de moda entre los poderosos. La pintura de Rafael busca ante todo la ''grazia'', o belleza equilibrada y serena. Sus ''Madonnas'' recogen las novedades de Leonardo en lo que se refiere a composición y claroscuro, añadiendo una característica dulzura. Anticipa claramente la pintura manierista en sus últimas obras, cuyo estilo agitado y dramático copiarán y difundirán sus discípulos.
▲[[Archivo:Tizian 055.jpg|left|thumb|200px|Retrato de [[Eleonora Gonzaga]], por [[Tiziano]]]]
▲Con la aparición de estos tres grandes maestros, los artistas contemporáneos asumen que el arte ha llegado a su culmen (concepto recogido en la obra de [[Giorgio Vasari]], ''Las Vidas'') y se afanarán por tanto en incorporar estos logros, por un lado, y en la búsqueda de un estilo propio y original como forma de superarlos. Ambas cosas, junto con el ambiente pesimista que se respiraba en la Cristiandad en la década de 1520 ([[Saco de Roma]], [[Reforma protestante]], guerras), hizo surgir con fuerza a partir de los años 30 del siglo XVI una nueva corriente, el [[Manierismo]]. Se buscará a partir de entonces lo extravagante, lo extraño, lo exagerado y lo irreal. Pertenecen a la corriente pictórica [[Pontormo]], [[Bronzino]], [[Parmigianino]], [[Rosso Fiorentino]] o [[Francesco Salviati]]. Otros autores tomarán algunas novedades manieristas pero siguiendo una línea más personal y clasicista. Entre ellos podemos citar a [[Sebastiano del Piombo]], [[Correggio]], [[Andrea del Sarto]] o [[Federico Barocci]].
▲Dentro de las diferentes escuelas que surgen en Italia en el Cinquecento, la de [[Venecia]] presenta especiales características. Si los florentinos ponían el acento en el ''disegno'', es decir, en la composición y la línea, los pintores venecianos se centrarán en el color. Las especiales características del estado veneciano pueden explicar algo de esta particularidad, puesto que se trataba de una sociedad elitista, amante del lujo y muy relacionada con Oriente. La escuela veneciana reflejará esto mediante una pintura refinada, hedonista, menos intelectual y más vital, muy decorativa y colorista.
▲Precursores de la escuela veneciana del Cinquecento fueron [[Giovanni Bellini]] y, sobre todo, [[Giorgione]], pintor alegorías, paisajes y asuntos religiosos melancólicos y misteriosos. Deudor de su estilo fue [[Tiziano]] (1476?-1576), el mayor pintor de esta escuela, excelente retratista, quizá el más demandado de su tiempo; autor de complejas y realistas composiciones religiosas, llenas de vida y colorido. En la última etapa de su vida deshace los contornos de las figuras, convirtiendo sus cuadros en puras sensaciones de luz y color, anticipo del [[Impresionismo]]. [[Tintoretto]], [[Paolo Veronese]] y [[Palma el Viejo]] continuarán esta escuela llevándola hacia el Manierismo y anticipando en cierta manera la [[Pintura del Barroco|pintura Barroca]].
==Escultura en Italia==
[[Archivo:Gattamelata.jpg|thumb|left|150px|El condotiero [[Erasmo de Narni|Gattamelata]], por [[Donatello]]]]
Como en las demás manifestaciones artísticas, los ideales de vuelta a la Antigüedad, inspiración en la naturaleza, humanismo antropocéntrico e idealismo fueron los que caracterizaron la escultura de este período. Ya el [[Escultura gótica|Gótico]] había preludiado en cierta manera algunos de estos aspectos, pero algunos hallazgos arqueológicos (el [[Laocoonte y sus hijos|Laocoonte]], hallado en 1506, o el [[Torso Belvedere]]) que se dieron en la época supusieron una auténtica conmoción para los escultores y sirvieron de modelo e inspiración para las nuevas realizaciones.[[Archivo:Ghiberti-porta.jpg|thumb|right|200px|Detalle de la [[Puerta del Paraíso]], en el [[Baptisterio de Florencia]], obra de [[Lorenzo Ghiberti]]]] Aunque se seguirán haciendo obras religiosas, en las mismas se advierte un claro aire profano; se reintroduce el desnudo y el interés por la anatomía con fuerza, y aparecen nuevas tipologías técnicas y formales, como el relieve en ''schiaciatto'' (altorrelieve con muy poco resalte, casi plano) y el ''tondo'', o composición en forma de disco; también la iconografía se renueva con temas mitológicos, alegóricos y heroicos. Aparece un inusitado interés por la perspectiva, derivado de las investigaciones arquitectónicas coetáneas, y el mismo se plasma en relieves, retablos, sepulcros y grupos escultóricos. Durante el Renacimiento decae en cierta manera la tradicional talla en madera policromada en favor de la escultura en piedra (mármol preferentemente) y recupera la escultura monumental en bronce, caída en desuso durante la [[Arte medieval|Edad Media]]. Los talleres de Florencia serán los más reputados de Europa en esta técnica, y surtirán a toda Europa de estatuas de este material.
Los dos siglos que dura el Renacimiento en Italia darán lugar, igual que en las demás artes, a dos etapas:
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[[Archivo:Michelangelo's Pieta 5450 cropncleaned.jpg|right|thumb|250px|La [[Piedad del Vaticano]], de [[Miguel Ángel]], encargada por el cardenal francés Jean Bilhéres de Lagraulas para su sepultura, hoy en la [[Basílica de San Pedro]]]]
*Cinquecento (siglo XVI). Esta época está marcada por la aparición estelar de uno de los escultores más geniales de todos los tiempos, [[Miguel Ángel]] Buonarrotti (1475-1564). Hasta tal punto marcó la escultura de todo el siglo, que muchos de sus continuadores no fueron capaces de recoger todas sus novedades y éstas no se desarrollarán hasta varios siglos después.
Miguel Ángel fue, como tantos otros en esta época, un artista multidisciplinar. Sin embargo, él se consideraba preferentemente escultor. En sus primeras obras recoge el interés arqueológico surgido en Florencia: así, su [[Bacus (Miguel Ángel)|''Baco ebrio'']] fue realizado con intención de que aparentara ser una escultura clásica. Igualmente, en la [[Piedad del Vaticano|''Piedad'']], realizada entre 1498-99 para la Basílica Vaticana, el idealismo e impasibilidad de los dioses clásicos se traslada a un tema cristiano, revistiendo este tema trágico de serena monumentalidad. Protegido primero por los Médicis, para los que crea las ''Tumbas Mediceas'', soberbio ejemplo de expresividad, marchará luego a Roma donde colaborará en los trabajos de construcción de la nueva Basílica. El pontífice [[Julio II]] lo toma bajo su protección y le encomienda la creación de su ''Mausoleo'', denominado por el artista como "la tragedia de la sepultura" por los retrasos, cambios y demoras que sufrió el proyecto. En las esculturas hechas para este sepulcro, como el célebre [[Moisés de Miguel Ángel|Moisés
En los años finales de la centuria, la huella de Miguel Ángel tiene sus réplicas en [[Benvenuto Cellini]] (''Perseo'' de la Loggia dei Lanzi de Florencia, espacio concebido como museo de escultura al aire libre), [[Bartolomeo Ammannati]], [[Giambologna]] y [[Baccio Bandinelli]], que exagerarán los elementos más superficiales de la obra del maestro, situándose plenamente todos ellos en la corriente manierista.
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