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Diferencia entre revisiones de «Pintura renacentista de Italia»

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La ciudad de [[Florencia]] en la [[Toscana]] se considera como el lugar donde surgió el [[Renacimiento]], en particular la pintura renacentista, aunque al final de esa época Roma y Venecia cobraron cada vez mayor importancia en lo referente a la pintura.. Se puede encontrar información más detallada en los artículos [[Renacimiento|arte del Renacimiento]] y [[arquitectura del Renacimiento]].
 
La pintura renacentista italiana se divide habitualmente en cuatro períodos: protorenacimientoproto renacimiento (1300-1425), [[Renacimiento temprano]] (1425-1495), [[Alto Renacimiento]] (1495-1520) y [[manierismo]] (1520-1600). Estas fechas son aproximadas, ya que no todos los periodos de vida o creación de los pintores encajan exactamente en estas franjas temporales.
 
El protorenacimientoproto renacimiento comienza con la vida profesional del pintor [[Giotto]] e incluye a [[Taddeo Gaddi]], [[Orcagna]] y [[Altichiero]]. El Renacimiento Temprano se inició con el trabajo de [[Masaccio|Masaccio y posteriormente desarrollado por]], [[Fra Angelico]], [[Paolo Uccello]], [[Piero della Francesca|Piero Della Francesca]] Sandro Botticelli, [[Verrocchio]], Domenico Ghirlandaio y Giovanni Bellini. En el Alto Renacimiento destacan [[Leonardo da Vinci]], [[Miguel Ángel]], [[Rafael Sanzio|Rafael]], [[Andrea del Sarto]], [[Antonio Allegri da Correggio|Coreggio]], [[Giorgione]], las obras tardías de Giovanni Bellini y [[Tiziano]]. El período Manierista, que tiene su propio artículo, incluye las obras tardías de Miguel Ángel así como a [[Pontormo]], Parmigianino, Bronzino y [[Tintoretto]].
 
==Influencias==
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=== Sociedad ===
El establecimiento de la banca de los [[Médici]] y el subsiguiente comercio aportó una riqueza sin precedentes a una ciudad italiana concreta: Florencia. Cosimo de Medici impuso una nueva manera de patrocinar las artes, sin relación con la Iglesia o la monarquía. La presencia de individuos con genio artístico como [[Giotto]], [[Masaccio]], [[Filippo Brunelleschi|Brunelleschi]], [[Piero della Francesca|Piero Della Francesca]], [[Leonardo da Vinci]] y [[Michelangelo|Miguel Ángel]] en [[Florencia]] dio lugar a un ambiente moral en el que se apoyaba y animaba a muchos artistas de segundo fila, quienes gracias a ello fueron capaces de crear obras de calidad extraordinaria. <ref name="Hartt">Frederick Hartt, ''A History of Italian Renaissance Art'', (1970)</ref> Una situación similar de grandes logros artísticos se dio en [[Venecia]] debido al talento de la familia [[Bellini (familia)|Bellini]], [[Andrea Mantegna|Mantegna]], [[Giogiorne|Giorgione]], [[Tiziano]] y [[Tintoretto]]. <ref name="Hartt" /><ref name="MB">Michael Baxandall, ''Painting and Experience in Fifteenth Century Italy'', (1974)</ref><ref>Margaret Aston, ''The Fifteenth Century, the Prospect of Europe'', (1979)</ref>
 
==Temas==
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Muchas de las pinturas del período del Renacimiento fueron encargadas por o para la Iglesia católica. Estas obras solían ser de gran tamaño; normalmente frescos que retratan la vida de Cristo, de la Virgen o de un santo, comúnmente [[Francisco de Asís|san Francisco de Asís]]. También hubo muchas pinturas alegóricas sobre el tema de la salvación y el papel que juega la Iglesia para poder alcanzarla. Las iglesias también encargaban [[retablo]]s, que se pintaban con témpera sobre madera y más tarde al óleo sobre lienzo. Además, se producían en grandes cantidades pequeñas imágenes devocionales, tanto para iglesias como para particulares, siendo el tema más popular la ''Virgen con niño''.
 
Durante este período también tuvieron su importancia los encargos por parte de las ciudades. Los edificios de gobierno se decoraban con frescos; hay obras laicas como ''[[Alegoría del Buen y del Mal Gobierno|Alegoría del Buen y el Mal Gobierno]]'' de ''[[Ambrogio Lorenzetti]] ''y religiosas como el fresco de ''[[Maestà]]'', pintado por [[Simone Martini]] en el ''Palazzo PubblicoPublico'' de [[Siena]].
 
Los retratos eran poco comunes en el siglo XIV y a comienzos del siglo XV; mayormente se limitaban a imágenes conmemorativas como lo fueron los retratos ecuestres de Guidoriccio da Fogliano por [[Simone Martini]] en 1327 en Siena, de [[John Hawkwood]] por [[Uccello]] en la Catedral de Florencia o de NiccolòNiccole da Tolentino por [[Andrea del Castagno]].
 
Durante el siglo XV los retratos se hicieron más comunes. Al principio eran casi siempre perfiles formales, pero más tarde se popularizaron los bustos con imagen de tres cuartos. A quienes habían patrocinado retablos y frescos a menudo se los incluía en las escenas. Un ejemplo notable es la inclusión de las familias Sassetti y [[Medici]] en la obra de [[Domenico Ghirlandaio]] en la ''Cappella Sassetti''. Los retratos llegarían a ser un tema principal en el Alto Renacimiento para pintores como [[Rafael Sanzio|Rafael]] o [[Tiziano]], tendencia que se prolongó en el Manierismo con obras de artistas como [[Bronzino]].
 
Con el avance del humanismo, los artistas volvieron a los temas clásicos, particularmente a la hora de decorar las casas de clientes ricos, siendo ''[[El nacimiento de Venus (Botticelli)|El nacimiento de Venus]]'' de [[Botticelli]] la obra más conocida, pintada para los Medici. Los temas clásicos también proporcionaban material alegórico para encargos civiles. El humanismo influyó, asimismoasí mismo,en En la manera en que se representaban los temas religiosos, siendo un ejemplo destacado el techo de la [[capilla Sixtina]] de Miguel Ángel.
 
Otros temas se tomaban de la vida contemporánea, algunas veces con sentido alegórico y otras con fines meramente decorativos. A veces se registraban incidentes importantes para ciertas familias, por ejemplo la ''Camera deglideli Sposi'' de [[Andrea Mantegna|Mantegna]], pintado para la familia Gonzaga en [[Mantua]]. Cada vez se pintaban más naturalezas muertas y escenas decorativas de la vida como ''El Concierto'' de [[Lorenzo Costa]]<nowiki/>en torno a 1490.
 
Con frecuencia se conmemoraban sucesos importantes en pinturas como la ''[[Batalla de San Romano]] de Uccello,'' así como festividades religiosas locales. También se representaban personajes de la historia de tal manera que servían como reflexión sobre sucesos de la época o sobre la vida de la gente común. Los textos de [[Dante]], ''[[La leyenda dorada]] de VoragineVorágine'' y el ''DecameronDecamerón'' de [[Boccaccio]] fueron fuentes importantes de temas.
 
En todos estos temas, y en el trabajo de la mayoría de los pintores, se desarrollaron técnicas particulares: observación de la naturaleza, estudio de anatomía, la luz y la perspectiva. <ref name=Hartt/><ref name=MB/><ref>Keith Christiansen, ''Italian Painting'', (1992)</ref>
 
==Pintura protorenacentistaproto renacentista==
 
===Tradiciones pictóricas del siglo XIII en la Toscana===
El arte de la región de la Toscana a finales del siglo XIII está marcado principalmente por dos maestros del estilo italoítalo bizantino; [[Cimabue]] de [[Florencia]] y [[Duccio]] de [[Siena]]. Les encargaron principalmente pinturas religiosas, entre ellos grandes retablos mostrando a la Virgen y el Niño. Estos dos pintores, junto con sus contemporáneos Guido de Siena, [[Coppo di Marcovaldo]] y el misterioso pintor conocido como "el maestro de San Bernardino", en cuyo estilo es posible que se basara la escuela, trabajaron de una manera muy formalizada y atendiendo a las antiguas tradiciones de la pintura de iconos.<ref>John White, ''Duccio'', (1979)</ref> En estas pinturas al temple muchos de los detalles venían fijados por el tema, por ejemplo la posición de las manos de la Virgen y el Niño, según el tipo de bendición que la pintura evocara en los observadores. Otras características como el ángel sobre la cabeza o los hombros de la Virgen o los pliegues en su velo, así como las líneas que definían sus rasgos se habían repetido en innumerables obras. Cimabue y Duccio tomaron una dirección hacia un mayor naturalismo, tal y como hizo [[Pietro Cavallini]] de Roma. <ref name=Hartt/>
 
===Giotto===
[[Archivo:Giotto - Scrovegni - -36- - Lamentation (The Mourning of Christ) adj.jpg|thumb|220px|[[Giotto]]: Lamentación sobre Cristo muerto, c. 1305, [[Capilla de los Scrovegni|Capilla Scrovegni]] |alt= Square fresco. In a shallow space like a stage set, lifelike figures gather around the dead body of Jesus. All are mourning. Mary Magdalene weeps over his feet. A male disciple throws out his arms in despair. Joseph of Arimethea holds the shroud. In Heaven, small angels are shrieking and tearing their hair.]]
[[Giotto]] (1266-1337), un chico pastor de los montes al norte de Florencia, fue aprendiz de Cimabue y llegó a ser el pintor más destacado de su época.<ref name="Vasari">Giorgio Vasari, ''[[Lives of the Artists]]'', (1568)</ref> Giotto, posiblemente influenciado por [[Pietro Cavallini|Pietro Cavilling]] y otros pintores romanos, no basó sus pinturas en ninguna tradición, sino que se guió por sus propias observaciones. A diferencia de sus contemporáneos bizantinos, las figuras de Giotto parecen tridimensionales. Están bien plantadas en el suelo, son anatómicamente correctas, las prendas que visten tienen una estructura y peso. Pero lo que más distingue a sus figuras de las de sus contemporáneos son las emociones que reflejan. En los rostros que pinta Giotto se aprecia alegría, ira, desesperación,vergüenzaVergüenza, despecho y amor. Los frescos ''La Vida de Cristo'' y ''La Vida de la Virgen'' que pintó en la [[capilla Scrovegni]] en [[Padua]] impusieron un nuevo estándar para las imágenes narrativas. Su ''Madonna'' ''Ognissanti'' se muestra en la Galería Uffizi en Florencia en el mismo cuarto que ''Santa Trinita Madonna de Cimabue'' y ''Ruccellai Madonna'' de Duccio, lo cual permite comparar los tres estilos. <ref>All three are reproduced and compared at [[Italian Renaissance painting, development of themes]]</ref> Una de las características que se aprecia en las obras de Giotto es su fidelidad a a perspectiva naturalista. Se le conoce como el heraldo del Renacimiento. <ref name=Eimerl>Sarel Eimerl, The World of Giotto, (1967)</ref>
===Contemporáneos de [[Giotto]]===
 
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Un tema que se repite en la decoración de las iglesias medievales es el Juicio Final. En el Norte de Europa suele haber un espacio con esculturas encima de la puerta que da al oeste; sin embargo, en las iglesias italianas, normalmente hay una pintura en el muro occidental interior, como ocurre en la Capilla Scrovegni de Giotto. La [[Peste negra|Peste Negra]] de 1348 hizo que los supervivientes tomaran más conciencia de la necesidad de afrontar la muerte en un estado de penitencia y absolución. La inevitabilidad de la muerte, las recompensas por penitencia y los castigos por los pecados son temas que destacan en numerosos frescos: quedan patentes los detalles del sufrimiento y representaciones surreales de los tormentos del infierno.
 
Estos incluyen ''El Triunfo de la Muerte'' por el pupilo de Giotto, [[Orcagna]]. [[Francesco Traini]] y [[Buonamico Buffalmacco|Byuonamico Buffalmacco]] trabajaron en los otros 3 frescos con el tema de la Salvación. Se desconoce exactamente cuando se comenzaron estos frescos pero se cree que fue después de 1348. <ref name=Hartt/>
 
A finales del siglo XIV, [[Padua]] contaba con dos importantes pintores de frescos: [[Altichiero]] y Giusto de' Menabuoi. La obra maestra de Giusto, la decoración del [[Baptisterio de Padua|Baptisterio]] adosado a la [[Catedral de Padua|Catedral ]] presenta el tema de la creación del hombre, su caída y salvación, e incorpora también una escena del [[Apocalypse|Apocalipsis]]. El trabajo de Giusto es excepcional en lo que se refiere a su amplitud, calidad y estado intacto; por otra parte, el tratamiento que recibe la emoción humana es conservador en comparación con la crucifixión de Altichiero en la Basílica de San Antonio, también en Padua. <ref>Mgr. Giovanni Foffani, ''Frescoes by Giusto de' Menabuoi'', (1988)</ref>
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===El gótico internacional===
A finales del siglo XIV, el [[Pintura gótica internacional|Gótico Internacional]] era el estilo predominante en la pintura Toscana. Se puede apreciar hasta cierto punto en la obra de Pietro y Ambrogio Lorenzetti, caracterizada por una dulzura y gracia formal en las figuras, y un encanto propio del gótico tardío en los pliegues de las telas . El estilo está plenamente desarrollado en las obra de [[Simone Martini]] y [[Gentile da Fabriano]], cuya elegancia y riqueza de detalles así como una representación idealizada contrasta con la cruda realidad que muestran las pinturas de Giotto. <ref name=Hartt/>
 
A principios del siglo XV, la brecha entre el gótico internacional y el renacimiento la salvan las pinturas de [[Fra Angelico]], muchas de las cuales son retablos en témpera que muestran la predilección del Gótico por lo elaborado, utilizando pan de oro y colores brillantes. En los frescos de su convento en Sant Marco se muestra como discípulo artístico de Giotto. Estas pinturas devocionales que adornan las celdas y pasillos habitados por los frailes representan episodios de la vida de [[Jesus|Jesús]], muchos de ellos escenas de la crucifixión. Son muy simples, en colores apagados, y transmiten una emoción intensa, pues el propósito del artista era plasmar visualmente las revelaciones espirituales. <ref name=Hartt/><ref>Helen Gardner, ''Art through the Ages'', (1970)</ref>
 
==Pintura renacentista temprana==
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En 1426 dos artistas comenzaron a pintar un fresco de ''La Vida de San Pedro'' en la capilla de la familia Brancacci, en la iglesia de Santa María del Carmine en Florencia. Ambos fueron conocidos por el nombre de Tommaso y apodados [[Masaccio]] y [[Masolino]].
 
Más que ningún otro artista, Masaccio reconoció las implicaciones en las obras de Giotto. Continuó con la práctica de pintar de la naturaleza. Sus pinturas demuestran un entendimiento de anatomía, perspectiva lineal y estudio de la luz. Entre sus obras, las figuras de ''La expulsión de Adán y Eva del Paraíso terrenal'', pintadas en el lateral del arco de la capilla, son reconocidas por su representación realista de la forma y emoción humana. Contrastan con las gentiles y agradables figuras pintadas por MasolinoMaso lino en ''Tentación de Adán''. La pintura de la capilla quedó inconclusa cuando Masaccio murió a los 26. El trabajo fue retomado más tarde por [[Filippino Lippi]]. La obra de Masaccio se convirtió en una fuente de inspiración para futuros pintores, entre ellos [[Leonardo da Vinci]] y [[Michelangelo|Miguel Ángel]]. <ref name=OC>Ornella Casazza, ''Masaccio and the Brancacci Chapel'', (1990)</ref>
 
===Desarrollo de la perspectiva lineal===
[[Archivo:Paolo Uccello 043.jpg|thumb|220px|Paolo Uccello: ''Presentación de María''|alt=Fresco. A scene in muted colours showing the porch of a temple, with a steep flight of steps. The Virgin Mary, as a small child and encouraged by her parents, is walking up the steps towards the High Priest.]]
Durante la primera mitad del siglo XV, el lograr un efecto de espacio realista en la pintura empleando la perspectiva lineal era una de las principales preocupaciones de los pintores y los arquitectos [[Filippo Brunelleschi|Brunelleschi]] y [[Leon Battista Alberti|Alberti]], quienes teorizaron el tema. Brunelleschi es conocido por haber hecho numerosos estudios a detalle de la plaza y Baptisterio afuera de la Catedral de Florencia y se cree que ayudó a Masaccio en la creación de su famosa [[Trompe l'oeil|''trompe l'oiloeil'']] alrededor de la Divina Trinidad que pintó en [[Santa Maria Novella]]. <ref name=OC/>
 
Según Vasari, [[Paolo Uccello]] estaba tan obsesionado con la perspectiva que solo pensaba en eso y experimentó con muchas pinturas, siendo la más conocida las 3 imágenes de [[Batalla de San Romano]] en las cuales utiliza las armas en el suelo, los campos y las montañas distantes para dar una impresión de perspectiva.
 
En la década de 1450 [[Piero della Francesca|Piero Della Francesca]] demostró en pinturas como ''La flagelación'', su dominio de la técnica y de la ciencia de la luz. Existe otra pintura, una vista de la ciudad, probablemente pintada por Piero della Francesca, que demuestra el tipo de experimentos que Brunelleschi estuvo haciendo. Desde esta época la perspectiva lineal fue entendida y empleada regularmente, como lo hizo [[Perugino]] en su obra [[Entrega de las llaves a San Pedro (Perugino)|Entrega de las llaves a San Pedro]] en la Capilla Sixtina. <ref name=W&M/>[[Archivo:Piero della Francesca 042 Flagellation.jpg|thumb|220px|Piero della Francesca: ''La flagelación'' |alt= Rectangular panel painting. The composition is divided in two, with an interior scene and an exterior scene. To the left, the pale, brightly lit figure of Jesus stands tied to a column while a man whips him. The ruler sits to the left on a throne. The building is Ancient Roman in style. To the right, two richly dressed men and a barefooted youth stand in a courtyard, much closer to the viewer, so appearing larger.]]
 
===Entendiendo la luz===
[[Giotto]] utilizaba tonalidades para crear forma. [[Taddeo Gaddi]] en su escena nocturna en la capilla Baroncelli demostró como se podía utilizar la luz para crear drama. [[Paolo Uccello]], cien años después, experimentó con el efecto dramático de la luz en algunos de sus frescos. El más conocido es un retrato ecuestre de [[John Hawkwood|John Hawkweed]] en el muro de la Catedral de Florencia. Tanto en esa pintura como en las cuatro cabezas de los profetas que pintó en la catedral, utilizó tonos altamente contrastantes, sugiriendo que cada figura estaba iluminada por una fuente natural de luz, como si la luz proviniera de una ventana real de la catedral. <ref>Annarita Paolieri, ''Paolo Uccello, Domenico Veneziano, Andrea del Castagno'', (1991)</ref>
 
[[Piero della Francesca]] llevó su estudio de la luz aún más lejos. En la ''Flagelación'' demuestra tener conocimiento de cómo la luz es diseminada proporcionalmente desde su punto de origen. Hay dos fuentes de luz en esta pintura, una interna y otra externa. A pesar de ser invisible, la posición de la fuente interna puede ser calculada con precisión matemática. Leonardo da Vinci continuó con el trabajo de Piero acerca de la luz. <ref>Peter Murray and Pier Luigi Vecchi, Piero della Francesca, (1967)</ref>
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}}
 
La Virgen María, reverenciada por la [[Iglesia católica]] en todo el mundo, fue particularmente adorada en Florencia. Había una imagen milagrosa de ella en una columna en el mercado de maíz, también la Catedral de [[Santa María del Fiore]] y la iglesia de [[Iglesia de Santa María Novella|Santa María Novella]] fueron nombradas en su honor. La imagen milagrosa del mercado fue destruida por un incendio, pero fue reemplazada por una nueva en la década de 1330 por [[Bernardo Daddi]].
 
Representaciones de [[Virgen con Niño|''La Virgen con Niño'']] fueron un tipo de arte muy común en Florencia. Desde pequeñas placas de terracotta producidas en masa hasta magníficos retablos como los de [[Cimabue]], [[Giotto]] y [[Masaccio]].
 
En el siglo XV y primera mitad del XVI, un taller dominó la producción de ''Madonnas'' sobre los demás. El taller de la familia della Robbia quienes más que pintores eran escultores de arcilla. [[Luca della Robbia|Luca Della Robbia]], famoso por su galleria ''cantoria'' en la catedral, fue el primer escultor en utilizar terracota vidriada para esculturas grandes. Muchos de los trabajos de su familia aún se conservan. La principal cualidad de los della Robbias, particularmente [[Andrea della Robbia]], era darle un gran naturalidad a los bebés modelados como Jesús y expresiones dulces a la Virgen. Impusieron un estándar que fue emulado por muchos otros artistas en Florencia.
 
Entre aquellos que pintaban a la Virgen devota durante el Renacimiento temprano fueron [[Fra Angelico]], [[Fra Filippo Lippi]], [[Verrocchio]] y [[Davide Ghirlandaio]]. La costumbre fue continuada por [[Sandro Botticelli|Botticelli]] quien produjo una serie de Madonnas durante veinte años para los [[Medici]], [[Perugino]], cuyas Madonnas y santos fueron conocidas por sus expresiones de dulzura y [[Leonardo da Vinci]]. Incluso [[Michelangelo|Migue Ángel]] quien era principalmente escultor, fue convencido para pintar ''Doni Tondo''. Las madonnas están también entre las principales obras de [[Rafael Sanzio|Rafael]].
 
==Renacimiento temprano y pintura en otras partes de Italia==
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===Andrea Mantegna en Padua y Mantua===
Uno de los pintores más influyentes del norte de Italia fue [[Andrea Mantegna]] de [[Padua]], quien tuvo la buena fortuna de estar presente cuando [[Donatello]] trabajaba ahí. Donatello creó numerosas obras de bronce ecuestre, el primero desde el Imperio romano, aún está visible a las afueras de la Basílica de San Antonio. También trabajó en el altar superior y creó una serie de paneles de bronce en los cuales alcanzó una destacada ilusión de profundidad.
 
Con solo 17 años de edad, Mantegna aceptó su primer encargo, los frescos con escenas de las vidas de san Juan y san Cristóbal para la capilla de la [[Iglesia de los Eremitas (Padua)|Eremitas]] en Padua. Desafortunadamente, el edificio fue destruido casi por completo durante la Segunda Guerra Mundial, y solo son conocidos por fotografías, en las cuales se aprecia un gran sentido de perspectiva. <ref name=DD>Diana Davies, Harrap's Illustrated Dictionary of Art and Artists, (1990)</ref> La última obra de Mantegna en Padua fue un monumental retablo de San Zeno, creado para el abat de la basílica de San Zeno, [[Verona]] de 1457 a 1459.<ref name="EL">Elena Lanzanova, trans. Giorgina Arcuri, ''[https://archive.today/20130121001603/http://www.arcadja.com/artmagazine/en/2008/06/23/restoration-of-mantegna%E2%80%99s-san-zeno-altarpiece-in-florence/ Restoration Of Mantegna’S San Zeno Altarpiece In Florence]'', Arcadja, (2008-06-23), (accessed: 2012-07-13)</ref> Este políptico influenció gran parte del desarrollo Renacentista en el norte de Italia. <ref name="EL3">Elena Lanzanova, trans. Giorgina Arcuri, ''[https://archive.today/20130121001603/http://www.arcadja.com/artmagazine/en/2008/06/23/restoration-of-mantegna%E2%80%99s-san-zeno-altarpiece-in-florence/ Restoration Of Mantegna’S San Zeno Altarpiece In Florence]'', Arcadja, (2008-06-23), (accessed: 2012-07-13)</ref> Incluyendo a artistas de la escuela de Verona como [[Francesco Morone]], [[Liberale da Verona]] y Girolamo dai Libri. <ref>[http://www.metmuseum.org/Collections/search-the-collections/110000960 metmuseum Madonna and Child with Saints Girolamo dai Libri (Italian, Verona 1474–1555 Verona), edit: 2000–2012]</ref>
 
La obra más famosa de Mantenga es la decoración interior de la ''Camera degli Sposi'' para la familia Gonzaga en [[Mantua]], fechada cerca de 1470. Las paredes contienen frescos con escenas de la vida de la familia; platicando, saludando a un hijo menor y a su tutor tras su regreso de Roma, preparándose para la caza, entre muchas otras escenas que no hacen referencia directa a temas históricos, literarios o religiosos. Se destacan por ser simplemente acerca de la vida en familia. <ref name=W&M/>
 
===CosmèCosme Tura en Ferrara===
Mientras Mantenga trabajaba para la familia Gonzaga en Mantua, un pintor muy diferente era empleado para trabajar en un proyecto más ambicioso para la familia Este de [[Ferrara]]. La pintura de [[Cosmè Tura]] es altamente distinguida por incorporar un estilo tanto Gótico como Clasicista al mismo tiempo. Tura colocaba a figuras Clásicas como si fuesen santos, rodeándolos de elementos luminosos, perfección surreal y vestimentas que parecieran estar fabricadas en cobre.<ref name=W&M/>
[[Archivo:Schifanoia Triumph Venus.jpg|thumb|220px|Francesco del Cossa: ''Triunfo de Venus''|alt= Fresco. At the centre of a surreal landscape, the richly dressed goddess is drawn down a stream on an ornate contraption pulled by swans. Young women are grouped to the right and young men to the left of the scene. In the foreground are white rabbits.]]
La familia de Borso dde 'Este había construido un gran corredor para banquetes conocido como el [[palazzo Schifanoia]].<ref>Schifanoia means "disgust of annoyances", or "Sans Souci", and indeed it lacks anything so commonplace as a kitchen so that all the food had to be transported.</ref> Borso, según los registros personales de Tura, lo contrató en 1470 para diseñar la decoración para el corredor, que sería realizado por [[Francesco del Cossa]] y [[Ercole de' Roberti]].
 
Este esquema era complicado simbólicamente y elaborado en ejecución. El tema recurrente es ''Ciclo del Año'' representado por los signos del Zodiaco. Sobre ellos se encuentran doce deidades romanas con sus distintos atributos. En la parte inferior se muestra la vida de la familia. Por ejemplo, para el mes de marzo se observa la figura de Minerva, diosa de la sabiduría. A pesar de que algunas partes de los frescos están gravemente dañadas, parece haber consistencia en el diseño de la escena, mostrando el estilo excéntrico de Cosmè Tura.<ref>Ranieri Varese, ''Il Palazzo di Schifanoia'', (1980)</ref>
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}}
 
En 1442 [[Alfonso V de Aragón]] comenzó a gobernar Nápoles, llevando con él una colección de [[Pintura flamenca (siglos XV y XVI)|pinturas flamencas]] e instalando una academia Humanista. El pintor [[Antonello da Messina]] pareció haber tenido acceso a la colección del Rey, que pudo haber incluido obras [[Jan van Eyck]]. <ref>Ilan Rachum, ''The Renaissance, an Illustrated Encyclopedia'', (1979)</ref>
 
Parece que estuvo expuesto a pinturas Flamencas antes que el resto de los florentinos. Llevó la técnica a Venecia con él, donde fue adoptada por [[Giovanni Bellini]] y se convirtió en la técnica de preferencia.
 
Antonello da Messina pintó principalmente pequeños y detallados retratos en colores brillantes. Pero fue una de sus más reconocidas obras en la que demostró su habilidad manejando perspectiva lineal y luz; ''[[San Jerónimo en su gabinete (Durero)|San Jerónimo en su gabinete]]'', enmarcada por un marco gótico, a través del cual se ve el interior doméstico y eclesiástico, en el centro se encuentra el santo sentado rodeado de sus posesiones. Se observa como la luz entra por cada puerta y ventana representando tanto luz directa como reflejos en la arquitectura. El trabajo de Antonello da messina influenció tanto a [[Gentile Bellini]], quien hizo la serie de pinturas ''Milagros de Venecia'', como a su hermano [[Giovanni Bellini|Giovanni]], uno de los más reconocidos pintores del alto Renacimiento en el norte de Italia. <ref name="Hartt" /><ref name="DD" />
 
==Alto Renacimiento==
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