Rock

género de música popular que se originó en la década de 1950 en los Estados Unidos
(Redirigido desde «Música rock»)

El rock es un amplio género de música popular originado a principios de la década de 1950 en Estados Unidos y que derivaría en un gran rango de diferentes estilos a mediados de los años 60 y posteriores, particularmente en ese país y Reino Unido.[1][2]​ Tiene sus raíces en el rock and roll de los años 50, estilo nacido directamente de géneros como el blues, el rhythm and blues (pertenecientes a la música afroamericana) y el country. También se nutrió fuertemente del blues eléctrico y el folk, además de incorporar influencias del jazz y la música clásica, entre otras fuentes. Instrumentalmente, el rock se ha centrado en la guitarra eléctrica, normalmente como parte de un grupo integrado por batería, bajo, uno o más cantantes y, algunas veces, instrumentos de teclado como el órgano y el piano. Usualmente, el rock se basa en canciones en compás de 4/4 y una estructura verso-estribillo; sin embargo, el género se ha vuelto extremadamente diverso y las características comunes son difíciles de definir. Como la música pop, las letras se centran a menudo en el amor romántico, pero también tratan un rango amplio de otros temas con un enfoque frecuente en lo social, lo personal y lo político.

Rock
Orígenes musicales
Orígenes culturales Década de los 50 y 60, Estados Unidos y Reino Unido
Instrumentos comunes
Subgéneros
(véase subgéneros del rock)
Fusiones
Rock andaluz, blues rock, country rock, dance rock, folk rock, funk rock, jazz fusión, noise rock, pop barroco, pop punk, pop rock, raga rock, rap rock, reggae rock, rock electrónico, rock industrial, rock latino, stoner rock
Escenas regionales
(véase rock por país)

A mediados de la década de 1960, los músicos de rock comenzaron a adoptar el álbum como medio dominante de difusión, expresión y consumo de música grabada, con The Beatles como la cara principal del desarrollo comercial del género. Sus contribuciones llevarían a la legitimación cultural del rock en el mainstream, iniciando así una época del álbum en la industria musical que perduraría varias décadas. Ya a finales de los 60, referido como el periodo del «rock clásico»,[1]​ habían surgido numerosos subgéneros, incluidos híbridos como el blues rock, folk rock, country rock, rock sureño, raga rock y el jazz rock, muchos de los cuales contribuirían al desarrollo del rock psicodélico, influenciado por la escena contracultural psicodélica y hippie. Los nuevos géneros que emergieron de esta escena incluyen el rock progresivo, que extendió los elementos artísticos; el glam rock, que resaltó el espectáculo en vivo y el estilo visual y el heavy metal, que se centra en el volumen, el poder y la velocidad. En la segunda mitad de los años 1970, el punk intensificó y reaccionó contra algunas de estas tendencias para producir una música cruda y energética, así como altamente política. Durante la década de 1980, el punk fue una de las principales influencias en el desarrollo de otros subgéneros como el new wave, el post-punk y, finalmente, el rock alternativo.

A partir de la década de 1990, el rock alternativo se convirtió en el estilo dominante del género y se hizo conocido en las formas de grunge, Britpop e indie rock. Desde entonces, han aparecido diversos subgéneros de fusión, incluidos el pop punk, el rock electrónico y el rap rock y rap metal, así como varios intentos de revivir la historia del rock, con el resurgimiento de géneros como el garage rock/post-punk durante los años 2000. La década de 2010 marcó un declive en la fama y relevancia cultural del rock, cuando géneros ajenos como el hiphop lo superaron en popularidad y dominaron gran parte del mainstream musical.

La música rock también abarcó y sirvió de vehículo para movimientos culturales y sociales, lo que llevó a la creación de subculturas como los mods y los rockers en Reino Unido y la contracultura hippie en San Francisco (Estados Unidos) en la década de 1960. De forma similar, la cultura punk de la década de 1970 originó las subculturas visualmente distintivas emo y gótica. Heredera de la tradición folclórica de la canción de protesta, la música rock ha sido asociada con el activismo político, así como con los cambios en las actitudes sociales sobre el racismo, el sexo y el uso de drogas y es usualmente vista como una expresión de la rebelión juvenil contra el consumismo y conformismo.

CaracterísticasEditar

A good definition of rock, in fact, is that it's popular music that to a certain degree doesn't care if it's popular.
Una buena definición del rock, de hecho, es que es música popular que hasta cierto grado no le importa si es popular.
Bill Wyman para Vulture (2016)[3]
 
Red Hot Chili Peppers en 2006, con la alineación típica de cuarteto de rock (de izquierda a derecha: bajista, vocalista, batería y guitarrista).

El rock ha estado tradicionalmente centrado en el sonido de la guitarra eléctrica amplificada, que emergió en su forma moderna durante los años 50 con la popularidad del rock and roll.[4]​ También fue influenciado por el sonido de los guitarristas de blues eléctrico.[5]​ La guitarra eléctrica en el rock es típicamente acompañada por un bajo eléctrico, que aparecería de forma pionera en la música jazz durante la misma época,[6]​ y una batería, instrumento de percusión que combina tambores y platillos.[7]​ Este trío es a veces acompañado de otros instrumentos, particularmente teclados como el piano, el órgano Hammond y el sintetizador.[8]​ Esta formación estaba directamente derivada de la instrumentación básica de los grupos de blues.[5]​ Sin embargo, una banda de rock suele constar de entre tres (un power trio) a cinco miembros, aunque un cuarteto es lo más común.[9]

Cronología y evoluciónEditar

Años 1950Editar

Rock and rollEditar

 
Chuck Berry en una imagen publicitaria de 1958

Los orígenes del rock se encuentran en el rock and roll, género nacido a finales de los años 40 y principios de los 50 en Estados Unidos, que rápidamente alcanzó fama mundial. Este proviene de la fusión de varios géneros de la música afroamericana de la época, como el rhythm and blues y el góspel, con otros estilos autóctonos como el country.[10]​ En 1951 en Cleveland, el disc-jockey Alan Freed empezó a transmitir rhythm and blues (en ese entonces conocida como race music) para audiencias multirraciales, y se lo acredita como la primera persona en emplear el término rock and roll para describir este tipo de música.[11]

No hay acuerdo sobre cuál de las muchas canciones denominadas la «primera grabación de rock and roll» merece realmente ese título. Entre las candidatas figuran «Good Rocking Tonight» (1948) de Wynonie Harris;[12]​ «Rock Awhile» (1949) de Goree Carter;[13]​ «Rock the Joint» (1949) de Jimmy Preston, versionada por Bill Haley & His Comets en 1952;[14]​ y «Rocket 88» de Jackie Brenston y sus Delta Cats (quienes eran en realidad Ike Turner y su banda Kings of Rhythm), producida por Sam Phillips para Sun Records en 1951.[15]​ También se ha argumentado que el sencillo debut de Elvis Presley, «That's All Right» de 1954, es «la primera grabación de rock and roll».[16]​ Otros artistas del género con éxitos tempranos fueron Chuck Berry, Bo Diddley, Fats Domino, Little Richard, Jerry Lee Lewis y Gene Vincent.[15][17]

En 1955, «Rock Around the Clock» de Bill Haley se convirtió en la primera canción de rock and roll en liderar las listas de la revista Billboard.[18][19]​ Pronto el rock and roll sería la principal fuente de ventas en el mercado musical estadounidense, lo que provocó que crooners como Eddie Fisher, Perry Como y Patti Page, que habían dominado la música popular en la década pasada, encontraran su acceso a las listas de éxitos considerablemente limitado.[20]

El rock and roll derivó en numerosos subgéneros, incluidos el rockabilly, en combinación con la música country «hillbilly», que sería grabado e interpretado por artistas blancos como Carl Perkins, Jerry Lee Lewis, Buddy Holly y, con enorme éxito comercial, Elvis Presley, a mediados de los años 50.[21]​ Los movimientos hispanos y latinoamericanos en el rock and roll, que popularizarían el rock latino y chicano en Estados Unidos, empezaron a emerger en el Suroeste del país con músicos de rock and roll estándar como Ritchie Valens y otros con diferentes influencias culturales, como Al Hurricane y sus hermanos Tiny Morrie y Baby Gaby, que comenzaron a fusionar el rock and roll con el country-western en la música tradicional de Nuevo México.[22][23]​ Otros estilos como el doo wop, originado en grupos vocales afroamericanos en los años 30 y 40, pondrían especial énfasis en las armonías vocales y los coros (de los cuales el género obtendría su nombre), y eran usualmente acompañados por una instrumentación ligera.[24]​ Grupos como The Crows, The Penguins, The El Dorados y The Turbans consiguieron grandes éxitos y otros músicos como The Platters, con «The Great Pretender» (1955),[25]​ y The Coasters, con temas humorísticos como «Yakety Yak» (1958),[26]​ fueron de los más exitosos músicos de rock and roll de su época.[27]

En este periodo creció también la popularidad de la guitarra eléctrica, y se desarrolló un estilo de tocar específico con exponentes de rock and roll como Chuck Berry, Link Wray y Scotty Moore.[28]​ El uso de la distorsión, innovado por guitarristas de blues eléctrico como Guitar Slim,[29]Willie Johnson y Pat Hare, y los power chords, innovado por los dos últimos, a principios de los años 1950,[30]​, fueron popularizados, respectivamente, por Chuck Berry a mediados de la década,[31]​ y Link Wray a finales.[32]

En Reino Unido, los movimientos de jazz tradicional y folclore atrajeron a músicos de blues al país.[33]​ En 1955, el éxito «Rock Island Line» de Lonnie Donegan influenció notablemente el desarrollo de la moda skiffle, que dio origen a diversas bandas en todo el país, muchas de las que, como The Quarry Men de John Lennon, pasarían a tocar rock and roll.[34]

De forma retrospectiva, se percibió un declive en el género hacia finales de la década y principios de la siguiente. En 1959, la muerte de Buddy Holly, The Big Bopper y Ritchie Valens en un accidente aéreo, llamado «El día que murió la música», el alistamiendo de Elvis en el ejército estadounidense, el retiro de Little Richard para convertirse en predicador, las persecuciones legales a Jerry Lee Lewis y Chuck Berry y los escándalos de payola (con la implicación de figuras mayores, como Alan Freed, en corrupción y sobornos para la promoción de actos individuales y canciones) daban la sensación de que la era del rock and roll establecida hasta ese momento había llegado a su fin.[35]

Pop rock y rock instrumentalEditar

El término «pop», usado desde principios del siglo XX para referirse a la música popular en general, empezó a ser usado hacia mediados de los años 1950 para un género específico, dirigido a un público más joven y a veces considerado una alternativa más suave al rock and roll.[36][37]​ Alrededor de 1967, sería cada vez más usado en oposición al término rock y se lo describía como una forma de música más comercial, efímera y accesible.[38]​ En contraste, la música rock se enfocaría en obras más extensas, particularmente álbumes, y a menudo asociada con algunas subculturas en particular (como la contracultura en la década de 1960), y con un especial énfasis en los valores artísticos, la «autenticidad», las actuaciones en vivo y el virtuosismo instrumental o vocal, vista como una cápsula de los desarrollos progresivos, en lugar de como un reflejo de las tendencias existentes.[38][36][37][39]​ No obstante, gran parte del pop y rock ha sido bastante similar en sonido, instrumentación y contenido lírico y términos como «pop-rock» y «power pop» se usaron para describir un tipo de música comercialmente exitosa que usa elementos, o la fórmula, del rock.[40][n 1]

Pese que a finales de los años 1950 y principios de los 1960 se originaron importantes innovaciones y tendencias sin las que no habría sido posible el desarrollo posterior del género,[43][44]​ este periodo ha sido tradicionalmente visto como una era de receso para el rock and roll.[45]​ Mientras que el rock and roll temprano, particularmente en la forma de rockabilly, fue un gran éxito comercial para músicos blancos, en estos años el género fue dominado por artistas femeninas y artistas negros. Al término de la década, el rock and roll influenció notablemente al baile twist, que tendría un enorme auge de popularidad a principios de los 1960, con Chubby Checker en particular como músico con el mayor éxito.[44]​ El doo wop también resurgió durante este período y grupos como The Marcels, The Capris, Maurice Williams and the Zodiacs y Shep and the Limelites consiguieron éxitos en las listas musicales.[27]​ Por otro lado, la creciente fama de girl groups como The Chantels, The Shirelles y The Crystals produjo un cambio de enfoque de la producción a una mucho más pulida y con especial énfasis en las armonías, lo que contrastaba notablemente con el rock and roll temprano.[46]​ Algunos de los éxitos más significativos de estos grupos fueron producto del Brill Building, un edificio de oficinas de Nueva York donde trabajaban varios compositores, incluida la dupla de Gerry Goffin y Carole King, autores de «Will You Love Me Tomorrow» en 1960, primera canción de The Shirelles —y de un grupo de mujeres afroamericanas— en alcanzar el número 1 de las listas musicales estadounidenses.[47][48]

 
James Brown presentándose en 1969

En 1958, Cliff Richard tuvo el primer gran éxito del rock and roll británico con «Move It», que marcó el comienzo del rock en Reino Unido.[49]​ Para inicios de los años 1960, su banda de apoyo The Shadows se estableció como el grupo más exitoso que grababa instrumentales.[50]​ Mientras el rock and roll iba desvaneciéndose en el pop ligero y las baladas, las bandas británicas que tocaban rock en clubes y pubs, notablemente influenciadas por pioneros del blues rock como Alexis Korner, empezaron a tocar con una intensidad raramente presente en los músicos blancos estadounidenses.[51]

La música soul también tuvo un significativo auge como una fuerza comercial mayor. Desarrollada fuera del rhythm and blues con un renutrimiento del gospel y el pop, e influenciada por pioneros de mediados de los 1950 como Ray Charles y Sam Cooke,[52]​ hacia principios de los 1960, figuras afroamericanas como Marvin Gaye, James Brown, Aretha Franklin, Curtis Mayfield y Stevie Wonder dominaban las listas de R&B e irrumpieron en las principales listas de pop (lo que ayudó a acelerar su desegregación) a la vez que sus sellos discográficos Motown y Stax/Volt se convertían en empresas dominantes en la industria musical.[53]​ Todos estos elementos, incluidas las armonías cerradas del doo wop y los girl groups, la delicada composición de las canciones del Brill Building Sound y los pulidos valores de producción del soul, influenciaron considerablemente el sonido del Merseybeat, en especial el trabajo temprano de The Beatles y, eventualmente a través de ellos, el de la música rock en general.[54]​ Otras innovaciones y desarrollos técnicos importantes construidos alrededor del rock and roll durante este período incluyen el tratamiento electrónico del sonido de productores como Joe Meek y los elaborados métodos de producción de la Wall of Sound perseguidos por Phil Spector.[44]

Años 1960Editar

Música surfEditar

 
The Beach Boys tocando en 1964

El rock and roll instrumental de músicos como Duane Eddy, Link Wray y The Ventures sería desarrollado por Dick Dale, quien le añadiría una distintiva reverb «mojada», una veloz técnica de alternate picking, e influencias de la música medioriental y mexicana.[55]​ En 1961 Dale lanzaría —con un enorme éxito regional— «Let's Go Trippin'», comenzado así una locura por la música surf, a esta le seguiría con temas como «Misirlou» en 1962.[56]​ Al igual que Dale y sus Del-Tones, la mayoría de bandas del surf temprano serían formadas en el Sur de California, incluyendo a The Bel-Airs, The Challengers, y Eddie & the Showmen.[56]​ Otras instrumentales exitosas durante los inicios del género serían «Pipeline» (1962) de The Chantays, y «Wipe Out» (1963) de The Surfaris, que alcanzarían, respectivamente, el puesto 4 y 2 en la Billboard Hot 100.[57]

El surf, sin embargo, alcanzaría su mayor éxito como música vocal, concretamente con el trabajo de The Beach Boys, formada durante 1961 en el Sur de California. Sus primeros álbumes incluirían tanto instrumentales surf rock (incluyendo versiones de la música de Dick Dale) como canciones, caracterizandose por la inclusión de armonías cerradas del pop de grupos como The Four Freshmen, y elementos del rock and roll y doo wop.[58]​ El sencillo debut de The Beach Boys, «Surfin'» de 1962, se convertiría en un éxito comercial, logrando entrar al top 100 de la listas de Billboard, y ayudando así a hacer de la música surf un fenómeno nacional.[59]​ Debido a que la mayoría de música surf fue grabada y publicada entre 1961 y 1965, se considera que la carrera de casi todos los grupos y músicos del género terminó con la llegada de la «Invasión británica» en 1964.[60][n 2]

Invasión británicaEditar

 
The Beatles llegando a Nueva York al inicio de la Invasión británica, en enero de 1964.

Para finales de 1962, lo que se convertiría en la escena del rock británico empezaría con bandas de beat como The Beatles, Gerry and the Pacemakers y The Searchers de Liverpool, y Freddie and the Dreamers, Herman's Hermits y The Hollies de Mánchester. Estas se surtirían de una amplia gama de influencias estadounidenses, incluyendo el rock and roll de los 1950, el soul, el rhythm and blues y la música surf,[61]​ originalmente interpretando estándares de la música estadounidense para ser bailados. Otros grupos como The Animals de Newcastle, Them de Belfast,[62]​ y en particular aquellos de Londres como The Rolling Stones y The Yardbirds, estaban más directamente influenciados por el rhythm and blues y blues tardío.[63]​ Pronto estos grupos empezarían a componer su propio material, combinando las diferentes formas de música estadounidense e inyectandolas con energéticos ritmos. Las bandas de beat solían ir a por «animadas e irresistibles melodías», mientras que las del blues británico temprano iban por canciones más agresivas, menos sexualmente inocentes, a veces adoptando una postura antisistema. Había, sin embargo, una inclinación a mezclar estas dos tendencias, en especial en sus etapas iniciales.[64]​ Para 1963, las bandas de beat, lideradas por The Beatles, empezarían a tener enorme éxito nacional en Reino Unido, seguidas poco atrás en las listas musicales por los grupos más influenciados por el rhythm and blues.[65]

En febrero de 1964, «I Want to Hold Your Hand» de The Beatles se convertiría en la primera canción de esta proliferación de bandas en alcanzar el puesto número uno de la Billboard Hot 100,[66]​ permaneciendo un total de 15 semanas en la lista, con siete en la cima.[67][68]​ El 9 de febrero del mismo año, la primera aparición del grupo en The Ed Sullivan Show sería visualizada por 73 millones de televidentes, convirtiéndose en ese entonces en el episodio más visto de un programa de entretenimiento, y marcando un hito en la cultura popular estadounidense.[69]​ Dos meses más tarde, durante la semana del 4 de abril de 1964, The Beatles lograrían posicionar 12 sencillos en el Billboard Hot 100, incluyendo el top cinco entero. El éxito de The Beatles —que eventualmente les llevaría a ser los artistas musicales con mayores ventas de la historia— ramificaría a que las listas musicales de Estados Unidos fueran invadidas de bandas británicas.[64]​ Durante los dos años siguientes los artistas británicos dominarían la industria musical nacional y estadounidense, con músicos como The Kinks,[70]The Dave Clark Five,[70]Peter and Gordon, The Animals, Manfred Mann, Petula Clark, Freddie and the Dreamers, Wayne Fontana and the Mindbenders, Herman's Hermits, The Rolling Stones, The Troggs, y Donovan liderando en al menos una ocasión las listas de éxitos.[67]

 
The Rolling Stones en una imagen publicitaria de 1965

Esta «invasión británica» ayudaría a internacionalizar el sonido del rock and roll, dando lugar así a que músicos británicos e irlandeses posteriores tuvieran enorme éxito comercial.[71]​ En Estados Unidos esto se traduciría al fin de la música surf instrumental, los grupos vocales femeninos y, por un tiempo, los ídolos adolescente, que habían dominado las listas de éxitos del país durante finales de los 1950 e inicios de los 60.[72]​ La carrera de importantes intérpretes de R&B, como Fats Domino y Chubby Checker, se estancó, así como el éxito en las listas musicales de los artistas restantes del rock and roll original, incluido Elvis, se encontraría temporalmente acabado.[73]​ La invasión británica también desempeñó un papel importante en el ascenso del rock como un estilo musical distintivo y en la primacía de las bandas en el género, al establecer la formación típica de guitarras y batería y la creación de su propio material a modo cantautor.[24]​ Siguiendo el ejemplo establecido por The Beatles con Rubber Soul en 1965, varios grupos británicos editaron álbumes de rock como «declaración artística» en 1966, entre ellos, Aftermath de The Rolling Stones, Revolver de los propios Beatles y A Quick One, de The Who. También siguieron esta tendencia algunos músicos estadounidenses, como The Beach Boys con Pet Sounds y Bob Dylan con Blonde on Blonde.[74]

Folk rockEditar

dyla

Hacia la década de 1960, la escena que se había desarrollado a partir del American folk music revival se había convertido en un movimiento importante, en el que se tocaba música tradicional y composiciones nuevas en estilo tradicional, usualmente con instrumentos acústicos.[75]​ En Estados Unidos, el género fue innovado por figuras como Woody Guthrie y Pete Seeger y se asoció comúnmente con el movimiento obrero y progresista.[75]​ A principios de la década, cantautores como Joan Báez y Bob Dylan encabezaban el folk.[76]​ Dylan empezó a alcanzar popularidad mainstream alrededor de 1963, con éxitos como «Blowin' in the Wind» y «Masters of War», que ayudarían a acercar la «canción de protesta» a un público más amplio.[77]​ Sin embargo, y pese a que empezaban a influenciarse mutuamente, el rock y folk se mantendrían extensamente como géneros separados, a menudo con audiencias mutuamente excluyentes.[78]

Entre los ejemplos tempranos de combinación de elementos del rock y folk se incluye la versión de «The House of the Rising Sun» (1964) de The Animals, considerada la primera canción de folk grabada con instrumentación de rock and roll en ser un éxito comercial,[79]​ y «I'm a Loser» (1964) de The Beatles, primera canción del grupo directamente influenciada por Dylan.[80]​ Sin embargo, el auge del folk rock suele atribuirse a la grabación de The Byrds de «Mr. Tambourine Man» de Dylan, que lideró las listas de éxitos musicales en 1965.[78]​ The Byrds, cuyos miembros habían sido parte de la escena folk de Los Ángeles, adoptaron una instrumentación de rock que incluía batería y guitarras Rickenbacker de doce cuerdas, que luego fueron un elemento esencial en el sonido del género.[78]​ Ese mismo año, Dylan también comenzó a usar instrumentos eléctricos –muy para el disgusto de muchos puristas del folk– y su sencillo «Like a Rolling Stone» se convirtió en un éxito en Estados Unidos.[78]​ Según el crítico y periodista musical Richie Unterberger, Dylan (incluso antes de adoptar instrumentos eléctricos) influenció a músicos de rock como The Beatles y demostró «a la generación roquera en general que un álbum podía ser una importante declaración independiente sin sencillos exitosos», tal como The Freewheelin' Bob Dylan de 1963.[81]

El folk rock fue particularmente bien recibido en California, donde grupos como The Mamas & the Papas y Crosby, Stills & Nash adoptaron instrumentos eléctricos, y en Nueva York, donde surfieron grupos como The Lovin' Spoonful y el dúo Simon and Garfunkel, que remezclaron su canción «The Sounds of Silence» (1965) con instrumentación eléctrica para convertirse en su primer gran éxito comercial.[78]​ Varios de estos grupos influenciarían enormemente a músicos británicos como Donovan y Fairport Convention,[82]​ con estos últimos, en 1969, abandonando su mezcla de versiones estadounidenses y canciones inspiradas por Dylan para tocar exclusivamente música tradicional inglesa con instrumentos eléctricos.[83]​ Este tipo de folk rock británico fue subsecuentemente adoptado por bandas como Pentangle, Steeleye Span y The Albion Band, causando en respuesta que grupos irlandeses, como Horslips, y escoceses, como JSD Band y Spencer's Feat (luego Five Hand Reel), empezarán a implementar su música tradicional en el género, lo que a principios de los años 1970 se convertiría en rock celta.[84]

El folk rock alcanzó su máximo apogeo comercial entre los años 1967 y 1968, antes de que muchos de los artistas del género se pasaran a otros estilos, incluyendo a Dylan y The Byrds, quienes empezaron a tocar country rock.[85]​ A pesar de todo, la hibridación del folk con el rock fue vista como una influencia mayor en el crecimiento posterior de este, trayendo elementos de la psicodelia y ayudando a desarrollar los conceptos de cantautor, canción de protesta y «autenticidad».[82][86]

Rock psicodélicoEditar

The Beatles introdujeron varios de los principales elementos del sonido psicodélico a su audiencia durante este periodo, tales como el acople de guitarra, el sitar indio y los efectos de sonido backmasked.[87]​ Aunque la vibra inspirada por el LSD de la música psicodélica empezó en la escena folk,[88]​ particularmente en la escena musical emergente de California, cuando los grupos empezaron a replicar la transición de folk a folk rock de The Byrds en 1965.[87]​ Con la banda texana 13th Floor Elevators, un año después, siendo el primer grupo en promocionarse a sí mismos como «rock psicodélico».[88]

OtrosEditar

Años 1970Editar

 
El club CBGB, en Nueva York, un desaparecido icono del punk y la new wave que vio las primeras actuaciones de Ramones, Talking Heads y Blondie.
 
Bon Scott (derecha) con Angus Young (izquierda), tocando en vivo con AC/DC en el Ulster Hall en agosto de 1979.
 
Queen en un concierto en 1977

Años 1980Editar

 
Vista nocturna de L.A. desde Hollywood Hills. La ciudad se convirtió en la meca del rock durante gran parte de la década.
 
U2, una de las bandas más influyentes desde los años 1980 hasta la actualidad.

Años 1990Editar

 
El éxito de Nirvana impulsó la oleada del grunge en los años 1990.

Años 2000 en adelanteEditar

 
El nu metal tuvo su apogeo a principios de la década. Linkin Park fue el grupo más exitoso con más de 60 millones de discos vendidos.

Impacto socialEditar

Los distintos géneros del rock fueron adoptados y esenciales para la identidad de diversas subculturas. En las décadas de 1950 y 1960, respectivamente, los jóvenes británicos adoptaron las subculturas Teddy boys y Rocker, ambas centradas en el rock and roll de Estados Unidos. La contracultura de la década de 1960 estaba muy relacionada con el rock psicodélico. La subcultura punk de mediados de la década de 1970 comenzó en los Estados Unidos y Gran Bretaña casi simultáneamente y tomó una imagen distintiva creada por la diseñadora Vivienne Westwood que se popularizó en todo el mundo. Desde la escena punk, las subculturas Emo y Gótica crecieron presentando sus estilos visuales propios.

 
El Festival de Woodstock de 1969 fue visto como una celebración del estilo de vida contracultural.

Cuando una cultura internacional del rock se ha desarrollado, consiguió destronar al cine como la mayor influencia en la moda. Los seguidores de la música rock usualmente desconfiaron del mundo de la moda, al que usualmente han visto como una exageración de la importancia de la imagen a costa del contenido. La moda del rock ha sido considerada una combinación de culturas y periodos distintos, así como una expresión de visiones divergentes sobre la sexualidad y el género, y la música rock en general ha sido vista y criticada por facilitar una mayor libertad sexual. El rock también ha sido asociado con varias formas de uso de drogas, incluyendo los estimulantes consumidos por algunos mods en los inicios y mediados de la década de 1960, por el LSD relacionado con el rock psicodélico al final de los años 1960 e inicios de los 1970; y ocasionalmente la marihuana, cocaína y heroína, todas elogiadas en las canciones.

El rock ha recibido crédito por cambiar las actitudes raciales al abrir la cultura afrodescendiente a una audiencia más amplia; pero también ha sido acusado de apropiarse y explotar esa cultura. Mientras que el rock ha absorbido muchas influencias e introdujo al público occidental a tradiciones musicales distintas, su popularidad a nivel mundial ha sido interpretada como una forma de imperialismo cultural. El rock tomó la tradición folclórica de la música protesta, haciendo declaraciones políticas sobre temas como la guerra, la religión, la pobreza, los derechos humanos, la justicia y el medio ambiente. El activismo político alcanzó su punto máximo con el sencillo "Do They Know It's Christmas?" ("¿Saben ellos que es Navidad?", de 1984) y el concierto Live Aid para Etiopía en 1985, que mientras concientizaron con éxito sobre la pobreza y el altruismo, también han sido criticados (junto con otros eventos similares), por dar una plataforma para mejorar el prestigio propio y proporcionar mayores ganancias para los intérpretes involucrados.

Desde sus inicios tempranos, la música rock ha sido asociada con la rebelión contra las normas sociales y políticas, lo cual era más obvio en el rechazo en el rock and roll temprano hacia la cultura dominada por los adultos. El rechazo de la contracultura hacia el consumismo y el conformismo y el rechazo del punk hacia todas las formas de convención social, pueden ser vistos como una forma de explotación comercial de estas ideas y una forma de distraer a la juventud de la acción política, social y ambiental.

Véase tambiénEditar

NotasEditar

  1. El pop-rock es definido como «[una] variación optimista de la música rock representada por artistas como Elton John, Paul McCartney, Rod Stewart, Chicago, y Peter Frampton».[41]Power pop fue acuñado por Pete Townshend de The Who en 1966, pero no sería usado de manera extensa hasta los años 1970 para describir a bandas como Badfinger, que tendrían enorme éxito comercial.[42]
  2. The Beach Boys serían la única banda que lograría reinventarse durante mediados de los 1960, produciendo varios sencillos y álbumes exitosos durante este período, incluyendo el aclamado Pet Sounds en 1966, que les haría, posiblemente, el único grupo estadounidense de pop o rock que podía rivalizar con los grupos de Invasión Británica.[59][60]

ReferenciasEditar

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  2. Pop/Rock en AllMusic
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  9. Shepherd, 2003, «Quartet», p. 56 por D. Laing.
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  90. The Jimi Hendrix Experience Jimi Hendrix expanded the range and vocabulary of the electric guitar into areas no musician had ever ventured before. Many would claim him to be the greatest guitarist ever to pick up the instrument. At the very least his creative drive, technical ability and painterly application of such effects as wah-wah and distortion forever transformed the sound of rock and roll. Hendrix helped usher in the age of psychedelia with his 1967 debut, Are You Experienced?, and the impact of his brief but meteoric career on popular music continues to be felt
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FuentesEditar

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En líneaEditar

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Enlaces externosEditar