La música (del griego: μουσική [τέχνη] - mousikē [téchnē], «el arte de las musas») es, según la definición tradicional del término, el arte de crear y organizar sonidos y silencios respetando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psicoanímicos. El concepto de música ha ido evolucionando desde su origen en la Antigua Grecia, en que se reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza como arte unitario.
Nacido en Pésaro de padres músicos, su padre trompetista y su madre cantante, Rossini comenzó a componer a los 12 años y fue educado en la escuela de música de Bolonia. Su primera ópera se representó en Venecia en 1810 cuando tenía 18 años. En 1815, se comprometió a escribir óperas y dirigir teatros en Nápoles. En el período 1810-1823 escribió 34 óperas para la escena italiana que se representaron en Venecia, Milán, Ferrara, Nápoles y otros lugares. Esta productividad requería un enfoque casi formulado para algunos componentes (como las oberturas) y una cierta cantidad de autopréstamo. Durante este período produjo sus obras más populares, incluidas las óperas cómicas La italiana en Argel, El turco en Italia, El barbero de Sevilla y La Cenicienta, que llevó a su máxima expresión la tradición de la ópera bufa que heredó de maestros como Domenico Cimarosa y Giovanni Paisiello. También compuso obras de ópera seria como Tancredi, Otelo, La dama del lago y Semiramide. Todas estas atrajeron admiración por su innovación en melodía, color armónico e instrumental y de forma dramática. En 1824, la Ópera de París lo contrató, para la que produjera una ópera para celebrar la coronación de Carlos X, El viaje a Reims (reutilizada más tarde para su primera ópera en francés, El conde Ory), revisiones de dos de sus óperas italianas, Le Siège de Corinthe y Mosè in Egitto, y en 1829 su última ópera, Guillermo Tell. (Leer más...)
Fue el miembro más importante de una de las familias de músicos más destacadas de la historia, con más de 35 compositores famosos: la familia Bach. Tuvo una gran fama como organista y clavecinista en toda Europa por su gran técnica y capacidad de improvisar música al teclado. Además del órgano y del clavecín, tocaba el violín y la viola da gamba. (Leer más...)
En la primera década del siglo XX, Gustav Mahler fue uno de los más importantes directores de orquesta y de ópera de su momento. Después de graduarse en el Conservatorio de Viena en 1878, fue sucesivamente director de varias orquestas cada vez más importantes en diversos teatros de ópera europeos, llegando en 1897 a la que entonces se consideraba la más notable: la dirección de la Ópera de la Corte de Viena (Hofoper). Durante sus diez años en la capital austriaca, Mahler —judío converso al catolicismo— sufrió la oposición y hostilidad de la prensa antisemita. Sin embargo, gracias a sus innovadoras producciones y a la insistencia en los más altos niveles de representación, se granjeó el reconocimiento como uno de los más grandes directores de ópera, particularmente como intérprete de las óperas de Richard Wagner y de Wolfgang Amadeus Mozart. Posteriormente, fue director de la Metropolitan Opera House y de la Orquesta Filarmónica de Nueva York. (Leer más...)
En sus inicios, fundamentó su reputación como compositor en obras como El holandés errante y Tannhäuser, que seguían la tradición romántica de Weber y Meyerbeer. Transformó el pensamiento musical con la idea de la «obra de arte total» (Gesamtkunstwerk), la síntesis de todas las artes poéticas, visuales, musicales y escénicas, que desarrolló en una serie de ensayos entre 1849 y 1852, y que plasmó en la primera mitad de su monumental tetralogía El anillo del nibelungo. Sin embargo, sus ideas sobre la relación entre la música y el teatro cambiaron nuevamente y reintrodujo algunas formas operísticas tradicionales en las obras de su última etapa, como en Los maestros cantores de Núremberg. Las obras de Wagner, particularmente las de su último periodo (que se corresponden con su etapa romántica), destacan por su textura contrapuntística, riqueza cromática, armonía, orquestación y un elaborado uso de los leitmotivs (temas musicales asociados a caracteres específicos o elementos dentro de la trama). Wagner fue pionero en varios avances del lenguaje musical, como un extremo cromatismo (asociado con el color orquestal) o la ampliación del cosmos armónico a través de un continuo desplazamiento de los centros tonales, lo que influyó en el desarrollo de la música clásica europea. (Leer más...)
Liszt se hizo famoso en toda Europa durante el siglo XIX por su gran habilidad como intérprete. Sus contemporáneos afirmaban que era el pianista técnicamente más avanzado de su época y quizás el más grande de todos los tiempos. También fue un importante e influyente compositor, un profesor de piano notable, un director de orquesta que contribuyó significativamente al desarrollo moderno del arte y un benefactor de otros compositores y artistas, intérpretes o ejecutantes, en particular de Richard Wagner, Hector Berlioz, Camille Saint-Saëns, Edvard Grieg y Aleksandr Borodín. (Leer más...)
En sus primeras óperas mostró simpatía por el movimiento del Risorgimento, que buscaba la unificación de Italia. También participó brevemente como político elegido. El coro «Va, pensiero» de su tercera ópera, Nabucco (1842) —y coros similares en óperas posteriores—, estaban muy en el espíritu del movimiento de unificación y se llegó a considerar al propio compositor como un representante de estos ideales. Sin embargo, Verdi, una persona intensamente reservada, no trató de congraciarse con los movimientos populares y, a medida que tuvo éxito profesional, redujo su carga de trabajo operístico y buscó establecerse como terrateniente en su región natal. Sorprendió al mundo musical al regresar, después de su éxito con la ópera Aida (1871), con tres obras maestras tardías: su Réquiem (1874) y las óperas Otelo (1887) y Falstaff (1893). (Leer más...)
Desde muy joven Holst mostró un talento precoz en la composición y la interpretación. Después de asistir a Eothen School y St Paul's Girls' School, ingresó en el Royal College of Music, donde desarrolló sus habilidades como directora y ganó varios premios por composición. Incapaz de seguir sus ambiciones iniciales de ser pianista o bailarina debido a razones de salud, pasó la mayor parte de la década de 1930 enseñando y como organizadora a tiempo completo de la English Folk Dance and Song Society. Estas obligaciones redujeron sus actividades compositivas, aunque realizó muchos arreglos de canciones populares. Después de ocuparse de la organización del Arts Council of Great Britain al inicio de la Segunda Guerra Mundial, en 1942 comenzó a trabajar en Dartington. En sus nueve años allí, estableció a Dartington como un importante centro de educación y actividad musical. (Leer más...)
Shostakóvich se hizo famoso en los años iniciales de la Unión Soviética, con obras como su Primera Sinfonía o la óperaLa nariz, que combinaban con gran originalidad la tradición rusa y las corrientes modernas procedentes de occidente. Posteriormente, su música fue unas veces denunciada como decadente y reaccionaria y otras alabada como representativa del nuevo arte socialista por el Partido Comunista de la Unión Soviética (PCUS). En público, siempre se mostró leal con el sistema soviético, ocupó responsabilidades importantes en las instituciones artísticas, aceptó pertenecer al PCUS en 1960 y llegó a ser miembro del Sóviet Supremo de la Unión Soviética. Su actitud frente al gobierno y el Estado soviético ha sido objeto de agrias polémicas y se ha discutido enconadamente si fue o no un disidente clandestino frente a la URSS. (Leer más...)
Inició su carrera musical a inicios de los años 80 como vocalista de un grupo infantil llamado Din-Din y en 1986, tras la salida de Sasha Sokol, se integró a la banda Timbiriche, con la que grabó 3 álbumes de estudio, y de la que se separó en 1989. Poco después viajó a Los Ángeles (California) para prepararse como solista. Regresó a México en 1990 y publicó su primer álbum como solista titulado Thalía, bajo el sello discográfico Fonovisa, al que siguieron Mundo de cristal en 1991 y Love en 1992, los cuales lograron éxito en ventas en territorio mexicano. En 1994 firmó un contrato con la discográfica EMI, con la cual lanzó diez álbumes de estudio. En 2009 firmó un contrato con Sony Music, la cual era dirigida entonces por su esposo, Tommy Mottola. Más tarde consiguió un disco de diamante y triple certificación de su primer álbum en directo, Primera fila: Thalía, al distribuir quinientas mil copias en México. (Leer más...)
Influenciado por varios artistas estadounidenses de blues y rock and roll, a principios de los años 1960 comenzó su carrera como vocalista en algunas bandas inglesas, en las que además tocaba ocasionalmente la guitarra y la armónica. En 1968 fue uno de los miembros fundadores de Led Zeppelin, en la que grabó ocho álbumes de estudio hasta 1980 y un disco posterior a la separación de la banda publicado en 1982. Gracias a su presencia escénica y vestimenta creó una de las imágenes más icónicas de la historia del rock y debido a su particular estilo vocal es considerado por la Enciclopedia Británica como el creador del sonido que definió la voz del hard rock y heavy metal. En 1975 sufrió un grave accidente automovilístico junto con su familia y dos años después murió repentinamente su hijo Karac de cinco años de edad, hechos que redujeron considerablemente las actividades de la banda en la segunda parte de los setenta. Luego de la publicación de In Through the Out Door en 1979 y un par de presentaciones al año siguiente, la agrupación oficializó su separación el 4 de diciembre de 1980 tras el fallecimiento del baterista John Bonham acontecido casi tres meses antes.[1] (Leer más...)
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Gabriel Urbain Fauré (Pamiers, Francia, 12 de mayo de 1845-París, 4 de noviembre de 1924) fue un compositor, pedagogo, organista y pianistafrancés. Fauré es considerado uno de los compositores franceses más destacados de su generación y su estilo musical influyó en muchos compositores del siglo XX. Entre sus obras más conocidas destacan la Pavana, el Réquiem, los nocturnos para piano y las canciones «Après un rêve» y «Clair de lune». Aunque sus composiciones más conocidas y accesibles para el gran público son generalmente las de sus primeros años, Fauré compuso gran parte de sus obras más apreciadas por los críticos al final de su carrera, en un estilo armónica y melódicamente más complejo.
Nació en una familia culta, pero sin particular afición musical, y demostró su talento para la composición cuando apenas era un niño. Fue enviado a la École Niedermeyer, donde se formó para ser organista de iglesia y director de coro. Entre sus mentores se encontraba Camille Saint-Saëns, quien se convirtió en su amigo de por vida. Tras graduarse en 1865, Fauré se ganaba la vida de forma modesta como organista y maestro, lo que le dejaba poco tiempo para componer. (Leer más...)
Nacido en Cremona, donde realizó sus primeros estudios musicales y composiciones, inició sus estudios de música con Marco Antonio Ingegnieri, maestro de capilla de la Catedral de Cremona, y a los 16 años publicó sus primeras obras. Desarrolló su carrera primero en la corte de Mantua (c. 1590-1613) y luego, hasta su muerte, en la República de Venecia. Sus cartas sobrevivientes dan una idea de la vida de un músico profesional en la Italia de la época, incluidos los problemas de ingresos, patrocinio y políticos. (Leer más...)
Nació en una familia acomodada con fuertes puntos de vista morales y una vida social progresista. A lo largo de su vida procuró estar al servicio de sus conciudadanos y hacer que la música estuviera lo más disponible posible para todos. Escribió muchas obras para la interpretación de aficionados y estudiantes. Musicalmente se desarrolló tarde y no encontró su verdadera voz hasta finales de los treinta; sus estudios en 1907-1908 con el compositor francés Maurice Ravel lo ayudaron a clarificar las texturas de su música y liberarla de las influencias teutónicas. (Leer más...)
Graduado en el Conservatorio de San Petersburgo, Prokófiev inicialmente se dio a conocer como compositor-pianista iconoclasta y logró notoriedad con una serie de obras ferozmente disonantes y virtuosas para su instrumento, incluidos sus dos primeros conciertos para piano. En 1915, Prokófiev hizo una ruptura decisiva de la categoría estándar de compositor-pianista con su orquestal Suite escita, compilada a partir de música originalmente compuesta para un ballet encargado por Serguéi Diáguilev de los Ballets Rusos. Diáguilev encargó otros tres ballets a Prokófiev: El bufón, El paso de acero y El hijo pródigo, que en el momento de su producción original causaron sensación entre críticos y colegas. Sin embargo, el mayor interés de Prokófiev fue la ópera y compuso varias obras en ese género, incluyendo El jugador y El ángel de fuego. El único éxito operístico de Prokófiev durante su vida fue El amor de las tres naranjas, compuesto para la Ópera de Chicago y posteriormente interpretado durante la siguiente década en Europa y Rusia. (Leer más...)
Romance es el octavo álbum de estudio del cantante mexicanoLuis Miguel, lanzado el 19 de noviembre de 1991 por el sello WEA Latina. Aunque la producción originalmente iba a ser otra colaboración con Juan Carlos Calderón, el plan fue desechado cuando este fue incapaz de componer canciones para el álbum. Antes de que se cumpliese el plazo para la presentación de un nuevo material según su contrato, por sugerencia de su mánager, Luis Miguel eligió el género del bolero como su próximo proyecto. El cantante y compositor mexicano Armando Manzanero fue contratado por WEA Latina para coproducir el disco con Luis Miguel. La grabación comenzó en agosto de 1991 en Ocean Way Recording en Hollywood, California, con Bebu Silvetti en los arreglos musicales.
En el álbum, Luis Miguel versiona doce boleros, originalmente publicados entre 1944 y 1986. Los dos primeros sencillos, «Inolvidable» y «No sé tú», alcanzaron el primer lugar de la lista BillboardHot Latin Songs en Estados Unidos y se mantuvieron seis meses en la cima de las listas mexicanas. «Mucho corazón» y «Cómo» estuvieron entre los primeros puestos de Hot Latin Songs, y «Usted» y «La barca» recibieron un lanzamiento airplay a lo largo de Latinoamérica. El artista promocionó Romance con una gira por Estados Unidos y Latinoamérica. El disco recibió comentarios positivos por los críticos de música, que elogiaron la voz de Luis Miguel y la producción del disco. El cantante ganó varios reconocimientos, incluyendo una nominación al Grammy por mejor álbum pop latino. (Leer más...)
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OK Computer es el tercer álbum de estudio de la banda británica de rock alternativoRadiohead, lanzado el 21 de mayo de 1997 a través de las subsidiarias de EMIParlophone y Capitol Records. Radiohead produjo el álbum en forma independiente junto a Nigel Godrich, procedimiento que luego repitieron para álbumes posteriores. Excepto por la canción «Lucky», grabada en 1995, el resto de los temas fue grabado en la zona rural de Oxfordshire y Bath, durante 1996 y principios de 1997, mayoritariamente en la mansión solariega St Catherine's Court. La banda se distanció del estilo de su anterior disco, The Bends, en el que predominaba la guitarra y las letras introspectivas. En OK Computer se observan letras abstractas, un sonido denso, con varias capas, e influencias eclécticas, lo cual sentó las bases para el trabajo posterior del grupo, más experimental.
El álbum presenta un mundo azotado por el creciente consumismo, la alienación social, el aislamiento emocional y malestar político. Por esta razón, se ha considerado que OK Computer ha tenido una comprensión profética del estilo de vida del siglo XXI. La banda utilizó técnicas de producción no convencionales, como por ejemplo el uso de la reverberación natural que se produce al grabar en una escalera, y evitar la separación de sonido. Las secciones de cuerdas se grabaron en los Abbey Road Studios; el guitarrista Ed O'Brien estimó que el ochenta por ciento del álbum se grabó en directo. (Leer más...)
El disco marcó un retorno a la estética gótica tanto por temática como por composición. Pese a su posterior éxito comercial, Elektra Records, la antigua discográfica de The Cure en Norteamérica, le advirtió en las primeras mezclas del álbum a Robert Smith, compositor de la mayoría de las letras y líder de la banda, que estaba cometiendo su «suicidio comercial».[2] Disintegration también supuso el despido de Laurence Tolhurst y su reemplazo oficial por Roger O'Donnell. Tolhurst, uno de los cofundadores de la banda, tenía problemas de alcoholismo y dificultades para adaptarse en el rol de teclista.[3] Además, Disintegration fue el álbum con el que Robert Smith logró su maduración como artista.[4] (Leer más...)
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Crazy World es el undécimo álbum de estudio de la banda alemana de hard rock y heavy metalScorpions, publicado en 1990 por Mercury Records. Después de varios desacuerdos sobre la dirección musical de Savage Amusement (1988), el grupo terminó su relación de trabajo de trece años con el productorDieter Dierks. A su vez, también dieron por finiquitado su contrato con el mánager David Krebs y en 1989 con EMI Records, su otrora distribuidor en varios mercados mundiales. Por esa razón, Crazy World fue su primer disco publicado exclusivamente por PolyGram, empresa matriz del sello Mercury. Para cubrir el puesto de Dierks habían considerado a Bruce Fairbairn, pero debido a compromisos previos del canadiense, terminaron contratando al estadounidense Keith Olsen.
Su grabación se llevó a cabo en los estudios Goodnight LA en Los Ángeles, pero las partes vocales las realizaron en los Wisseloord Studios en Hilversum, debido a que el vocalista Klaus Meine sufría de alergia a la fibra de vidrio que tenía las paredes del edificio propiedad de Olsen. El traslado de los equipos desde Alemania —donde se realizó la preproducción— a Los Ángeles y luego a Ámsterdam hasta llegar a Hilversum, aumentó considerablemente el costo de producción. Por su parte, además de los habituales compositores de la banda (Meine, Rudolf Schenker y Herman Rarebell) en esta oportunidad se les sumó el guitarrista Matthias Jabs y, por primera vez en su historia, el bajista Francis Buchholz. Adicionalmente, por intervención de Fairbairn, contaron con la ayuda de Jim Vallance, quien tuvo créditos como cocompositor en siete de las once canciones. Cabe señalar que este es el último disco grabado con su formación clásica, ya que en 1992 Buchholz dejó la banda. (Leer más...)
Para su lanzamiento en abril de 2007, Year Zero vendió más de 187.000 en su primera semana, llegando al puesto número dos de la lista Billboard 200. El álbum recibió reseñas positivas, muchas de ellas favorables con el acompañamiento del juego de realidad alternativa. Se extrajeron dos sencillos, «Survivalism» y «Capital G», el último lanzado como sencillo promocional. Surgieron disputas entre Reznor y Universal Music Group, dueña de Interscope Records, por el precio del álbum fuera de los Estados Unidos, en concreto en Australia. Reznor mostró su descontento por los diez dólares extra añadidos al precio del CD por la capa térmica, diciendo que lo pagó de su propio bolsillo, por lo que era un abuso. Year Zero fue el último álbum de estudio de Nine Inch Nails en ser lanzado a través de Interscope. En octubre de 2007, Reznor anunció que Nine Inch Nails había terminado sus obligaciones contractuales con Interscope, acabando así la relación entre la banda y el sello discográfico. (Leer más...)
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Like a Virgin es el segundo álbum de estudio de la cantante estadounidense Madonna, publicado el 12 de noviembre de 1984 por la compañía Sire Records. Luego del lanzamiento de su álbum debut, Madonna quería consolidar su futuro en la industria musical basándose en el éxito obtenido con su primer disco. Para ello, tomó la decisión de convertirse en uno de los productores del proyecto, pero los ejecutivos de Warner Bros. no estuvieron de acuerdo en otorgarle la libertad creativa que ella deseaba. Finalmente se eligió a Nile Rodgers como el principal productor del disco, gracias al trabajo que llevó a cabo junto con David Bowie. En 1985, se lanzó una versión internacional que incluyó «Into the Groove» como pista adicional; en 2001, Warner Bros. Records publicó una versión remasterizada con dos remezclas adicionales.
El álbum fue grabado en el Power Station Studio en Nueva York durante un breve período. Rodgers contrató a sus antiguos compañeros de Chic: Bernard Edwards, bajista, y Tony Thompson, batería; ambos colaboraron en varias pistas. Además, Rodgers aceptó ser el guitarrista, luego de que Edwards lo solicitara como requisito para trabajar en el proyecto. Jason Corsaro, el ingeniero de audio, lo persuadió a utilizar la grabación digital, una técnica recién implementada en aquel entonces. Steven Meisel tomó las fotografías y diseñó la portada. Madonna quería que el título y la portada hicieran un vínculo provocativo entre su propio nombre religioso, Madonna —el título católico para la Virgen María—, y el concepto cristiano de la Inmaculada Concepción. Junto con Rodgers, también colaboró con su antigua pareja Stephen Bray, con quien compuso varias canciones. La música está orientada hacia el dance pop, pero algunas melodías también incorporan elementos del new wave. (Leer más...)
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Erotica es el quinto álbum de estudio de la cantante estadounidense Madonna, publicado en Estados Unidos el 20 de octubre de 1992 por Maverick y Sire Records. El álbum salió a la venta simultáneamente con su primer libro Sex, un coffee table book con fotografías explícitas de la cantante. Ambos también marcaron el primer lanzamiento de Maverick, su propia compañía de entretenimiento multimedia, que consistía en una productora de cine y una discográfica. Erotica es un álbum conceptual sobre el sexo y el romance y Madonna presentó un alter ego llamado Mistress Dita, inspirado en la actriz alemana Dita Parlo. No obstante, otras canciones también adquieren un tono más confesional y personal, influenciado principalmente por la pérdida de dos amigos de la artista a causa del VIH/sida.
Para la producción Madonna colaboró con Shep Pettibone y André Betts, a la vez que trabajaba en otros proyectos como Sex y la película A League of Their Own. Cuando la cantante se encontraba en Chicago, Pettibone le envió una cinta con tres maquetas que le gustó, por lo que en octubre de 1991 comenzaron a grabar el álbum en el apartamento del productor, en Nueva York. En las sesiones ambos tuvieron problemas durante la secuencia y, como resultado, Pettibone trataba de acelerar el proceso tan rápido como fuese posible, ya que no quería que Madonna perdiera el interés en su música. Según él, las composiciones de la intérprete eran serias e intensas y su dirección creativa los guio hacia un territorio profundamente personal. Pettibone detalló la producción del álbum en un artículo titulado «Erotica Diaries», publicado por la revista Icon. (Leer más...)
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True Blue es el tercer álbum de estudio de la cantante estadounidense Madonna, publicado el 30 de junio de 1986 por la compañía discográfica Sire Records. Para su grabación, la cantante trabajó en conjunto con Stephen Bray y Patrick Leonard, además de haber participado en la composición y producción de todas las pistas del álbum. Referido como su obra más femenina, True Blue mostró sus conceptos del amor, el trabajo, los sueños, así como el de las decepciones, y fue inspirado por su entonces esposo Sean Penn, a quien Madonna le llegó a dedicar el álbum. Las canciones tomaron una dirección diferente a la que fueron sus trabajos previos, ya que incorporó elementos de música clásica dentro de su habitual género dance pop con el fin de que pudiese atraer un público más maduro que se mantenía escéptico ante su obra.
La instrumentación del álbum incluye sonidos de guitarras acústicas, baterías, sintetizadores e instrumentos musicales típicos de Cuba. Las pistas abarcan letras que van desde el amor hasta la libertad, y en el caso de «Papa Don't Preach», problemas sociales como el embarazo adolescente. Luego de su lanzamiento, True Blue recibió reseñas generalmente positivas por parte de críticos musicales, quienes lo describieron como lo mejor del dance pop y como un arquetipo para los álbumes publicados a finales de los años 1980 y principios de los de 1990. También elogiaron el hecho de que la voz de Madonna sonara más fuerte que en sus trabajos anteriores, al tiempo que destacaron sus habilidades como compositora, cantante y artista. (Leer más...)
Las grabaciones del disco tomaron más de un año, periodo en el que registraron más de treinta y seis canciones, la mayoría de las cuales fueron desechadas debido a que la banda consideró que no eran un aporte para el género. La edición final del álbum y sus videoclips poseen una temática ambientada —al igual que la película Blade Runner— en una California futurista y posapocalíptica del año 2019, en donde unos forasteros llamados Killjoys combaten contra una corporación que controla a la sociedad. La banda ha manifestado que esta idea es una metáfora de las cosas por las que pasaron durante la creación del disco. El vocalista de la banda, Gerard Way, publicaría durante 2013 un cómic que continúa la historia descrita en los videoclips del álbum. A diferencia de como lo habían hecho con sus trabajos anteriores, la agrupación señaló que Danger days no es un álbum conceptual, aunque hay críticos que sí lo refieren como tal. (Leer más...)
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Pure Instinct es el decimotercer álbum de estudio de la banda alemana de hard rock y heavy metalScorpions, publicado en 1996 por East West Records a nivel internacional y por Atlantic Records en los Estados Unidos. En 1994 el grupo modificó sus contratos corporativos, ya que dejó PolyGram para firmar con Warner Music International y terminó su vínculo con la empresa del mánagerDoc McGhee para cambiarse a Part Rock Management & Hard to Handle Management de Stewart Young y Steve Barnett. A partir de entonces, Scorpions se dispuso a trabajar en un nuevo álbum, sabiendo que el auge del rock alternativo y grunge le había quitado la otrora popularidad al hard rock y heavy metal. En la preproducción, la banda decidió no competir con las agrupaciones de rock alternativo y prefirió explorar en su propio estilo para mantenerse vigente en la industria. Es por esa razón que decidió hacer un «álbum enfocado en las emociones y relaciones humanas básicas», ejemplificado mayormente en power ballads.
Para la grabación, iniciada en diciembre de 1995, contó con el músico de sesión alemán Curt Cress, ya que el baterista Herman Rarebell renunció porque no estaba de acuerdo con este nuevo enfoque musical. La producción la realizó la banda junto con su ingeniero de sonidoErwin Musper, después de que la idea de contar con varios productores no pudo concretarse. Sin embargo, East West rechazó la primera maqueta y solicitó a Keith Olsen que la revisara y realizara los cambios necesarios, lo que alargó el proceso de grabación en tres meses. Las canciones, escritas mayormente por Klaus Meine y Rudolf Schenker, poseen bastante melodía, experimentación y como puntos fuertes, «tintineos de guitarra acústica y otras narraciones imaginativas» según Meine. (Leer más...)
A Thousand Suns es un álbum conceptual que trata principalmente sobre el miedo a una guerra nuclear. La banda reconoció que, debido a la experimentación con sonidos nuevos y distintos, fue un cambio radical con respecto a sus trabajos anteriores. Shinoda afirmó en una entrevista de MTV que en su obra hacen referencia a numerosos problemas sociales como la «mezcla de ideas humanas con la tecnología» y los «temores [del hombre], el miedo de lo que va a ocurrir en el mundo». El título del álbum proviene de una cita del texto sagrado hinduistaBhagavad Gītā, recordada por Robert Oppenheimer tras la creación de la bomba atómica: «Si cientos de miles de soles aparecieran en el cielo al mismo tiempo, su brillo podría semejarse al de la refulgencia de la Persona Suprema en esa forma universal». (Leer más...)
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Wish You Were Here es el noveno álbum de estudio de la banda de rock británica Pink Floyd, lanzado el 12 de septiembre de 1975 a través de Harvest Records en el Reino Unido y Columbia Records en los EE. UU., el primero para el sello. Basado en material que Pink Floyd compuso mientras actuaba en Europa, Wish You Were Here se grabó en numerosas sesiones a lo largo de 1975 en los estudios EMI —ahora Abbey Road Studios— en Londres.
Los temas líricos del álbum se refieren a la alienación y la crítica del negocio de la música. La mayor parte del álbum está ocupada por «Shine On You Crazy Diamond», un tributo de nueve partes al miembro fundador Syd Barrett, quien dejó la banda siete años antes debido al deterioro de su salud mental. Barrett visitó casualmente durante la producción del álbum en 1975. Al igual que su lanzamiento anterior, The Dark Side of the Moon (1973), Pink Floyd empleó efectos de estudio y sintetizadores durante la grabación. Los cantantes invitados incluyeron a Roy Harper, quien proporcionó la voz principal en «Have a Cigar», y Venetta Fields, quien agregó coros a «Shine On You Crazy Diamond». Para promocionar el álbum, la banda lanzó el sencillo doble cara A «Have a Cigar» / «Welcome to the Machine». (Leer más...)
Desde su concepción en 2002, la banda escribió 150 canciones, pero solo un puñado de ellas fueron registradas. Su grabación comenzó en octubre de 2003 en los estudios Peppermint Park de Hannover (Alemania) y la producción la realizaron Scorpions y Erwin Musper. Antes de iniciar el proceso, el bajista Ralph Rieckermann renunció para enfocarse a su carrera como compositor de bandas sonoras de películas, por lo que, durante las primeras sesiones, el guitarrista Matthias Jabs tocó las líneas de bajo. Como no encontraron un bajista en su país, un asistente de Rudolf Schenker les recomendó al polaco Paweł Mąciwoda. Para las canciones, la banda quería recuperar su clásico estilo, pero, a la vez, sonar moderna. A pesar de que fueron compuestas con la tonalidad habitual, el vocalista Klaus Meine recomendó bajar las guitarras en medio o un tono, ya que le dificultaba mantener determinadas notas altas. Al hacerlo, encontraron el sonido que querían inicialmente. (Leer más...)
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In Utero es el tercer y último álbum de estudio de la banda estadounidense de grungeNirvana, lanzado en septiembre de 1993 por DGC Records. Nirvana pretendía que esta grabación sonara diferente a la pulida producción de su anterior álbum, Nevermind (1991). A fin de lograr un sonido más natural y áspero, el grupo contrató al productor Steve Albini para grabar In Utero durante un periodo de dos semanas en febrero de 1993, en Pachyderm Studio. La música se grabó rápidamente con pocos trucos de estudio, y las letras de las canciones y la presentación del álbum incorporaban imágenes médicas que transmitían los puntos de vista del líder Kurt Cobain sobre su vida personal, su reciente paternidad y la nueva fama de la banda, este álbum es el último con Kurt Cobain como vocalista y guitarrista, ya que solo 6 meses después, Cobain se suicidó.
Poco después de terminar la grabación, comenzaron a circular rumores en la prensa acerca de la posibilidad de que DGC no lanzara el álbum en su estado original, ya que consideraba que el resultado no era viable comercialmente. Aunque Nirvana negó públicamente estas afirmaciones, el grupo no estaba completamente satisfecho con el sonido logrado por Albini. Este rehusó modificar aún más el álbum, por lo que al final la banda contrató a Scott Litt para hacer cambios menores en el sonido del álbum y volver a mezclar los sencillos «Heart-Shaped Box» y «All Apologies». (Leer más...)
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Rumours es el undécimo álbum de estudio de la banda británica de rockFleetwood Mac, publicado en 1977 por Warner Bros. Records. Su grabación se llevó a cabo en 1976 en varios estudios de los Estados Unidos, cuya producción quedó a cargo de Ken Caillat, Richard Dashut y la propia agrupación. Las sesiones estuvieron marcadas por los conflictos personales entre los músicos y el consumo abusivo de cocaína. Las letras de todas sus canciones tratan sobre relaciones personales, a menudo tumultuosas; en cierto modo, un reflejo de lo que pasaba al interior de la banda. Considerada como una producción de soft rock y pop rock, su música presenta una mezcla de instrumentación acústica y eléctrica.
Una que vez que salió al mercado, recibió reseñas positivas por parte de la prensa especializada, que destacó aspectos como la interacción vocal de sus cantantes, la música y la producción. Las revistas Billboard, Cashbox, Rolling Stone y Record World lo nombraron el álbum del año, y sus productores ganaron un premio Grammy por la misma categoría. De igual manera logró una gran notoriedad comercial en los principales mercados mundiales, porque llegó al número uno en Australia, Canadá, Estados Unidos, Nueva Zelanda, Países Bajos y el Reino Unido. Adicionalmente, en menos de un mes de su publicación ya había conseguido varias certificaciones discográficas en varios países. Rumours es uno de los álbumes más vendidos en el mundo, ya que en 2020 se estimó que superaba las 45 millones de copias comercializadas. (Leer más...)
... The Formation World Tour de Beyoncé contó con un cubo LED giratorio de 60 pies (18 m) de altura como punto focal de la escena, apodado el "Monolith" por los diseñadores?
... Serguéi Rajmáninov siempre firmaba sus conciertos?, esto se puede apreciar en la cadencia final de sus obras, donde siempre tocaba tan-tata-tan, cuatro notas rítmicas en referencia a: Rach-mani-nov.
... Hayley Williams tuvo una relacion con el guitarrista de ParamoreJosh Farro y, a pesar de su ruptura, Hayley fue a su matrimonio?
Ludwig van Beethoven es considerado generalmente como uno de los compositores más preclaros e importantes de la historia de la música y su legado ha influido de forma decisiva en la evolución posterior de este arte.
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